Reconocer los antecedentes y las características de los diversos Estilos de Danzas paraguayas (página 2)

En la polca no encontramos influencia indígena, salvo en los temas y en la utilización del idioma guaraní. Tampoco se observa influencia de la raza negra o de otras corrientes migratorias. Esto puede deberse a la escasa presencia numérica en la población de aquel entonces.

La Guarania

Fue creada por el músico paraguayo José Asunción Flores, en el año 1925. Su ritmo lento y las melodías generalmente melancólicas la diferencian de otras clases de música paraguaya. Flores representó al hombre paraguayo de una forma única, no siguiendo la clásica expresión a través de la polka y sus derivados. Eventualmente, Flores creó poemas orquestales que sirvieron de acompañamiento sinfónico a sus guaranias, como: "India" y "Nerendápe aju".

La polca no influyó en el estilo musical de la Guarania, ya que la segunda tiene un ritmo mucho más lento. Generalmente este ritmo musical se desarrolla con arpas y guitarras así como la polca.

Inicios y Evolución de la Danza paraguaya

El inicio de la danza en el Paraguay fue a través de los conquistadores españoles y los Jesuitas, quienes incitaban a los indígenas a practicar la danza. En esta época ya existían las danzas aborígenes como una forma de expresión corporal.

Los guaraníes eran muy musicales, pero solo eran los hombres los que danzaban utilizando vestimenta femenina. Los inicios de la danza se aproximan a los años 1500, siglo XVI.

Fines del siglo XIX.

En esta época, se advierte en los grandes salones el apogeo de las danzas Europeas como danzas de moda. En una velada musical realizada el 8 de septiembre de 1893, en homenaje a una delegación brasileña, citada por Juan Max Boettner, el programa de baile preparado para dicha oportunidad era el siguiente:

• 1- Cuadrilla

• 2- Vals

• 3- Polka

• 4- Mazurca

• 5- Lancero

• 6- Schottisch

• 7- Galop final.

Comienzos del siglo XX. Periodo entre 1900 a 1920.

Son escasos los datos que se disponen en relación a la práctica de nuestras danzas durante las dos primeras décadas de este siglo.

Permanece aun la práctica de las danzas de grupo de origen Europeo, especialmente la cuadrilla, pero también se practica de cuando en cuando aquellas con aires nacionalistas.

Este es el siglo de la aparición de una gran variedad de danzas de salón, no solamente del grupo de parejas enlazadas, sino también de parejas

abrazadas (como el bolero, el tango, etc.), inclusive de otras formas más nuevas en que las parejas se sueltan (la contradanza). Cada una de estas tuvo su auge temporáneo. Las mismas fueron originarias de distintos países Americanos y están clasificadas entre las danzas populares, por sus formas no folklóricas, por ello, no nos detendremos a citar a todas. Evidentemente, por imposición de la moda, la aceptación de dichas danzas, hizo disminuir la práctica de las nuestras.

En aquellos años, eran los abuelos quienes celebraban las tradicionales fiestas patronales, las que tenían la virtud de congregar a todo el vecindario y a los de las campañas circunvecinas. Por doquier solo se veían numerosos y

animados grupos que interrumpían la labor diaria, haciendo un paréntesis en sus habilidades ocupacionales para pensar solo en el aspecto que presentaría la procesión religiosa, la fiesta popular, el baile nacional, o la corrida de toros. Diversiones que contaban con la mayor o menor números de adherentes, según la idiosincrasia peculiar de cada grupo.

Década del 20

Los primeros años de esta década son épocas muy interesantes para la historia de la danza en nuestro país. Se efectuaron algunas reconstrucciones de los bailes tradicionales para presentaciones teatrales.

Sobre esto nos dice Mauricio Cardozo Ocampo: "nace el compositor; después del experimento con "Ma´ërápa reikuaase", Flores se decide a crear su primera composición y la bautiza con el nombre de un hermoso río del Paraguay; "jejuí". Quedaba un problema que resolver, era que carecía de nombre genético; había que encontrar una voz nuestra que estuviera en consonancia con el espíritu paraguayo. Consulta entonces con los amigos y llega hasta a personalidades como Delfín Chamorro, Leopoldo Elizeche, el profesor Miguel Morosoli, la pianista Emilia Troche, quien ejecutaba los escritos experimentales del incipiente creador (en una oportunidad, el que escribe, estuvo presente en el domicilio de esta colaboradora de Flores, escuchando esos balbuceos de la guarania naciente), recurre a la literatura paraguaya y se encuentra con las palabras del gran poeta Molinas Rolón, donde reza: "y fué

también guarania, la región prometida como nombre genérico de su creación musical".

Esta nueva forma constituyo una música popular nacional, pero no folklórica, de enorme difusión. Tal vez con el tiempo pueda folklorizarse.

Por otra parte la guarania adquirió tal perfección en algunos compositores, comenzando por el mismo creador, que se encumbro a un plano sinfónico, constituyendo una alta manifestación artística.

Si bien la Guarania no se realiza como baile popular, es el tema musical propicio para la danza de inspiración folklórica, ya en campo académico.

A fines de esta década aparecieron algunos intérpretes de la música y la danza nacional. Uno de ellos fue Julián Rejala, quien comenzó a ejecutar nuestras danzas tradicionales en el barrio de la chacarita, más o menos entre los años 1926 y 1928.

Décadas del 30 y 40.

Durante la época de la guerra del Chaco (1932-1935), nuestra polca adquirió gran difusión, como si la música nacional fuese inspiradora de aliento y esperanza para los allí combatientes en el campo de batalla.

Efraín Cardazo, al referirse a la cultura antes de la guerra del Chaco, nos dice: "en esta época fue el auge de la polca, creación popular paraguaya".

Josefina Plá: "durante la Guerra del Chaco, bien a las actividades musicales cultas se refiere, experimentó disminución, pero adquirió en cambio predicamento creciente la música popular"

Carlos Centurión: "durante los años siguientes y hasta 1932, la actividad artística musical fue decreciendo, obligada por el ambiente político nacional e internacional. En el curso de esta tragedia, que duró tres años, la música paraguaya ganó popularidad en toda América. Desde las estaciones transmisoras de la Asunción, Buenos Aires y Montevideo fue propagada intensamente por conjuntos paraguayos. En ese tiempo, la "guarania" y la polca

adquirieron notable evolución y jerarquía. Después de la guerra, la música nativa llegó a Europa y se extendió al Asia y al África septentrional".

Durante la década del 40, el pueblo se inclinó hacia otra corriente, y adopto el baile de moda de cada temporada; dio lugar a este hecho la invasión de ritmos foráneos y el debilitamiento de la práctica de las danzas tradicionales paraguayas. Las mismas lograron mantenerse solamente en grupos de bailarines, especialmente en el campo, que salían a relucir en las fiestas patronales y en ocasiones especiales. En las veladas escolares también se veían esporádicamente algunas de nuestras danzas.

Otros destacados intérpretes y compositores de nuestra música popular, difundieron en nuestro país y en el extranjero nuestras canciones e inclusive nuestras danzas folklóricas, entre ellos los recordamos a: Mauricio Cardozo

Ocampo, Demetrio Ortiz, Paty y Gumersindo Ayala, Elba y Dora del Cerro con Diosnel Chase y otros.

Décadas del 1950 – 1973

En esta época comienza un nuevo ciclo en el campo de la danza folklórica, con la presentación en escenarios teatrales. Este inicio de la parte pedagógica se llevo a cabo con la enseñanza en escuelas profesionales de arte y en ciertos establecimientos de educación primaria y secundaria.

Este movimiento de difusión, tuvo un desarrollo inicial lento; el despertar de las manifestaciones populares así como la verdadera apreciación del valor de la tradición se manifestaron poco a poco.

Paralelo al resurgir de las danzas tradicionales en escenarios, surge un nuevo campo en el arte; las danzas de inspiración folklórica, es decir las danzas que basadas en un hecho folklórico se las presenta enriquecidas por la técnica profesional. Esta nueva manifestación se desarrolla inicialmente en forma lenta, hasta que posteriormente se rompe la barrera de los prejuicios y así se vigoriza y se extiende. Lastimosamente en los últimos años la estilización invade un terreno no recomendable; así penetra en el campo del folklore puro causando gran confusión entre lo autentico (folklore) y lo creativo

(inspiración folklórica), es decir entre la expresión tradicional y la expresión académica.

Varios profesores incursionaron en el campo de la inspiración folklórica o proyección estética del folklore. Siguiendo un orden cronológico mencionamos a continuación los trabajos realizados en este terreno:

Celia Ruiz Rivas de Domínguez.

