La pedagogía y andragogía de las artes plásticas como acto de aprendizaje

Resumen

La presente investigación tiene por finalidad analizar la Pedagogía y Andragogía de las Artes Plásticas como Acto de Aprendizaje en los Estudiantes de la Escuela de Artes Visuales Rafael Monasterios, mediante encuestas estructuradas, a través de una exhaustiva revisión y análisis de fuentes de carácter documental y experimental. La importancia de este trabajo de grado fue cubrir y dar un aporte al problema actual de la Deserción Escolar dirigido a la población estudiantil de la Esuela de Artes Visuales Rafael Monasterios, la cual a estado presente desde muchos años atrás sin poder ser solucionada y erradicada como problema en la actualidad debido a la ignorancia del tema Deserción Escolar. Dando a conocer los errores y posibles soluciones presentadas por la población estudiantil de la Escuela de Artes Visuales Rafael Monasterios, de esta manera podremos encaminarnos hacia un mejoramiento del rendimiento académico y la recuperación del interés por parte del estudiante.

Descriptores: Artes Plásticas, Estudiantes, Docentes, Deserción Escolar Causas, Consecuencias, Medidas, Soluciones.

Introducción

El sistema educativo es eficiente cuando logra sus objetivos de enseñanza, en un tiempo adecuado y sin desperdicio de recursos humanos y financieros. Dos graves problemas que afectan a la eficiencia del sistema educativo son la repetición y la deserción.

Aquel estudiante que ingresa al sistema educativo tiene tres opciones: aprobar, repetir o desertar, el cual la repetición y la deserción implican un desperdicio de recursos económicos y humanos que afectan los niveles de eficiencia del sistema. Por tanto, los tres fenómenos están estrechamente interrelacionados.

La deserción escolar es el último eslabón en la cadena del fracaso escolar. Antes de desertar, el estudiante probablemente quedó repitiendo, con lo que se alargó su trayecto escolar, bajó su autoestima y comenzó a perder la esperanza en la educación. En consecuencia, para comprender el punto final de la deserción, se debe analizar más detenidamente el comienzo del problema, la repitencia. Ella es la mayor causa de deserción escolar. También debemos tener en cuenta los distintos factores para que se genere esta situación

En Venezuela la problemática se extiende por todo el territorio nacional dejando así un alto índice de deserción el cual en muchos de los estados del país comprende casi un 45% de su población estudiantil entre edades comprendidas de 10 a 18 años, lo cual nos hace referencia a que quienes abandonan el sistema educativo en su mayoría son aquellos que se encuentran en una etapa Pre-adolescente y adolescente lo cual dirige la investigación principalmente a quienes cursan el bachillerato o técnico medio.

En este caso particular la investigación y razón de este trabajo especial de grado debe estar dirigida a los estudiantes de la Escuela de Artes Visuales Rafael Monasterios, mediante procedimientos realizados se llegara a la conclusión que servirá de punto de partida en el presente texto, tomando en cuenta sobre todo las posibles soluciones y/o recomendaciones expresadas por los mismos estudiantes de dicha institución.

Este trabajo de grado tiene por finalidad analizar el problema existente en los estudiantes de la Escuela de Artes Visuales Rafael Monasterios relacionados con los términos de la Pedagogía y Andragogía dentro de las Artes Plásticas como Acto de Aprendizaje, de la cual se verán los pasos usados para dar a conocer las causas que principalmente originan el problema actual de la Deserción Escolar, ofreciendo un aporte dirigido a la población estudiantil de la Esuela de Artes Visuales Rafael Monasterios.

La escuela debe hacer todo lo posible por mantener la asistencia regular de sus estudiantes a clases. Muchas veces, la decisión de abandonar la escuela nace del aburrimiento que producen las clases, ya que los estudiantes sienten que lo que les enseñan no vale la pena, que no tiene relevancia en su vida. Para abordar este problema, existen escuelas que trabajan en torno a la creación de proyectos que los estudiantes diseñan y llevan a cabo, flexibilizan el curriculum y lo hacen más interesante para sus estudiantes.

CAPÍTULO I

Planteamiento del problema

A nivel mundial no es raro conseguir casos que traten de las diferentes actividades escolares y la desmotivación que poseen los estudiantes con referente a las mismas generando un fenómeno socio-educacional llamado deserción escolar, en los países del mundo al hablar de este termino la mayoría desconocen su definición pero están familiarizados con este hecho, dejando así un vació entre lo que ocurre y la solución al problema, esto es a que la diversas causas (motivacionales o comunicacionales) no se pueden demostrar con facilidad ya que si la responsabilidad recae tanto en los educadores como en el alumnado.