Presentó en 1948 su coreografía de la Guarania "Mburikao" de José Asunción Flores. Posteriormente, "Nerendápe aju", también de José Asunción Flores. En años sucesivos en presentaciones teatrales en Asunción y Buenos Aires, presentó: India, Campamento, Guyra Campana, entre otras.

De 1951 a 1961, con su Academia de Danzas, presentó en la capital y en el interior del país danzas tradicionales y las de inspiración folklórica. Sus creaciones coreográficas más importantes son:

1953: "Lambaré", ballet sobre tema hispano-guaraní, con música de Diosnel Martínez y argumento de Hernán del Peñón y Trinidad.

1954 "Nocturno épico", ballet de tema histórico sobre la personalidad de Doña Juana de Lara y la creación de la bandera, con música de Remberto Jiménez. En ese mismo año. "Fantasía Paraguaya", la primera revista sobre el costumbrismo paraguayo, original del profesor uruguayo Rubén Carámbula con danzas, poemas y cantos.

1957 "Los tigres de la Luna", ballet sobre motivos de los indios lenguas, con música y argumento de Haydee C. Kamprak.

1985 "El canto de mi selva", de Herminio Jiménez.

Fue profesora de danza folklórica de la escuela de Educación Artística para Docentes.

De 1962 a 1965 continuó su labor en Buenos Aires impartiendo enseñanza en "Casa Paraguaya". Su principal presentación fue en 1963 "Acuarelas Paraguayas", en el Teatro Nacional, con música combinada, incluyendo en esa oportunidad la danza del "Ñembiso Jobái".

A partir de 1967 prosiguió sus presentaciones con danzas tradicionales y de inspiración folklórica, en EE.UU., Washington D.C., y New York, en TV., teatros e instituciones internacionales.

Ha participado con su academia en festivales internacionales en Brasil, Argentina y Estados Unidos de Norteamérica. Actúo además en Termas de Río Hondo, como conferencista en el "Simposium de la Tradición", llevado a cabo en dicha ciudad Argentina en el año 1963. Es autora del Libro "Danzas Tradicionales del Paraguay"

Gilda Ruiz Rivas Segovia.

Se inicio en el folklore en 1952 formando parte del cuerpo de baile de su hermana Celia Ruiz Rivas. Intervino en los ballets citados precedentemente y en Festivales Internacionales de Folklore en Brasil y Argentina.

Desde 1964 posee academia propia. Llevó a cabo presentaciones teatrales con danzas tradicionales y de inspiración folklórica, en la capital y en el interior del país. Sus trabajos más importantes son:

1968 "Soledad Indiana", tema breve de Herminio Giménez.

1969 "La leyenda de Ramón y Ramonita", ballet inspirado en el cuento "Embotýque ne rokë cháke oú pa´i", con argumento de Aníbal Romero Sanabria y música combinada.

1970 "Hechizo de amor", argumento inspirado en temas indígenas, con música combinada.

1971 "Maleficio" (Ballet-pantomima), con argumento de Emilio Barrientos, coreografía de Gilda Ruiz y Emilio Barrientos y música combinada.

1972 "La leyenda del guyra campana", con música combinada; "Ahendu nde sapukái", con música de José Asunción Flores, sobre escritos de Néstor Romero Valdovinos.

"Mensaje de paz", sobre un cuento del Niño de Praga, con danza, música y poesía.

"Jasy Jatere", pizzicato en Cascada, ballet de bolsillo, música de Herminio Giménez.

Es profesora de danza folklórica de la Escuela de Educación Artística para Docentes.

Inocencio Báez Villalba.

Desde 1958 hizo sus trabajos sobre el folklore. Dirigió el "Elenco juvenil de danzas folklóricas", y presentó en la capital e interior del país, danzas folklóricas y de inspiración folklórica.

Participo en festivales internacionales, en Miami (EE.UU.) y otros países americanos.

Entre sus trabajos coreográficos más importantes citamos:

1959 "Tierra y Guarania". En años posteriores "Paraguay de cristal y bronce".

1969 "Ensoñación de nuestra tierra."

1972 "Función patronal". Todas estas presentaciones con música combinada.

Lidia Torres

Se inicio en el folklore en el año 1958 con el "Elenco juvenil de danzas folklóricas", integrando el cuerpo de baile de Inocencio Báez Villalba. Posteriormente integró el cuerpo de baile de Sara Benítez, en Buenos Aires.

De 1964 a 1972 fue directora de la "Escuela Municipal de Danzas Folklóricas", donde desarrollo una gran actividad con presentaciones escénicas en la capital y en el interior del país, de danzas tradicionales y de inspiración folklórica.

Participó en varios festivales internacionales en el extranjero.

Sus trabajos coreográficos más importantes son:

1968 "Chipa´apo jave", que incluía la fiesta de la cosecha, "San Blas Ara", "Bajo el cielo del Paraguay", "Paraguay colonial y tradicional".

1971 "Estampas paraguayas", con música combinada.

1972 "Mujer paraguaya", sobre tema de la comedia musical "Maria Pacurí".

Continúa su labor en su academia particular.

Reina Menchaca de Duria.

Se inicio profesionalmente en el folklore en el año 1958. Posteriormente en su academia particular impartió la enseñanza de nuestras danzas, ofreciendo presentaciones teatrales en la capital y en el interior del país, con danzas tradicionales y de inspiración folklórica.

Participó con su conjunto en festivales internacionales de danzas folklóricas, en España y varios países sudamericanos.

Sus creaciones coreográficas más importantes son:

1965 "La fiesta de la galopa", con música de Mauricio Cardozo Ocampo.

1966 "Fiesta patronal de Caacupé".

1966 "La noche de los toldos", sobre tema de Herib Campos Cervera y música combinada.

1968 "Historia de la danza de la botella", con argumento de Manuel Frutos Pane y música combinada.

1970 "La reina del Lago Ypoa", con argumento de Azucena Zelaya y música combinada.

Eldo Domingo Barúa.

Se inicio en la difusión del folklore en el año 1958 con el conjunto de Inocencio Báez.

Integró además el conjunto de Celia Ruiz Rivas, Reina Menchaca y Lidia Torres.

Desde el año 1964 fue profesor en la Escuela Municipal de Danzas Folklóricas de la ciudad de Asunción y desde el año 1985, Director de la Escuela Municipal de Danzas de la Ciudad de Luque. Participó en festivales internacionales en varios países de América y Europa.

Uno de sus trabajos coreográficos más importantes es "Kurusú jegua" con música de Diosnel Martínez.

La característica más llamativa y cuestionada por sus colegas, que enmarca su peculiar e inconfundible estilo es el dinamismo, el júbilo, el bullicio y la algarabía que siempre imprimió en todas su obras coreográficas. El decía: "hoy la danza ya no solo es danza, se ha vuelto Danza – Teatro".

Emilio Barrientos

Profesor argentino, radicado en nuestro país. Incursionó especialmente en el campo de la inspiración folklórica.

Desde 1965 hace presentaciones con su academia particular en diferentes escenarios.

Desde 1969 es profesor en la Escuela Municipal de Danzas Folklóricas.

Sus principales creaciones coreográficas son:

1965 "La noche de San Juan".

1966 "kamba la Merce".

1967 "Canción para una noche de bodas".

En 1971, en combinación con Gilda Ruiz Rivas de Segovia, el ballet-pantomima "Maleficio", con argumento del mismo Emilio Barrientos.

1973 "Humaitá 1865". En este mismo año, "Jasy retä", sobre diseño literario de Jorge Báez, y coreografía de Tala Ern de Retivoff, Teresa Capurro de Denis y Emilio Barrientos. Todas estas presentaciones con música combinada.

Profesores como Tala Ern de Retivoff, Sussy Sacco, Berta Ortiz, Faitman, han presentado algunos trabajos de inspiración folklórica.

Desde hace muchos años vienen actuando en Buenos Aires Sara Benítez con su conjunto en programas de televisión con música, canto y danza.

Desde 1954 es común en el día de San Juan, la presentación de la "Agrupación Tradicionalista del folklore paraguayo "Emiliano Recové". Bajo la dirección del Sr. Florencio Dígalo. Dicha agrupación organiza fiestas con juegos, bailes y costumbres tradicionales.