Los motivos a nivel mundial de la deserción escolar, se presentan de la siguiente forma según sea el caso:

• Motivacional: falta de ánimo por parte del estudiante, generando cuesta abajo un rendimiento escolar y debido a la falta de aceptación de parte de si mismo decide "faltar" como normalmente se refiere a este hecho o "inasistir" a clases; otra razón se presenta al poco apoyo brindado en clases (bien sea de parte de los compañeros o el mismo educador) por ende es mas fácil escapar que enfrentarse a estas situaciones.

Entre otros motivos la falta de apoyo familiar o la misma situación crítica con referente al hogar generan deserción escolar.

• Comunicacional: problema mas frecuente dentro de la instituciones de educación, bien sea porque la directiva no ejerce activamente evaluaciones a los docentes y estudiantes o no se genera una comunicación estudiante- profesor de forma estable, entre los mismos estudiantes existen problemas a nivel comunicacional generando roses y desconciertos malos entendidos y discusiones, bajo este tipo de presión generan deseos e indicios de deserción.

En la Republica Bolivariana de Venezuela ocurre que casi el 75% de los estudiantes desertan siendo en Aragua la mayor cantidad en su porcentaje llegando a un preocupante 48% de todo el país (estas cifras varían ya que esto fue un censo realizado por el ministerio de poder popular para la educación en 2009).

En específico en la ciudad de Maracay, el 70% de población estudiantil al menos ha desertado alguna ves en su vida escolar, lo que nos trae a reflexión las siguientes preguntas, ¿Por qué desertan los estudiantes?, ¿Dónde están las Fallas? y por ultimo ¿Bajo que causa se produce este hecho?

La escuela de Artes Visuales Rafael Monasterios, no se encuentra exceptuada de esta situación, reconociendo pues que por una causa u otra, los estudiantes (la mayoría) ha desertado al menos una vez de algunos de los talleres.

Solo siendo estudiante se puede llegar a comprender por que esto se sucita, ya que solo entre los alumnados se puede escuchar las quejas, los reclamos sordos y las protestas silenciosas sobre distintas clases y profesores de los cuales mortifican, presionan, molestan, generan dudas, enfrentamientos o menos precien el talento de los que serán la nueva generación.

Evitando que se superen, para ellos no ser relevados no permiten al estudiante convertirse en artista (esto no incluye a todo el cuerpo docente), retornando siempre en lo mismo como un circulo sin avance.

El problema a tratar en la escuela de artes es la deserción bien sea por el alumnado o por el cuerpo docente es un mal que debe ser erradicado, para que el avance de aquellos que son el futuro de la cultura y el arte, por ellos, por nosotros ante ustedes este trabajo.

Justificación

De acuerdo a la preocupación por el déficit de estudiantes asistentes en la Escuela de Artes Visuales Rafael Monasterios durante las cátedras de cada una de sus especialidades, me he tomado el atrevimiento para realizar una exploración hacia la ausencia de Pedagogía y Andragogía en dicha institución, dando a conocer así los errores de la problemática presente y las posibles soluciones expuestas por los estudiantes hacia el mejoramiento del rendimiento académico y la recuperación del interés y motivación de parte del estudiante.

Las encuestas realizadas a docentes y estudiantes permitirá hacer una observación más detallada del problema formulando preguntas relacionadas con el tema de este trabajo de grado.

Objetivo General

Analizar la pedagogía y andragogía de las artes plásticas como acto de aprendizaje en los estudiantes de la Escuela de Artes Visuales Rafael Monasterios.

Objetivos Específicos

• Determinar las causas de la Deserción Escolar en los estudiantes de especialidad Arte Puro.

• Buscar el punto de apatía de los estudiantes hacia las cátedras de la especialidad Arte Puro.

• Establecer las posibles ventajas para un óptimo rendimiento académico.

Alcances y Limitaciones

Ya que es primera ves que se trata un trabajo de esta índole dentro de la Escuela de Artes Visuales Rafael Monasterios, no se posee antecedente alguno dentro de la biblioteca de esta misma sede que pueda servir de apoyo, debido a esto se ha enfocado la investigación a otro tipos de fuentes y trabajos especiales los cuales ayudaran a darle forma a este trabajo.

Una limitación clara en esta época es la económica ya que por los problemas suscitados en la actualidad la disponibilidad monetaria para que este trabajo sea llevado a físico es cuesta arriba, mas se pueden hallar medos para el éxito del mismo sin problema alguno.

Otra limitación es el hecho de que son pocos o escasos los docentes que apoyan la idea de este trabajo especial, sin incluir a algunos estudiantes y personas graduadas más con el poco apoyo recibido y la confianza depositada en el texto a de lograrse la realización de este trabajo de grado.

CAPITULO II

Marco Teórico

Cuando se tiene planteado el problema de estudio (es decir, que se poseen objetivos y preguntas de investigación) y cuando además se han evaluado su relevancia y factibilidad, el siguiente paso consiste en sustentar teóricamente el estudio, etapa que algunos autores llaman "elaborar el marco teórico". Ello implica analizar y exponer aquellas teorías, enfoques teóricos, investigaciones y antecedentes en general que se consideren válidos para el correcto encuadre del estudio. (Rojas, 1981).

Antecedentes Históricos

A continuación se hará una indagación breve acerca de la reseña Escuela de Artes Visuales Rafael Monasterios.

Breve reseña de la Escuela de Artes Visuales Rafael Monasterios

Por la necesidad de tener una institución que fuera el centro de enseñanza, para así llevar a la comunidad nuestra forma de cultura a través de las Artes Plásticas. Por esta razón un grupo de jóvenes inquietos y preocupados por el arte y su entorno decidieron emprender en marcha la fundación de la Escuela de Artes Plásticas del Estado Aragua, el primero de septiembre del año 1958.

En ese tiempo se sentía que el pueblo debía tener una orientación plástica para despertar en la juventud una inquietud por la cultura que es la raíz de un pueblo.

Los jóvenes que emprendieron esta marcha para el avance cultural de la región, eran personalidades con metas y ambiciones, de carácter y lo más importante con intereses comunes para un mismo objetivo: La Escuela.

El fundador de la institución fue Rafael Pérez apoyado por Edmundo Alvarado, José Montenegro, Jorge Daza, Pedro León Castro, José Griman.

Para la designación del nombre que llevaría la escuela se redacto un documento en el año 1959.

Para los inicios de la institución había muy pocos profesores de los cuales, según las investigaciones realizadas destacaron:

Al aproximarse un año de la fundación de la escuela se crea un periódico llamado Arte Pueblo, a cargo de profesores y alumnos para la unificación del Arte a Nivel Nacional, en el mismo se les hacían propaganda a los cursos a dictar, además de los proyectos y aspiraciones de la misma.

La escuela según su ubicación

La institución en sus 52 años de vida a tenido cuatro diferentes sedes, las cuales son:

Al momento de su fundación se le ubicaba en la Avenida Bolívar frente a la Farmacia Americana en el año de 1958.

Posteriormente en 1964 estuvo ubicada en la Avenida Sucre Oeste donde esta actualmente Sanidad, posteriormente en 1974 estuvo en la Avenida Las Delicias en el Conservatorio de Música.

En la actualidad podemos encontrarla en la avenida Sucre Oeste en el Complejo Cultural donde esta además la Escuela de Música Federico Villena, la Casa de la Cultura, la Biblioteca Agustín Codazzi, y el Museo de Arte Contemporáneo Mario Abreu "MACMA" (actualmente ubicado en otra sede), la Orquesta Sinfónica de Aragua "OSA" y principalmente nuestra Escuela de Artes Visuales Rafael Monasterios desde 1979 y 1980 hasta el día de hoy.

La escuela como institución

Nació como ente independiente de la Dirección de Educación del Estado; Dirección de Cultura y Bellas Artes de Estado y Ministerio de Educación.

Para la actualidad depende de los siguientes organismos:

• Gobernación del Estado Aragua: la cual acredita su función tan propiamente dicho en la región, apoyándola y resguardándola en sus credenciales y carnet.

• Secretaría de Cultura: es el organismo encargado de los eventos culturales del estado, por tanto actúa como tutor de la misma.

• Zona Educativa: avala la importancia de la escuela en cuanto a la educación artística en una sociedad carente de cultura y de las bellas artes.

• CONAC: instituto de coordinación nacional de cultura, es la máxima autoridad en lo que respecta a la cultura del país, se encarga principalmente de mantener a la par el desarrollo social con el cultural, educando y enriqueciendo de esta manera la población a trabes de los diferentes entes culturales, entre ellos la Escuela de Artes Rafael Monasterios.

Función de la escuela como institución

Al momento de su fundación se encargaba de proyectar las diferentes tendencias y manifestaciones artísticas tales como: Dibujo, Pintura, Escultura, etc.; cultivando el reciente movimiento artístico de la región, para irradiar a los pueblos foráneos el interés por las Bellas Artes.