Desde años atrás, varios profesionales de la danza realizan cierta actividad como profesores o como integrantes de conjuntos de baile, entre los cuales citamos a: Zully Vinader, Elizabeth Laurent, Miriam Estela Miers, Estela Gloria Jané, Ana María Rojas, Mirtha Cabañas Rivas, Rosa Vera de Barúa, Mercedes Vera Romero, Nelson Bataglia, Beatriz Frutos Albospino, María Victoria Pavón, Julio Censi, Ana María Ayala Arellano, Horacio Recalde, María Magdalena Duarte Melgarejo, Ismael Quesnel, Cándido Pereira, María Lucía Ayala de Riveros, Petrona Vera Ledesma, Mirtha Venegas Peralta, Mirtha Rejala, María del Carmen Ávila, María del Pilar Nasser Ávila, Mirna López Cantero, María Carolina Ramos Porzio, María Carmen Andrada, María Virginia González Navero, Nilda Lima de Rodríguez, Judith Parada Serrano, Flora Núñez, Ana María Ayala, Alemán Torales, Alba Matiauda, entre otros.

Biografía de los precursores de la Danza Paraguaya

Boettner, Juan Max

Eminente médico tisiólogo y compositor musical. Nació en Asunción el 26 de mayo de 1899, sus padres: María Victoria Gautler; francesa y Alfredo Boetter; alemán. Enviaron a Juan Max a Alemania a los diez años donde concluyó la escuela primaria y secundaria. Ingresó en la carrera de medicina en las Universidades de Viena y Hamburgo, pero se gradúo en la Universidad Nacional de Buenos Aires en 1926. Se desempeño en la ciudad porteña como docente en la Cátedra de Enfermedades infecciosas y como médico Interno del Hospital Muñiz. Regresó a Asunción en 1929, donde se abocó a la lucha antituberculosa en el Paraguay, desde diversos ángulos profesionales como director dispensario de tuberculosis. Director de la lucha antituberculosa, trasformando luego en el Departamento dependiente del Ministerio de Salud Pública. Catedrático en la facultad de Medicina en Uruguay, llegando a ser titular de Tisiología en 1941.

Al margen de sus actividades profesionales, cultivo la música compuso bellas piezas musicales. Dentro de su amplia cultura y predisposición especial para la ejecución de composiciones lo hicieron "tocar" el piano con deleite y maestría y a la ves que ejercía su profesión de tisiólogo, llegó a ser, según Carlos R. Centurión, uno de los grandes musicólogos del Paraguay.

Al iniciarse la Guerra del chaco en 1932, se presentó como voluntario, siendo incorporado a la Sanidad Militar con el grado de Teniente 2º y dirigió la Sección de Rayos X que funcionaba en la vieja Escuela militar.

Su actuación en Isla po"í, le valió el ascenso a Teniente 1º de Sanidad y destinado posteriormente al 2º Cuerpo de ejército en Camacho. El fin de la Guerra lo sorprendió en la plana del Comando Chaco, con el grado de Capitán.

Su obra como médico fue sumamente proficua. Publicó: "Evolución de la Tuberculosis", 1930; "Estudio de la columna vertebral", en el Libro de oro del Dr. Castex, "Malformaciones congénitas bronco pulmonares", "Patología respiratoria", "Manual Tisiología", 1939; "La silicosis en Paraguay", "Etimología griega y latina para el uso medico", 1943.

Fue el inspirador e impulsor de la construcción del "Sanatorio Bella Vista", especializado en el mal de su profesión, inaugurando en 1945.

También fue el fundador y primer presidente del "Círculo Paraguayo de médicos"

Su obra musical fue muy importante. Publicó entre otras: "Himno Nacional y danzas tradicionales del Paraguay", y "Músicas y músicos del Paraguay" en 1957. "Cómo reconocer el estilo y el autor de una obra musical". Compuso: "Villancicos para Navidad", "Suite Guaraní" "Kyju", "Canciones infantiles", "Fantasía esclava", "Sinfónica en mi menor", "El alma del inca", "El sueño de Rene", "Yrendague", "Sinfonía paraguaya" y canciones folklóricas paraguayas.

Había conformado matrimonio con Gilda Verci y tuvieron un heredero de nombre Juan Max, también médico de profesión.

El Dr. Boettner falleció en Asunción el 3 de julio de 1958.

Rejala, Julián

Guitarrista y creador de la música folklórica. Nació en una compañía de Aregua, de nombre "kokue Guasu", el 16 de febrero de 1907.

Se formó como guitarrista con Enriqueta González e interesado en el teatro trabajó en la compañía de Julio Correa, el genial creador del teatro Guaraní.

En 1934, formo el "Conjunto folklórico guaraní", integrado por Santiago Cortesi, Jorge Caballero, Agustín Cáceres, Agustín Larramendia, José L. Melgarejo, Fidelino Castro Chamorro, entre otros. Este grupo activó durante y después de la contienda chaqueña entre Paraguay y Bolivia (1932-1935). En sus inicios el conjunto actuó bajo la dirección de Roque centurión Miranda con el nombre de "Elenco Chaqueño Paraguayo". Luego de la guerra fundó el primer grupo de danzas folklóricas del paraguay, constituyéndose en un pionero de numerosísimas agrupaciones de este tipo que aparecieron luego y hasta el presente.

En 1940 realizó presentaciones en Brasil y se incorporó en Asunción, como profesor de danzas folklóricas en la academia de Danzas de Erika Milée. En 1944 continúo enseñando en la Agrupación Tradicionalista Guaraní. Por su conjunto desfilaron destacados intérpretes de la música popular. Como recopilador e investigador de danzas folklóricas tuvo el enorme mérito de rescatar del olvido numerosos bailes tradicionales en vías de desaparición.

Entre 1960 y 1965 realizó numerosas grabaciones en Río de Janeiro, Brasil. Entre sus reconocimientos y galardones figura la mención de honor en la primera Exposición Nacional del Paraguay (1940) y el premio a la mejor dirección artística en el Concurso Internacional del Folklore, en Salta; Argentina (1966).

Fue miembro fundador de Autores Paraguayos Asociados (APA) y de la Asociación de Escritores Guaraníes (ADEG).

Contrajo nupcias con la gran cantante y profesora Wilma Ferreira, Falleció en Asunción el 13 de Julio de 1981.

Danzas antiguas, no vigentes

Presentamos en este capítulo, datos de algunas paraguayas danzas ya desaparecidas que se han bailado en nuestro país. Algunas a fines del siglo XVIII, otras en el siglo XIX e inclusive hasta los primeros años del siglo XX.

La mayoría de estas danzas de tenían influencias europea. Nuestro pueblo la acogió y la adaptó a nuestro ambiente. Otras, posiblemente, sean de creación netamente paraguaya. Dichas danzas varían en su tiempo de vigencia; algunas tuvieron larga vida antes de su extinción; se mantuvieron en el gusto popular, y así llegaron a tener cierta vida folklórica, pero hoy pertenecen al folklore histórico. Otras, en cambio, pasaron de moda rápidamente, sin haber constituido danzas realmente generalizadas.

Se creyó conveniente, incluir todas las danzas documentadas, algunas por escrito y otras por relatos verbales, a fin de presentar un panorama más completo de todos los bailes que han tenido cierta vigencia en alguna etapa de la vida en nuestro país. Algunas de ellas están hoy reconstruidas.

Para el efecto se ofrecen brevemente, datos coreográficos de ciertas danzas aunque de otras en cambio, tan solo se citan sus denominaciones, puesto que una reconstrucción coreográfica verdadera, sería casi imposible efectuar, dada la falta de testimonios escritos u orales.

Así mismo, el tiempo trascurrido, hizo olvidar casi por entero las figuras coreográficas de aquellas danzas. Todas tienen de igual modo su valor dentro del estudio que realizamos. Como dice Carlos Vega: "El folklore histórico interesa a los fines de nuestra ciencia tanto como el folklore vivo".

En la antigüedad han existido numerosos bailes, que por falta de continuidad en el pueblo y al no quedar documentos probatorios, se perdieron para la historia.

Tango- Fandango.

Es ésta la cita más antigua; se remonta a la época de las Misiones Jesuíticas, que abarcó en nuestro país desde 1609 hasta 1767.

Cecilio Báez en su capítulo: "Las Misiones del Paraguay", nos dice: "Durante las fiestas profanas, que se celebraban con motivo del cumpleaños de algún miembro de la familia real de España, había arcos de triunfo y enramadas que prestaban sombra a la muchedumbre. Consistían estas diversiones en corridas de toros y caballos, juegos de caña y sortija, con acompañamiento de repiques de campanas y ruidos de cajas, estruendo y zambombas. Sacábase en andas la imagen del rey o del Santo Patrono, según que fuese la fiesta del uno o del otro, con las cuatro banderas del pueblo, y daban vueltas alrededor de la plaza. Había banquetes o comilonas bajo las enramadas y se bailaban el tango y el fandango, en que las mujeres endomingadas se empeñaban en parecer graciosas con sus piruetas, contorsiones y garambainas, como los trasijados caballos de los jinetes…" Sobre el Fandango, su nombre corría por el Uruguay en el Siglo XVIII como sinónimo de baile, juerga y trifulca. Antiguamente se llamó Fandango a esta suerte de baile de "medio pelo".

Maynard Araujo expresa: "es difícil determinar el origen del fandango, unos afirman que es oriundo de España, otros, que es portugués y español recibido de los moros y hay hasta quien dice que es de origen Flamengo. También nos afirma que es una danza profana que estuvo en boga en el Brasil a fines del siglo XVIII. En este país se dividió en tres categorías:

1) Fandango bufado: cuando en las danzas entran sólo batidas de pie o zapatos y palmas y exige gran energía;

2) Fandango balseado: no entran batidas de pie y manos. Cuanto mucho tienen toques de castañas con los dedos;

3) Fandango bufado-bailado: tiene partes con batidas de pie y palmas, deslizamientos, ruedas y giros de vals.

No olvidemos que todas las danzas que nos llegaron del viejo mundo tomaron diferentes características en cada zona, sin embargo es interesante para los fines de estudio y para una mejor comparación y análisis anotar datos coreográficos de los países vecinos. Por ejemplo, algunos sitúan al fandango en el Uruguay entre las danzas de pareja suelta independiente, de carácter picaresco o apicarado.

En cambio, por los datos que tenemos del fandango en Brasil, algunos tenían forma de parejas interdependientes.

No tenemos mayores datos en nuestro país como para suponer una fuerte vigencia como la que se dio en Brasil. Suponemos que de los fandangos inspiraron otros bailes con diferentes denominaciones.

Zamarrita – el Tonto – el Chico – la Navecilla

El conocido historiador Félix de Azara, quién vivió en nuestro país a fines del siglo XVIII, al hablar de su viaje a Santa María de Fe, nos da nombres específicos de ciertas danzas. Si bien no se disponen de datos coreográficos de las mismas, la referencia suministrada consideramos de alto valor. En efecto; este autor nos dice: "…y al regreso empezó el baile que duró hasta mas de la medianoche, y se redujo a la zamarrita, el tonto, el chico, la navecilla y otros bailes, todos del país,…"

Danzas valencianas.

Dos relatos de conocidos historiadores testifican la presencia de estas danzas en nuestro país. Como su nombre nos revela claramente, proceden de la provincia española de Valencia.

Azara: "Los administradores modernos han enseñado a los indios algunas contradanzas y bailes valencianos que ejecutan muy bien".

Cédar Viglietti nos dice: "En las memorias de Gonzalo de Doblas ya citadas (l781), refiriéndose a los pueblos de las Misiones, averiguamos que "…los bailes que usan son antiguos y extranjeros; yo no he visto en España danzas semejantes, ni en las diversiones públicas de algunos pueblos, ni en las

que se usan en el día y octava de Corpus. Ahora modernamente, van introduciendo algunas contradanzas inglesas, danzas valencianas y otras danzas que usan los españoles".

Contradanza

Clasificación.

Danza de pareja suelta, interdependiente, del grupo "señorial grave – vivo".

Denominación.

Llamada en Inglaterra originariamente: "Country dance", en Francia "Contre dance" y en Alemania "Kontredanz". Sobre su nombre, coreografía o música existen varias teorías al respecto, pudiendo provenir de la primera: "country-dance" esto es: "Danza campesina".

Antecedentes.

La contradanza se baila en la campiña inglesa durante el siglo XVI. Alrededor del 1600 asciende a los salones de la Corte, y 85 años más tarde, aparece en Francia y Holanda con singular brío, desplazando al "Bréenle", una de las formas madres de la danza francesa progenitor de las mas variadas expresiones como la Gavota.

En 1710 los Borbones introducen la Contradanza en España. Debe advertirse que la contradanza en Francia y en España, es levemente modificada y así puede hablarse con propiedad de una contradanza inglesa, de una francesa y de una española.

En Francia, además, se crea una variante alrededor de 1723 que se llama Cotillón.

A principios del siglo XIX la Contradanza da origen en nuestro país a dos formas coreográficas de enorme dispersión: "la Cuadrilla y los Lanceros.

Pasado el 1850, la Contradanza entra en decrepitud. La Cuadrilla y luego los Lanceros la desplazan lentamente. La gran Contradanza después de haber proliferado en las tres formas europeas: Cotillón, Cuadrilla y Lancero, y en las tres criollas: Cielito, Pericón y Media Caña cae en su ocaso irremediable en l880.

Los bailes europeos graves, minué, contradanza, etc. se encuentran en las principales ciudades americanas antes de I750. Hay que tener presente que la contradanza tiene dos promociones, es decir, vuelve a ser irradiada por París, después de su caída en desuso, a mediados del Siglo XVIII.

La contradanza en su segunda promoción, llega alrededor del año l800 y se baila en Buenos Aires con sus congéneres graves, minué, gavota, etc.; e integran las cuadrillas, los lanceros y otras.

Coreografía

Transcribimos una breve explicación dada por L. Ayestarán. Como se trata de una danza europea, las mismas figuras básicas también corresponden para nuestro país, aunque indudablemente, con el tiempo habrán sufrido modificaciones locales.

"Complicada en extremo su coreografía. Que se fue enriqueciendo gradualmente hasta llegar a un número elevadísimo de figuras distintas, su base es la fusión de dos simples ordenaciones: el "round", es decir, "la danza en círculo con alternación de hombres y mujeres" y el "longways" o formación en calles de hombres frente a mujeres.

"A estas posiciones se agregan luego todas las variantes imaginables: cadenas, canastas, la reja, el paseíto al campo, del pericón posterior, etc.". Prosigue Ayestarán al comentar la coreografía. "Se inicia con dos posiciones: una "rueda", ("round"), que forman las parejas y luego "en calle", ("long-ways") formada por dos filas frente a frente, de hombres y mujeres respectivamente. Terminadas estas dos posiciones comienzan las figuras aisladas que llegan a un elevado número de figuras. Preside la Contradanza un maestro de ceremonia que en voz alta indica el cambio de figuras; es el bastonero".

"Entre sus figuras más importantes se destacan "la canasta", el "Avant-deux"?, el "Molinete" de damas o caballeros, "Pantalón", "Eté", "Poule?", "Trénis" (su creación se adjudica al célebre bailarín Trenitz) "cadena", etc.

"La Contradanza se remata con un "Finale" de extraordinaria brillantez y complicación".

Lancero

Clasificación:

Pertenece al grupo de pareja suelta, interdependiente.

Antecedentes:

A principios del siglo XIX la contradanza da origen a dos formas coreográficas de enorme dispersión: la Cuadrilla y Los Lanceros. La primera tiene su consagración oficial en 1815.

Un poco más tarde aparecen los Lanceros que, según se dice equivocadamente, fueron creados por el bailarín Laborde en 1856 en la corte de Napoleón III. En realidad ya se bailaba en Dublín en 1817 y su nombre y descripción aparece en el libro de danza de Joseph Hart, quien asegura que era bailaba por la sociedad británica en el verano de 1819.

Comentarios.

En nuestro país se ha bailado desde mediados de siglo pasado. Varios son los datos que nos atestiguan su práctica:

C. A. Washburn: "… noté que los danzantes al hacer sus paradas para las cuadrillas, lanceros u otras danzas cuadradas, la formaban diagonalmente a través de la sala como había sido siempre la costumbre anteriormente".

El periódico "El Semanario" del 14 de Noviembre de 1863 describe:

"… La reunión fue numerosa y parecía que el disfraz con que se encontraba cada uno de los concurrentes había influido sobre él, prestándole la satisfacción y alegría que demostraron. Los lanceros y cuadrillas se sucedieron sin tregua, apoderándose del ancho salón sin perjuicio, de que entretanto, las señoritas ostentando nuevas gracias y nuevos atractivos, débanse de llenar los cómodos asientos del salón.

En la ya citada fiesta de la delegación brasileña, en Setiembre de 1893, se bailaron dos lanceros".

Coreografía.

Su formación es de cuadrilla. Consta de 7 partes, donde se intercalan muchas figuras. Esta danza tuvo en nuestro país una coreografía muy parecida a la "Cuadrilla", a tal punto que algunas versiones se denominan: "Cuadrilla-Lancero".