En la actualidad se encarga de mantener el arte vigente ante todo cuanto pueda presentársele, proyectar las diferentes tendencias de las manifestaciones artísticas del Arte Contemporáneo.

Bases Teóricas

Alvarado Isaac (2008) señala:

"Se refiere a aquellos conceptos fundamentales que se presentan a lo largo del trabajo especial de grado aclarando así la definición de cada uno de sus términos generando facilidades de entendimiento o comprensión". (Pág. 15)

Tesis

Proviene del latín thesis que, a su vez, deriva de un vocablo griego. Se trata de una proposición o conclusión que se mantiene con razonamientos. La tesis es una afirmación de veracidad argumentada o justificada cuya legitimación depende de cada ámbito. Esto quiere decir que no es lo mismo una tesis personal sobre un tema cualquiera que una tesis científica.

En la antigüedad, la tesis surgía de una prueba dialéctica en la que alguien debía sostener en público cierta idea y defenderla contra las objeciones. Se conoce como hipótesis a la proposición de la que se parte para comprobar la veracidad de una tesis a partir de argumentos válidos.

Una tesis también es la disertación escrita que un estudiante presenta a la universidad con el objetivo de acceder al título de doctor. Este estudio o investigación se conoce como tesis doctoral.

El proceso de la tesis doctoral incluye la elección de un tutor, la determinación de un tema, la recopilación de datos, el análisis, la redacción y la defensa pública ante un tribunal de expertos.

La noción de tesis forma parte la dialéctica, una teoría filosófica desarrollada por Georg Wilhelm Friedrich Hegel. En este caso, la tesis es una proposición que se da por verdadera hasta el surgimiento de la antítesis, otra proposición que la contradice. El proceso dialéctico entre la tesis y la antítesis concluye con la síntesis, la proposición resultante que supera la contradicción y genera una nueva tesis.

Arte

El arte (del lat. ars, artis, y este calco del gr. t????) es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través del cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo. Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo en principio una función ritual, mágica o religiosa, pero esa función cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente estético y una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental.

La noción de arte continúa hoy día sujeta a profundas polémicas, dado que su definición está abierta a múltiples interpretaciones, que varían según la cultura, la época, el movimiento, o la sociedad para la cual el término tiene un determinado sentido. El vocablo "arte" tiene una extensa acepción, pudiendo designar cualquier actividad humana hecha con esmero y dedicación, o cualquier conjunto de reglas necesarias para desarrollar de forma óptima una actividad: se habla así de "arte culinario", "arte médico", "artes marciales", "artes de arrastre" en la pesca, etc. En ese sentido, arte es sinónimo de capacidad, habilidad, talento, experiencia. Sin embargo, más comúnmente se suele considerar al arte como una actividad creadora del ser humano, por la cual produce una serie de objetos (obras de arte) que son singulares, y cuya finalidad es principalmente estética. En ese contexto, arte sería la generalización de un concepto expresado desde antaño como "bellas artes", actualmente algo en desuso y reducido a ámbitos académicos y administrativos. De igual forma, el empleo de la palabra arte para designar la realización de otras actividades ha venido siendo sustituido por términos como "técnica" u "oficio". En este artículo se trata de arte entendido como un medio de expresión humano de carácter creativo.

La definición de arte es abierta, subjetiva, discutible. No existe un acuerdo unánime entre historiadores, filósofos o artistas. A lo largo del tiempo se han dado numerosas definiciones de arte, entre ellas: «el arte es el recto ordenamiento de la razón» (Tomás de Aquino); «el arte es aquello que establece su propia regla» (Schiller); «el arte es el estilo» (Max Dvorák); «el arte es expresión de la sociedad» (John Ruskin); «el arte es la libertad del genio» (Adolf Loos); «el arte es la idea» (Marcel Duchamp); «el arte es la novedad» (Jean Dubuffet); «el arte es la acción, la vida» (Joseph Beuys); «arte es todo aquello que los hombres llaman arte» (Dino Formaggio). El concepto ha ido variando con el paso del tiempo: hasta el Renacimiento, arte sólo se consideraban las artes liberales; la arquitectura, la escultura y la pintura eran "manualidades". El arte ha sido desde siempre uno de los principales medios de expresión del ser humano, a través del cual manifiesta sus ideas y sentimientos, la forma como se relaciona con el mundo. Su función puede variar desde la más práctica hasta la ornamental, puede tener un contenido religioso o simplemente estético, puede ser duradero o efímero. En el siglo XX se pierde incluso el sustrato material: decía Beuys que la vida es un medio de expresión artística, destacando el aspecto vital, la acción. Así, todo el mundo es capaz de ser artista.