Vals

Clasificación

El vals fue la primera danza aparecida como baile de pareja enlazada independiente. El mismo, significó un tránsito fundamental en la historia de la danza de salón de pareja suelta a la que pertenecía todo el repertorio del siglo XVIII a la de pareja enlazada. Su aparición constituyó una revolución, no tanto en el orden musical… sino en el orden coreográfico.

Antecedentes.

La paternidad del Vals en Europa se la disputan desde mucho tiempo atrás los alemanes y los franceses. Esta danza reconoce una clara ascendencia germana emparentada estrechamente con el Landler, pero el francés Thoinot d" Arbeau cita el baile llamado Volte en su célebre tratado de "0rchesografhie" del 1589 de donde se hace provenir también la etimología del Vals. Lo cierto es que hace su aparición como danza de sociedad alrededor del 1780 y es irradiada por Viena y París, llegando al Uruguay alrededor de l800.

Comentarios.

El vals tuvo mucha aceptación en nuestro país; hecho que prolongó su vigencia. Se bailó durante todo el siglo XIX, y figuraba infaliblemente en los programas de bailes como ser: la fiesta del Club Nacional, en Noviembre de 1863 y la de la delegación brasileña, en Setiembre de 1893, donde fueron incluidos los valses, entre otros bailes de la época.

Durante el siglo XX se siguió practicando y podemos decir que aún hoy no se ha extinguido este estilo, aunque el vals no es precisamente el ritmo de la actualidad se lo baila esporádicamente en los festejos de 15 años y bodas.

El vals está incluido en algunas de nuestras danzas tradicionales. En nuestro país el vals tuvo su derivación folklórica, pues dio origen al balseado criollo, que aún hoy se practica

Música.

El vals es un género musical, internacionalmente difundido.

Está escrito en compás de 3/4.

Coreografía.

Se baila en parejas enlazadas, en forma independiente, ya que no existen puntos de contacto entre una pareja y otra, como en las danzas de salón. La forma de enlazarse es la corriente sin estrecharse.

El paso básico consta de tres movimientos: el primero muy rítmico marcando el paso fuerte, el segundo y tercero más suaves, levemente arrastrados y acompañando un movimiento de torso de vaivén acompasado.

El camino a seguir es improvisado, ya que en un salón de baile se combinan a gusto los avances, retrocesos, vueltas, círculos grandes, pequeños, etc. La característica primordial de esta Danza es la vuelta seguida, por lo tanto tiene un doble movimiento, el de desplazamiento y el de rotación sobre sí mismo. Esto último puede ser hacia la derecha, hacia la izquierda, o combinando ambas direcciones.

La mejor manera de bailar es siguiendo un círculo grande, ya que esta forma de desplazamiento permite mejor las vueltas continuas.

GALOP

Clasificación.

Pertenece al grupo de danzas de pareja enlazada independiente.

Antecedentes.

Alrededor de 1825, aparece en Alemania esta danza que pasa de inmediato a Francia y se extiende luego por todo el salón occidental. Vinculada en cierto modo a la Polca. Integra luego la Cuadrilla y sobrevive hasta 1900. A fines del siglo XIX se definió al Galop como una polca rápida en que las parejas galopaban por el salón en un compás de dos cuartos cuya medida metro nómica es de 126 para la negra. Se tiene conocimiento que más o menos por mitad del siglo XIX llegó al Río de la Plata.

Comentarios.

Está documentado que esta danza se practicó en nuestro país. En la velada llevada acabo en la delegación brasileña en 1893. "Se cerró el programa de baile con un "Galop final".

Hemos notado en varios programas que generalmente finalizaban los bailes con un galop o galopa. He aquí el comentario de "EL DIARIO", del lunes 27 de Junio de 1904: (tomo I) Año I – Nº 22. Sociales: "En el Club Asunceno. Eran las dos de la mañana del domingo y aún se oían los últimos acordes de una galopa final que marcaban la conclusión de la fiesta que el Club Asunceno había ofrecido a las familias de sus numerosos miembros"

El nombre de Galop o Galopa, al igual que el de Polka, nombre originario de Europa, se utilizó para denominar a nuestra música y danza nacional.

POLKA

Clasificación

Es del grupo de danza de pareja enlazada, independiente.

Denominación

Su nombre, al parecer, proviene de la palabra checa "pulka", esto es, "mitad", por el medio paso o sobrepaso que se da al bailarla.

Antecedentes

La aparición de la polka en Europa, constituye uno de los acontecimientos más memorables en la historia de la danza del siglo XIX, por la rapidez increíble de su irradiación.

Nacida en Bohemia alrededor de l830, llega a Praga alrededor de l835, toma allí ese título, refiriéndose a la denominación, y de inmediato se extiende a Viena (1839) y a París (l840). La epidemia de la polka arrasa en Londres en 1844.

La polka llega a una velocidad impresionante al Río de la Plata y se extiende de inmediato a los grandes salones.

Comentarios

En el Paraguay se conoció esta polka europea. Su nombre fue luego aplicado a nuestra danza nacional con la denominación de "polca".

Coreografía

La antigua polca poseía 10 figuras, de las cuales, según Curt Sachs, sólo cinco se practicaban en el salón europeo:

1) paseo,

2) vals,

3) vals revertido en abrazo cerrado, con vueltas sobre la pierna derecha,

4) vals roulée y

5) paso bohemiado.

Aclara luego Ayestarán que Vals Significa Solamente "danza de giro' y no paso ternario. No se conoce los pasos exactos de la polka europea bailada en nuestro país.

Mazurca

Clasificación

Pertenece al grupo de danza de pareja enlazada, independiente.

Antecedentes.

La Mazurca surge en el siglo XVI en el Palatinado de Masovia, en Polonia de donde toma el nombre de Masuriana o Mazurca.

La fecha de irradiación de la Mazurca se fija en París en 1845. La Mazurca penetra en el campo en la segunda mitad del siglo XIX y se convierte junto con la Polca, la Habanera, el Chotis y el Vals, en una especie acriollada. Pierde alguna de sus características y en la actualidad, desaparecida como danza de Salón. Su música se ha convertido en expresión folklorizada. Aseveran los entendidos: "Tan lejos está a la Mazurca europea de la uruguaya que hasta su título se ha perdido llamándosela hoy comercialmente: Ranchera".

Comentarios.

La Mazurca nos llegó por mitad del siglo XIX, y a semejanza de las danzas anteriores, nuestro pueblo inmediatamente la asimiló. En principio su difusión se extendió a los salones de nuestra ciudad capital, prolongándose luego al ambiente popular, donde adquirió características propias.

En muchas oportunidades se ha mencionado a esta danza dentro de los programas de baile llevados a cabo en la fiesta del Club Nacional en 1863 y en la delegación brasileña en 1893; por citar sólo las que se han documentado. Nuestra vistosa danza tradicional, la Golondriana, entre sus variadas partes incluye una de Mazurca. Esto nos confirma que esta forma coreográfica sobrevivió en nuestro país, hasta convertirse en un hecho folklórico.

CHOTIS

Clasificación.

Integra el grupo de danza de pareja enlazada, independiente.

Denominación.

Chotis es una denominación española, derivada del inglés Scottish, a su vez derivado del alemán Schottisch.

Antecedentes.

Según Ayestarán; el Chotis es congénere de la Polka y apareció en el Río de la Plata en 1851. Chotis: "Variante sudamericana del schottische europeo, que asume el ritmo de una polca ligeramente sincopada".

Comentarios.

Esta danza que se bailó en Europa, nos llegó a través de los españoles, y se acriolló en nuestro país. Al igual que las otras danzas procedentes del viejo continente. Fue muy difundida tanto en las ciudades como en el campo, donde adquirió características populares. Nuestros abuelos aún la bailaban, pero en la actualidad está fuera de uso.

Giovanni Pelleschi entre 1876 y 1878, observó en Humaitá un chotis milanés. En el citado programa de la delegación brasileña en 1893, fue incluido un Schottisch.

Música

En la biblioteca de Mosqueira se hallan varias versiones musicales populares. Una versión musical de la ejecución del violinista Higinio Franco y del arpista Gligerio Insfrán muestra una música en compás de 2/4.

Coreografía.

Es probable que se hayan conocido varias versiones coreográficas, ya que cada región, inclusive cada grupo social, introducía innovaciones en las coreografías originales.

Anotamos la coreografía bailada en 1963 por un grupo de bailarines tradicionales de Arecayá, hoy, Ciudad Mariano Roque Alonso.

"Como se trata de una danza de pareja enlazada, el número de participantes es ilimitado, y no tienen ningún contacto entre si las diferentes parejas".

"El paso básico, es una figura que consta de varios movimientos que se repiten durante toda la danza. Las parejas forman un círculo grande, y en posición enlazada miran en dirección del círculo a seguir. El desplazamiento se realiza de costado, las damas dan el flanco derecho y los caballeros el izquierdo; ambos siguen juntos la dirección derecha del círculo".

"El primer movimiento consiste en un desplazamiento del pie derecho para las damas y el izquierdo para los caballeros, con paso natural de costado. Le sigue un paso breve con el otro pie, siempre en forma lateral, arrastrando hacia el primero, es decir, acercándose sin sobrepasarlo, quedando en posición parada, con ambos pies juntos. Se vuelve a repetir el paso largo de costado, como la primera vez. Las damas con el derecho y los caballeros con el izquierdo. Sigue a éste, el paso breve arrastrado del otro pie. En total son cuatro movimientos de pies, cuyo orden marcamos con números y que se realizan con 1 compás".

"Continúa el mismo paso realizado en sentido contrario, como desandando el camino, siempre de costado. Las damas comienzan con el pie izquierdo y los caballeros con el derecho. Sigue el paso breve arrastrado con el otro pie hasta alcanzar el primero. Se repite el paso largo hacia la misma dirección seguido del paso corto. Se realizan estos movimientos con 1 compás".

"Se realiza a continuación un giro completo, sobre el flanco derecho de la dama, siempre en posición enlazada que se ejecuta así: paso con medio giro con pie derecho de la dama e izquierdo del caballero. Sigue el otro pie siempre girando, izquierdo de la dama y derecho del caballero. Este giro de dos pasos se realiza con 1 compás".

"Se continúa con un balanceo de cuerpo realizado en los sitios respectivos, pasando el peso del cuerpo de un pie a otro. Las damas lo realizan primero con el derecho y los caballeros a la inversa. Se ejecuta un Sólo balanceo, es decir, cambiando una sola vez de un pie a otro, utilizando 1 compás. Los movimientos que forman el paso básico, se repiten indefinidamente durante toda la danza".

Variaciones.

Según datos, existe una variación en la posición de los brazos que se efectúa en forma improvisada. Las parejas se desenlazan colocando los brazos doblados al costado de la cintura, como asa. Los cuerpos permanecen siempre aproximados, acercando bastante las cabezas. En esta posición realizan todos los movimientos indicados, conservando la misma formación. En cualquier momento se vuelven a enlazar. Además del carácter improvisado de este desenlace, su realización es optativa.

Este mismo paso básico recién detallado, podría realizarse combinando el desplazamiento en círculo con una recta o diagonal, tomada de un extremo a otro del salón. Luego de un breve giro, manteniendo el paso básico se puede tomar la dirección contraria.

De esta forma, se varía el camino a seguir dando un poco más de movimiento a la danza. Esto es permisible, como se trata de una danza de salón, de parejas independientes, existe la libertad del desplazamiento.,

Antiguamente las danzas de salón siempre se seguían en círculo ya que las parejas se desplazaban una tras otra danzando en un lugar amplio.

HABANERA

Clasificación.

Esta danza está también dentro de la clasificación de danza de pareja enlazada, independiente.

Antecedentes.

Se trata de una danza de sociedad originada en La Habana (Cuba). Pasó posteriormente a Europa. Donde se la readaptó y de donde volvió a difundirse, llegando nuevamente a América.

Se ha hablado hasta el cansancio de que la Habanera engendró a la Milonga y que ésta a su vez al Tango. En realidad, en todo ello hay una fundamental equivocación de parentesco. Confundir paternidad con hermandad. Creemos firmemente que la Habanera y la Milonga son congéneres y que el Tango es también un hermano de ambas, pero de menor edad.

Al hablar de la Habanera y la Milonga en el Uruguay se dice: "La verdad es que ambas en nuestro medio son homologadas en el tiempo, forman un estrato común que se extiende desde el Río de la Plata hasta las Antillas, bordeando la costa del Atlántico. Es el vasto sentimiento popular que Carlos Vega definió con el nombre de "Cancionero Oriental". En la primera mitad del siglo XIX floreció en Cuba al través de la Danza, en el Brasil a través del Lundúry y en el Río de la Plata apenas unos años más tarde a través de la Milonga".

"En el siglo XX se llamará Habanera en Cuba, Maxixa en el Brasil y Tango por estas latitudes. Todas estas especies no se suceden o desplazan las unas a las otras; conviven en el mismo tiempo porque son hermanas todas ellas, hermanas mayores y menores, como aquellas que se llevan lógicamente entre sí, distancias de tiempo en la edad. Las primeras Habaneras de Cuba llamadas "Danzas Habaneras" datan de 1825".

Según Otto Mayer Serra en su "Panorama de la música mexicana", en el año 1836 aparece la primera Habanera impresa intitulada "La Pimienta", "contradanza de inspiración cubana en la Ribera del Hudson".

En esa época la Habanera ya estaba en Europa; consigue allí su prestigio Social y es irradiada de vuelta a América por París como pieza de salón y por Madrid como pieza cantante en la zarzuela a mediados de 1850, la Habanera retorna de Europa y se extiende por toda América".

Comentarios.

Se ha danzado en nuestro país y figurado en los programas de bailes.

Se tiene una referencia dada por el periódico "La Reforma", del 29 de Setiembre de 1877 (No. 585) y que dice así:

"Danzas habaneras". Nuestras bandas de música van a empezar el ensayo de dos preciosísimas habaneras que el Sr. Cavedagni tiene en su repertorio. Este hábil maestro trata de recrear siempre nuestros oídos con nuevas piezas de música".

Carlos Vega e Isabel Aretz registraron una habanera entre las grabaciones de campo realizada en 1944 en nuestro país.

Federico Riera, al citar las danzas populares del Paraguay nos dice:

"… Además de la cuadrilla, el lancero, la habanera, que se bailaron hasta comienzos del siglo…".

EL DIARIO; Sábado 7 de Octubre de 1905; Año 2; (No. 287) "Fiesta en Pirajú". "Mañana celebra el pueblo de Pirajú su función anual en homenaje a su patrona titular, la Virgen del Rosario. Entre los números del programa de las fiestas que se ha confeccionado figura una velada literario-musical que tendrá lugar en la casa de la señora Del Rosario de Texeira. Entre los variados números figuran dos habaneras ejecutadas por la Orquesta".

Existen música de habaneras criollas, una de las más bonitas y más difundidas es "La tejedora de ñandutí".

La habanera tuvo su consecuencia musical criolla. En efecto, al hablar del rasguido doble, género musical paraguayo, nos dice Don Mauricio Cardozo Ocampo: "Aunque su movimiento rítmico tiene un parecido con la maxixa brasilera, suponemos que su origen es la habanera, pero el músico paraguayo adoptó en la guitarra su acompañamiento en rasguido y lo llaman rasguido doble en razón de que se repiten dos golpes seguidos".

ZARAMBI, ZARANDIN O ZARANDIG

Clasificación.

No se poseen datos coreográficos amplios como para determinar su exacta clasificación.

Por los relatos hallados se conoce que en una oportunidad fue bailado por una dama; también se sabe que se bailaba en grupos grandes.

Denominación.

En un libro original de Robertson aparece "zarandín", en otras ediciones "zarambí" y en otras "zarandig". Existe la posibilidad de que zarambí sea el mismo zarandín o zarandig, guaranizado. Varias son las consideraciones que podemos hacer sobre estos nombres. En primer término zarandin o zarandig podrían tener relación con el nombre de la antigua danza española zarabanda, e inclusive ser derivada de ésta. Zarambí, podría referirse indistintamente a una danza específica de ese nombre, o una danza improvisada, desordenadamente, ya que el significado de la palabra guaraní "sarambí" es desorden, barullo. De igual manera, esta acepción tiene también relación con la

Zarabanda, ya que se llama así en sentido figurado, a una bulla, algazara, desorden, ruido fuerte. Por las descripciones de esta danza se sabe que realmente tenía este carácter.

Comentarios.

Juan Parish y Guillermo Robertson, quienes estuvieron en nuestro país entre los años 1811 y 1815, nos dan testimonio de la existencia de esta danza. "… Se levantó Doña Juana con sus ochenta años y bailó un zarandín o zapateado…"

Los mismos autores en otra obra nos dicen al hablar de las fiestas : "Para una danza meramente ocasional la gente se contentaba con la guitarra y el canto, y en vez del minué, la danza regional de Buenos Aires, los asuncenos practicaban un movimiento bárbaro llamado "zarandig" o baile de taconeo. En especial, las clases mas bajas amaban apasionadamente esta danza y su música de acompañamiento. Cuando ocurría una cosa como un baile, lo que rara vez pasaba los conventos abastecían la música. El baile empezaba con danzas gentiles, pero invariablemente terminaba con el zarandig grosero, inelegante y digamos la verdad, impúdico".