El término arte procede del latín ars, y es el equivalente al término griego t???? (téchne, de donde proviene "técnica"). Originalmente se aplicaba a toda la producción realizada por el hombre y a las disciplinas del saber hacer. Así, artistas eran tanto el cocinero, el jardinero o el constructor, como el pintor o el poeta. Con el tiempo la derivación latina (ars es arte) se utilizó para designar a las disciplinas relacionadas con las artes de lo estético y lo emotivo; y la derivación griega (téchne es técnica), para aquellas disciplinas que tienen que ver con las producciones intelectuales y de artículos de uso. En la actualidad, es difícil encontrar que ambos términos (arte y técnica) se confundan o utilicen como sinónimos.

Evolución histórica del concepto de arte

En la antigüedad clásica grecorromana, una de las principales cunas de la civilización occidental y primera cultura que reflexionó sobre el arte, se consideraba el arte como una habilidad del ser humano en cualquier terreno productivo, siendo prácticamente un sinónimo de "destreza": destreza para construir un objeto, para comandar un ejército, para convencer al público en un debate, o para efectuar mediciones agronómicas. En definitiva, cualquier habilidad sujeta a reglas, a preceptos específicos que la hacen objeto de aprendizaje y de evolución y perfeccionamiento técnico. En cambio, la poesía, que venía de la inspiración, no estaba catalogada como arte. Así, Aristóteles, por ejemplo, definió el arte como aquella «permanente disposición a producir cosas de un modo racional», y Quintiliano estableció que era aquello «que está basado en un método y un orden» (via et ordine). Platón, en el Protágoras, habló del arte, opinando que es la capacidad de hacer cosas por medio de la inteligencia, a través de un aprendizaje. Para Platón, el arte tiene un sentido general, es la capacidad creadora del ser humano. Casiodoro destacó en el arte su aspecto productivo, conforme a reglas, señalando tres objetivos principales del arte: enseñar (doceat), conmover (moveat) y complacer (delectet).

Durante el Renacimiento se empezó a gestar un cambio de mentalidad, separando los oficios y las ciencias de las artes, donde se incluyó por primera vez a la poesía, considerada hasta entonces un tipo de filosofía o incluso de profecía, para lo que fue determinante la publicación en 1549 de la traducción italiana de la Poética de Aristóteles. En este cambio intervino considerablemente la progresiva mejora en la situación social del artista, debida al interés que los nobles y ricos prohombres italianos empezaron a mostrar por la belleza. Los productos del artista adquirieron un nuevo estatus de objetos destinados al consumo estético y, por ello, el arte se convirtió en un medio de promoción social, incrementándose el mecenazgo artístico y fomentando el coleccionismo. Surgieron en ese contexto varios tratados teóricos acerca del arte, como los de Leon Battista Alberti (De Pictura, 1436-1439; De re aedificatoria, 1450; y De Statua, 1460), o Los Comentarios (1447) de Lorenzo Ghiberti. Alberti recibió la influencia aristotélica, pretendiendo aportar una base científica al arte. Habló de decorum, el tratamiento del artista para adecuar los objetos y temas artísticos a un sentido mesurado, perfeccionista. Ghiberti fue el primero en periodificar la historia del arte, distinguiendo antigüedad clásica, periodo medieval y lo que llamó "renacer de las artes".

Con el manierismo comenzó el arte moderno: las cosas ya no se representan tal como son, sino tal como las ve el artista. La belleza se relativiza, se pasa de la belleza única renacentista, basada en la ciencia, a las múltiples bellezas del manierismo, derivadas de la naturaleza. Apareció en el arte un nuevo componente de imaginación, reflejando tanto lo fantástico como lo grotesco, como se puede percibir en la obra de Brueghel o Arcimboldo. Giordano Bruno fue uno de los primeros pensadores que prefiguró las ideas modernas: decía que la creación es infinita, no hay centro ni límites, ni Dios ni hombre, todo es movimiento, dinamismo. Para Bruno, hay tantos artes como artistas, introduciendo la idea de originalidad del artista. El arte no tiene normas, no se aprende, sino que viene de la inspiración.

Los siguientes avances se hicieron en el siglo XVIII con la Ilustración, donde comenzó a producirse cierta autonomía del hecho artístico: el arte se alejó de la religión y de la representación del poder para ser fiel reflejo de la voluntad del artista, centrándose más en las cualidades sensibles de la obra que no en su significado. Jean-Baptiste Dubos, en Reflexiones críticas sobre la poesía y la pintura (1719), abrió el camino hacia la relatividad del gusto, razonando que la estética no viene dada por la razón, sino por los sentimientos. Así, para Dubos el arte conmueve, llega al espíritu de una forma más directa e inmediata que el conocimiento racional. Dubos hizo posible la democratización del gusto, oponiéndose a la reglamentación académica, e introdujo la figura del "genio", como atributo dado por la naturaleza, que está más allá de las reglas.

En el romanticismo, surgido en Alemania a finales del siglo XVIII con el movimiento denominado Sturm und Drang, triunfó la idea de un arte que surge espontáneamente del individuo, desarrollando la noción de genio (el arte es la expresión de las emociones del artista), que comienza a ser mitificado. Autores como Novalis y Friedrich von Schlegel reflexionaron sobre el arte: en la revista Athenäum, editada por ellos, surgieron las primeras manifestaciones de la autonomía del arte, ligado a la naturaleza. Para ellos, en la obra de arte se encuentran el interior del artista y su propio lenguaje natural.

Arthur Schopenhauer dedicó el tercer libro de El mundo como voluntad y representación a la teoría del arte: el arte es una vía para escapar del estado de infelicidad propio del hombre. Identificó conocimiento con creación artística, que es la forma más profunda de conocimiento. El arte es la reconciliación entre voluntad y conciencia, entre objeto y sujeto, alcanzando un estado de contemplación, de felicidad. La conciencia estética es un estado de contemplación desinteresada, donde las cosas se muestran en su pureza más profunda. El arte habla en el idioma de la intuición, no de la reflexión; es complementario de la filosofía, la ética y la religión. Influido por la filosofía oriental, manifestó que el hombre debe liberarse de la voluntad de vivir, del "querer", que es origen de insatisfacción. El arte es una forma de librarse de la voluntad, de ir más allá del "yo".

Richard Wagner recogió la ambivalencia entre lo sensible y lo espiritual de Schopenhauer: en Ópera y drama (1851), Wagner planteó la idea de la "obra de arte total" (Gesamtkunstwerk), donde se haría una síntesis de la poesía, la palabra (elemento masculino), con la música (elemento femenino). Opinaba que el lenguaje primitivo sería vocálico, mientras que la consonante fue un elemento racionalizador; así pues, la introducción de la música en la palabra sería un retorno a la inocencia primitiva del lenguaje.

A finales del siglo XIX surgió el esteticismo, que fue una reacción al utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y el materialismo de la era industrial. Frente a ello, surgió una tendencia que otorgaba al arte y a la belleza una autonomía propia, sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier "el arte por el arte" (l'art pour l'art), llegando incluso a hablarse de "religión estética". Esta postura pretendía aislar al artista de la sociedad, para que buscase de forma autónoma su propia inspiración y se dejase llevar únicamente por una búsqueda individual de la belleza. Así, la belleza se aleja de cualquier componente moral, convirtiéndose en el fin último del artista, que llega a vivir su propia vida como una obra de arte como se puede apreciar en la figura del dandy. Uno de los teóricos del movimiento fue Walter Pater, que influyó sobre el denominado decadentismo inglés, estableciendo en sus obras que el artista debe vivir la vida intensamente, siguiendo como ideal a la belleza. Para Pater, el arte es "el círculo mágico de la existencia", un mundo aislado y autónomo puesto al servicio del placer, elaborando una auténtica metafísica de la belleza.

Por otro lado, Charles Baudelaire fue uno de los primeros autores que analizaron la relación del arte con la recién surgida era industrial, prefigurando la noción de "belleza moderna": no existe la belleza eterna y absoluta, sino que cada concepto de lo bello tiene algo de eterno y algo de transitorio, algo de absoluto y algo de particular. La belleza viene de la pasión y, al tener cada individuo su pasión particular, también tiene su propio concepto de belleza. En su relación con el arte, la belleza expresa por un lado una idea "eternamente subsistente", que sería el "alma del arte", y por otro un componente relativo y circunstancial, que es el "cuerpo del arte". Así, la dualidad del arte es expresión de la dualidad del hombre, de su aspiración a una felicidad ideal enfrentada a las pasiones que le mueven hacia ella. Frente a la mitad eterna, anclada en el arte clásico antiguo, Baudelaire vio en la mitad relativa el arte moderno, cuyos signos distintivos son lo transitorio, lo fugaz, lo efímero y cambiante sintetizados en la moda. Baudelaire tenía un concepto neoplatónico de belleza, que es la aspiración humana hacia un ideal superior, accesible a través del arte. El artista es el "héroe de la modernidad", cuya principal cualidad es la melancolía, que es el anhelo de la belleza ideal.