Lázaro Flury da noticias de una danza denominada "Sarandi" en el folklore del litoral argentino; también Araujo habla del Sarandi en el Brasil. Por las explicaciones de éste último notamos que su trama coreográfica tiene similitud con otra danza nuestra, llamada "Solito", de tipo juego-entretenimiento. Como en nuestro país el zarandig fue danza de zapateo, más bien grosero e inelegante, con un movimiento bárbaro, según palabras de Robertson, deducimos que no se trata de la misma danza citada por los otros autores.

GASPARINA

Clasificación

Aunque escasos, se han recogido algunos datos que nos hacen suponer se trataba de una danza de grupo de pareja suelta, interdependiente. Desde luego era la forma usada en esa época.

Denominación

Es voz corriente que esta danza fue creada, en homenaje a Don José Gaspar Rodríguez de Francia; de ahí su nombre de "Gasparina".

Antecedentes.

Como acabamos de decir, Se compuso para el citado personaje. Como él había prohibido todos los bailes, un músico escribió a su nombre, con el fin de suavizar su severa personalidad.

Comentarios.

Juan Max Boettnet da algunos datos sobre esta danza obtenida en entrevistas personales con Juan E. O"Leary: "Allá por 1922 me vino a ver un músico llamado Lorenzo González. Era violinista mediocre con unas manos endurecidas por una afección artrítica. Mostróme una danza que, dijo, la encontró por casualidad y que se bailaba en épocas del dictador Francia. Era la "Gasparina". Esa pieza dio ocasión a una obra teatral de Juan E. O"Leary que fue representada en el Teatro Municipal. La música era parecida a un minué".

Esta danza también fue citada por, Juan Carlos Moreno González en: "Datos para la historia de la música en el Paraguay", folleto publicado por el Ministerio de Educación en el año 1952.

Carlos R. Centurión, refiriéndose a las actividades en Abril de l923: "En la noche del 18 de abril, en el Belvedere, fue ejecutada por primera vez por la orquesta de policía, "La Gasparina" pieza de la época del Dr. Francia exhumada y reconstruida por el maestro Lorenzo González".

Datos coreográficos.

Según informe recogido, la Gasparina, fue bailada en un teatro por varias parejas; no se pudo precisar exactamente en que año pues, debió tratarse de una reconstrucción. Como la música era de movimiento lento, tipo minué, las figuras coreográficas también tenían un movimiento pausado, ceremonioso, con muchas cortesías y reverencias.

Py chi chi

Clasificación

No podemos asegurar una clasificación exacta, ya que no se conocen muchos detalles coreográficos, pero sí, suponemos se trata de una danza individual, ya que Bermejo nos habla de un soldado que baila el Pychichi.

Denominación.

Sobre el término Pychichi, del relato de Bermejo, nos inclinamos a pensar que ese no fue precisamente el nombre originario de la danza, y que tal vez por una mala escritura de esta palabra, al parecer, de origen guaraní, pudo producirse tal deformación. Estudiando esta denominación y conociendo además ciertas características de la danza, se supone que el nombre más semejante posible es el de "Py chichi", palabra compuesta, cuyo significado es Py: pie; Chichí: que significa: mimar, acariciar, o podría ser simplemente el sonido del pie al arrastrar, acariciar o zapatear el piso. Por otra parte se tiene el relato de Masterman, quien nos habla de una danza de nombre "Pishesheshe", que podría tratarse de la misma recién comentada. En efecto, este autor nos dice: "Tuvimos varias otras danzas, el grave Montonero, la Media Caña, el gracioso Pishesheshe, que deriva su nombre del sonido que hace el pie derecho al restregarlo suavemente en el piso, y otras que no recuerdo".

Este comentario confirmaría la información sobre el origen del nombre y la deformación posterior debida a una mala escritura, muy común en autores extranjeros, al escribir el guaraní, y sobre todo en siglos pasados.

Marcelo Guitart, estudioso de la tradición, quien coleccionó importantes datos, nos informó de una danza con las mismas características, de nombre Py sy ky, dato obtenido en su investigación personal en Itaugua durante un velatorio. "La danza era individual, masculina y se ejecutaba descalzo y con espuelas". Dicho nombre también tiene mucha semejanza con los anteriores.

Analizando estos tres nombres, notamos algo en común: la primera Sílaba Py que, como dijimos, significa pie. Suponemos que las sílabas restantes diferentes en cada término, constituyen expresiones onomatopéyicas que tratan de imitar el sonido de los pasos al arrastrarlos, al saltar o zapatear.

Malagueño

Clasificación

Es una danza de conjunto y pertenece al grupo de pareja suelta, interdependiente.

Denominación

No hay ninguna duda de que el nombre proviene de la conocida danza española, la malagueña, de la provincia de Málaga (España), muy parecida al Fandango. Ya sabemos que muchas de nuestras danzas tomaron nombres de danzas foráneas, aunque sus coreografías y músicas generalmente, eran muy diferentes.

Antecedentes

Es difícil precisar con exactitud su origen por los escasos documentos que sobre esta danza se disponen. Como su coreografía presenta mucha similitud con las figuras del Cielito Chopí, Suponemos que su ascendencia coreográfica estará en el antiguo "Cielo" a su vez originario de la contradanza.

Comentarios

No se han hallado documentos escritos de su práctica en nuestro país el siglo XIX, pero es muy probable que se lo haya conocido en esa época. A pesar de la falta de testimonios escritos se cuenta con datos orales que constituyen pruebas valiosas que la documentan seriamente.

Comentarios.

Federico Riera, al hablar de las danzas del Paraguay; "Además de la cuadrilla, el lancero…, que se bailaron hasta comienzos del siglo".

Frederik Haven Hensler, comenta esta danza: "El Lancero: Gente de mucha edad, que ahora recuerda algo de las condiciones antes la Guerra de la Triple Alianza, cuentan que esta danza, la cual más o menos ha sido un transplante de la Contradanza Francesa, era muy popular en esta época". "Fue la última costumbre, propiamente europea, que existió antes del conocimiento nacional que comenzó a aparecer como parte del renacimiento cultural después de 1870, y por eso se podría considerar como la línea divisoria en la música".

Danzas de la Época de los López

Las Danzas de la época de los López, son aquellas danzas traídas de Europa (Francia y España) y bailadas en las reuniones privadas y familiares por la clase sociales altas por los años 1841 en adelante posee música y coreografía propias las que no pueden ser alteradas en ninguno de los casos como podemos citar: el Malagueño, la Golondrina, Cielo Tacuara, Cielo Ataque, La Cuadrilla paraguaya, la cuadrilla boliviana o miriquinao, entre otras.

Historia.

El gobierno de Carlos Antonio López y de su hijo el Mariscal Francisco Solano López (1840-1870), fue totalmente opuesto al dictador Francia. Se abrieron las fronteras y se inicio una época de florecimiento cultural sin precedentes, desde la expulsión de los Jesuitas.

Para citar algunos ejemplos concretos de los logros culturales se puede mencionar la contratación de numerosos arquitectos Europeos para el embellecimiento de edificios de la ciudad de Asunción, la aparición del primer periódico: "El Paraguayo Independiente", y en materia musical la llegada del maestro Francés Sauvageot de Dupuis, a quien se atribuye la autoría del Himno Nacional partaguayo, además de la formación de toda una generación de músicos y la creación de bandas militares de música y de la primera orquesta sinfónica nacional, en 1980.

En esta época también se hace, por primera vez, referencia a la música nacional "La Polca", convertida después en la música popular por excelencia.

En los clubes Asuncenos se llevan a cabo fiestas elegantes con movimientos y estilos adaptados de Europa (Vals, Mazurca, polca, Londón, etc.) El pueblo observa y transforma todavía mas a estas danzas estilizadas dando lugar a las danzas populares (El Londón karapé, La Golondriana, El montonero, El Santa Fe, La Palomita, El Cielito o Chopí, etc.)

Lastimosamente este periodo de "alumbramiento" cultural se vio truncado por la Guerra contra la Triple Alianza (1864-1870) que redujo el Paraguay a cenizas.

Sin embargo, tras esta cruenta guerra se produjo la "reconstrucción del país" gracias al aporte de numerosas personalidades extranjeras y nacionales que regresan al Paraguay al termino de esta guerra.

Vestimenta en la época colonial, antes de la independencia del Paraguay.

El vestuario en la época de los López consistía en vestidos lujosos y joyas de perlas, piedras preciosas como las esmeraldas, los zafiros y metales preciosos como el oro.