En contraposición al esteticismo, Hippolyte-Adolphe Taine elaboró una teoría sociológica del arte: en su Filosofía del arte (1865-1869) aplicó al arte un determinismo basado en la raza, el contexto y la época (race, milieu, moment). Para Taine, la estética, la "ciencia del arte", opera como cualquier otra disciplina científica, basándose en parámetros racionales y empíricos. Igualmente, Jean Marie Guyau, en Los problemas de la estética contemporánea (1884) y El arte desde el punto de vista sociológico (1888), planteó una visión evolucionista del arte, afirmando que el arte está en la vida, y que evoluciona como ésta; y, al igual que la vida del ser humano está organizada socialmente, el arte debe ser reflejo de la sociedad.

La estética sociológica tuvo una gran vinculación con el realismo pictórico y con movimientos políticos de izquierdas, especialmente el socialismo utópico: autores como Henri de Saint-Simon, Charles Fourier y Pierre Joseph Proudhon defendieron la función social del arte, que contribuye al desarrollo de la sociedad, aunando belleza y utilidad en un conjunto armónico. Por otro lado, en el Reino Unido, la obra de teóricos como John Ruskin y William Morris aportó una visión funcionalista del arte: en Las piedras de Venecia (1851-1856) Ruskin denunció la destrucción de la belleza y la vulgarización del arte llevada a cabo por la sociedad industrial, así como la degradación de la clase obrera, defendiendo la función social del arte. En El arte del pueblo (1879) pidió cambios radicales en la economía y la sociedad, reclamando un arte "hecho por el pueblo y para el pueblo". Por su parte, Morris, fundador del movimiento Arts & Crafts, defendió un arte funcional, práctico, que satisfaga necesidades materiales y no sólo espirituales. En Escritos estéticos (1882-1884) y Los fines del arte (1887) planteó un concepto de arte utilitario pero alejado de sistemas de producción excesivamente tecnificados, próximo a un concepto del socialismo cercano al corporativismo medieval.

Por otro lado, la función del arte fue cuestionada por el escritor ruso Lev Tolstoi: en ¿Qué es el arte? (1898) se planteó la justificación social del arte, argumentando que siendo el arte una forma de comunicación sólo puede ser válido si las emociones que transmite pueden ser compartidas por todos los hombres. Para Tolstoi, la única justificación válida es la contribución del arte a la fraternidad humana: una obra de arte sólo puede tener valor social cuando transmite valores de fraternidad, es decir, emociones que impulsen a la unificación de los pueblos.

En esa época se empezó a abordar el estudio del arte desde el terreno de la psicología: Sigmund Freud aplicó el psicoanálisis al arte en Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci (1910), defendiendo que el arte sería una de las maneras de representar un deseo, una pulsión reprimida, de forma sublimada. Opinaba que el artista es una figura narcisista, cercana al niño, que refleja en el arte sus deseos, y afirmó que las obras artísticas pueden ser estudiadas como los sueños y las enfermedades mentales, con el psicoanálisis. Su método era semiótico, estudiando los símbolos, y opinaba que una obra de arte es un símbolo. Pero como el símbolo representa un determinado concepto simbolizado, hay que estudiar la obra de arte para llegar al origen creativo de la obra. Igualmente, Carl Gustav Jung relacionó la psicología con diversas disciplinas como la filosofía, la sociología, la religión, la mitología, la literatura y el arte. En Contribuciones a la psicología analítica (1928), sugirió que los elementos simbólicos presentes en el arte son "imágenes primordiales" o "arquetipos", que están presentes de forma innata en el "subconsciente colectivo" del ser humano.

Wilhelm Dilthey, desde la estética cultural, formuló una teoría acerca de la unidad entre arte y vida. Prefigurando el arte de vanguardia, Dilthey ya vislumbraba a finales del siglo XIX cómo el arte se alejaba de las reglas académicas, y cómo cobraba cada vez mayor importancia la función del público, que tiene el poder de ignorar o ensalzar la obra de un artista determinado. Encontró en todo ello una "anarquía del gusto", que achacó a un cambio social de interpretación de la realidad, pero que percibió como transitorio, siendo necesario hallar «una relación sana entre el pensamiento estético y el arte». Así, ofreció como salvación del arte las "ciencias del espíritu", especialmente la psicología: la creación artística debe poder analizarse bajo el prisma de la interpretación psicológica de la fantasía. En Vida y poesía (1905) presentó la poesía como expresión de la vida, como "vivencia" (Erlebnis) que refleja la realidad externa de la vida. La creación artística tiene pues como función intensificar nuestra visión del mundo exterior, presentándolo como un conjunto coherente y pleno de sentido.

Visión actual

El siglo XX ha supuesto una radical transformación del concepto de arte: la superación de las ideas racionalistas de la Ilustración y el paso a conceptos más subjetivos e individuales, partiendo del movimiento romántico y cristalizando en la obra de autores como Kierkegaard y Nietzsche, suponen una ruptura con la tradición y un rechazo de la belleza clásica. El concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías científicas: la subjetividad del tiempo de Bergson, la Teoría de la relatividad de Einstein, la mecánica cuántica, la teoría del psicoanálisis de Freud, etc. Por otro lado, las nuevas tecnologías hacen que el arte cambie de función, debido a que la fotografía y el cine ya se encargan de plasmar la realidad. Todos estos factores producen la génesis del arte abstracto, el artista ya no intenta reflejar la realidad, sino su mundo interior, expresar sus sentimientos. El arte actual tiene oscilaciones continuas del gusto, cambia simultáneamente junto a éste: así como el arte clásico se sustentaba sobre una metafísica de ideas inmutables, el actual, de raíz kantiana, encuentra gusto en la conciencia social de placer (cultura de masas). También hay que valorar la progresiva disminución del analfabetismo, puesto que antiguamente, al no saber leer gran parte de la población, el arte gráfico era el mejor medio para la transmisión del conocimiento sobre todo religioso, función que ya no es necesaria en el siglo XX.

Una de las primeras formulaciones fue la del marxismo: de la obra de Marx se desprendía que el arte es una "superestructura" cultural determinada por las condiciones sociales y económicas del ser humano. Para los marxistas, el arte es reflejo de la realidad social, si bien el propio Marx no veía una correspondencia directa entre una sociedad determinada y el arte que produce. Georgi Plejánov, en Arte y vida social (1912), formuló una estética materialista que rechazaba el "arte por el arte", así como la individualidad del artista ajeno a la sociedad que lo envuelve. Walter Benjamin incidió de nuevo en el arte de vanguardia, que para él es "la culminación de la dialéctica de la modernidad", el final del intento totalizador del arte como expresión del mundo circundante. Intentó dilucidar el papel del arte en la sociedad moderna, realizando un análisis semiótico en el que el arte se explica a través de signos que el hombre intenta descifrar sin un resultado aparentemente satisfactorio. En La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica (1936) analizó la forma cómo las nuevas técnicas de reproducción industrial del arte pueden hacer variar el concepto de éste, al perder su carácter de objeto único y, por tanto, su halo de reverencia mítica; esto abre nuevas vías de concebir el arte inexploradas aún para Benjamin pero que supondrán una relación más libre y abierta con la obra de arte.

Theodor W. Adorno, como Benjamin perteneciente a la Escuela de Frankfurt, defendió el arte de vanguardia como reacción a la excesiva tecnificación de la sociedad moderna. En su Teoría estética (1970) afirmó que el arte es reflejo de las tendencias culturales de la sociedad, pero sin llegar a ser fiel reflejo de ésta, ya que el arte representa lo inexistente, lo irreal; o, en todo caso, representa lo que existe pero como posibilidad de ser otra cosa, de trascender. El arte es la "negación de la cosa", que a través de esta negación la trasciende, muestra lo que no hay en ella de forma primigenia. Es apariencia, mentira, presentando lo inexistente como existente, prometiendo que lo imposible es posible.

Representante del pragmatismo, John Dewey, en Arte como experiencia (1934), definió el arte como "culminación de la naturaleza", defendiendo que la base de la estética es la experiencia sensorial. La actividad artística es una consecuencia más de la actividad natural del ser humano, cuya forma organizativa depende de los condicionamientos ambientales en que se desenvuelve. Así, el arte es "expresión", donde fines y medios se fusionan en una experiencia agradable. Para Dewey, el arte, como cualquier actividad humana, implica iniciativa y creatividad, así como una interacción entre sujeto y objeto, entre el hombre y las condiciones materiales en las que desarrolla su labor.