Se celebraban grandes fiestas en los centros sociales como el Club Nacional donde, tanto los varones como las damas adineradas vestían al estilo Europeo.

Las mujeres mas pobres vestían sencillamente, iban descalzas y llevaban puestas una túnica blanca con bordados en negro o rojo, un manto blanco que les cubría la cabeza y una faja atada en la cintura. Adornaban su cabeza con flores o peinetas de oro. El varón vestía pantalones blancos con flecos, una camisa de algodón blanco con bordados, poncho con colores vivos, sombrero de paja, faja en la cintura, y al igual que las mujeres sencillas, iba descalzo.

Origen

En el año 1844 fue nombrado como presidente de la República del Paraguay por el Congreso Nacional, Don Carlos Antonio López; durante su gobierno llegaron numerosos profesionales contratados de Europa quienes introdujeron importantes cambios en la costumbres de los paraguayos, entre las cuales, en materia de arte predominaban los cantantes y bailarines europeos.

Algunas de las danzas que se practicaban en el país, han adquirido nuevas características, dando así origen a varias de las danzas tradicionales.

En este periodo las danzas alcanzaron un importante surgimiento. Por ejemplo la "contradanza", originariamente inglesa que luego paso a España ejerció gran influencia en la formación de las danzas como: el Pericón la Cuadrilla, cielito chopi y otras

Otras danzas muy utilizadas en la época: fueron: La golondrina, el London karape, la polka la Mazurca.

Ya en la época de Francisco Solano López (1862 1870) durante los primeros años se mantuvo firme el entusiasmo por las fiestas y en ellas las danzas ocupaban el primer lugar, implantadas por los españoles.

Al comienzo de la Guerra de la triple alianza se seguía organizando fiestas de baile para mantener la animación en los diferentes campamentos.

El mismo Francisco Solano López participaba con entusiasmo y alegría en la concurrencia acompañando a Madame Linch, que era una entusiasta dirigente bailarina de los diferentes campamentos de la guerra.

Las danzas más bailadas en la época eran: la "Cuadrilla", el "chopï", "Londón karape" y "Mamá Cumandá".

La vestimenta al estilo europeo que se utilizaron en la época eran: pantalones ajustados, camisa con volados en el pecho y puntillas en los puños; saco largo y faja de seda ancha en la cintura, era el atuendo de los caballeros.

Las damas, usaban vestidos de talle ajustado, mangas cortas o largas; escotes adornados con volados y miriñaques. Lucían peinados con bucles y tocados de plumas o moños.

En la actualidad la danza paraguaya ha evolucionado bastante. Existen creaciones coreográficas significativas de gran habilidad y es gracias al sentido rítmico y la flexibilidad que poseemos los paraguayos.

Londón karapé

Esta danza se remonta a la época de los López (Carlos Antonio y Francisco Solano – mediados del siglo XIX); era en ese entonces una de las predilectas, tuvo con el tiempo mucha difusión en todo el país.

Se supone que proviene de una danza Europea llamada "Londón", que posteriormente adquirió características populares. Según Federico Riera, "fue impuesta en nuestro país por Madame Lynch (pareja del Mcal. López, Presidente del Paraguay durante la Guerra de la Triple Alianza), quien según las noticias la trajo de Europa. Ella misma se encargo de enseñar sus pasos y figuras entre sus amistades".

Clasificación

El Londón karapé pertenece a un grupo de danzas de pareja suelta interdependiente, integra la subdivisión animada.

Denominación

Londón: la pronunciación acentuada de la última silaba puede ser producto de una pretendida guaranización del vocablo, muy común en el léxico popular.

Karapé: es un nombre guaraní. Pueden ser varios los motivos de esta denominación. Una de las acepciones de "karapé" es "popular", de baja categoría; por lo tanto, el "London", danza de salón, al transformarse en danza del pueblo, adquirió el nombre de Londón karapé.

Karapé, en su otro significado es "bajo", de corta estatura; esta acepción tiene relación con la coreografía, ya que la característica sobresaliente de esta danza es la de acuclillarse o agacharse, quedando los bailarines mas bajos o "karapé".

Según O´Leari: "Como consecuencia de este despertar general y específicamente por el impulso artístico, las danzas alcanzaron un gran florecimiento. Tanto en los salones de las ciudades como bajo las enramadas campesinas, sobrevivieron los variados bailes Europeos; así también comenzaron a flotar las danzas del país, como inspiración propia del pueblo.

En la plaza del pueblo se llevaba acabo bailes populares. Bajo un toldo cerrado de faroles, graciosas kygua verá y sus parejas danzaban polcas,

Valses, mazurcas y cuadrillas. Esa noche las calles de la capital permanecían iluminadas".

Gobierno de Francisco Solano López (1862 – 1870).

Guerra contra la Triple Alianza (1864 – 1870).

Durante este gobierno, y sobre todo en los primeros años, continúa el entusiasmo por las fiestas, bailes, vida teatral, etc.

Del mismo modo de que se ofrecían continuos bailes para las clases mas elevadas, el pueblo tenía su espacio propio con sus bailes populares, a los cuales se entregaban con pasión.

Los años 1863 y 1864 fueron fecundos en grandes fiestas populares, en conmemoración del apóstol sub-americano San Francisco Solano, cuyo nombre llevaba el nombre de general presidente. Por supuesto las fiestas dadas con motivos del natalicio del general sobresalían con mucho esplendor a aquellas con que se conmemoraban los sucesos patriotas, como que había llegado ya a constituir parte de la creencia del pueblo, de que la persona de aquel simbolizaba todas las glorias nacionales.

Juan Crisóstomo Centurión dice: "López trataba de mantener el buen espíritu y la animación con bailes que se daban para los jefes y oficiales los días de fiestas bajo un gran kiosco, cuya columna central era la verga mayor que, entre muchos otros objetos sacados de aquel buque, trajeron del riachuelo. Esta rotonda estaba colocada frente a la casa que ocupaba el jefe del estado mayor. Los bailes que mas se bailaban eran la "la palomita, Londón karapé, Cuadrilla Boliviana o Miriquinao, Caledonia y finalmente, Mamá Cumandá".

"Con frecuencia se mezclaba entre los bailarines Madame Lynch, que era amiga del baile, y entonces la animación y el entusiasmo subían al máximo de su intensidad".

La Postguerra

Época cargada de dificultades por las negativas consecuencias de la guerra. El exterminio de la población, especialmente la masculina, obligó a nuestras mujeres a cubrir la falta del jefe de familia; las mismas se vieron obligadas a dedicarse exclusivamente a mantener y levantar el hogar golpeado por la tragedia bélica. Esta circunstancia, lógicamente trajo una declinación de las actividades musicales y especialmente danzantes de la época.

Son muy escasos los datos sobre danzas en los periódicos o escritos de ese entonces, pues casi nada se ha hablado sobre ellas. Se realizaban presentaciones de compañías teatrales, líricas, circenses, etc., que están fuera de nuestro tema.

Referente a la danza, se comentaba muy esporádicamente con la frase: "se realizo un baile"., pero sin especificar nombres y mucho menos figuras coreográficas.

Los entendidos al referirse a la música de la postguerra, y comentar sobre instituciones musicales creadas ya en época de López, nos dicen: "En el nuevo período esas instituciones no hacen sino arraigarse y crecer y por tradición adquieren carácter de espectáculo público: durante largas épocas, las retretas y veladas a cargo de la banda de policía se convirtieron en una costumbre capitalina. Ya en 1874 Cavedagni fue contratado oficialmente para organizar y dirigir la banda nacional y como es sabido, fue el autor del primer arreglo del Himno patrio. No se encuentra sin embargo, orden municipal alguna tendiendo a la difusión de este arte en forma orgánica. Estas iniciativas quedarán libradas durante muchísimos años al estimulo privado. La Municipalidad contribuye cediendo a menudo el Teatro Nacional para la realización de veladas musicales."

Danzas Tradicionales del Paraguay.

La Danza es una expresión artística que ha sido adoptada por los pueblos para expresar el acervo cultural que los caracteriza. Las danzas tradicionales poseen músicas y coreografías propias; son patrimonio del pueblo, no pueden, ni deben por lo tanto, sufrir modificaciones.

El Paraguay no está ajeno a este tipo de manifestación en su folklore. Tiene una interesante variedad de danzas tradicionales cuyas raíces son el producto de la mezcla de dos culturas: la europea y la autóctona Guaraní.

Danzas Folclóricas

La danza es una forma de expresión caracterizada por gestos y movimientos acompasados y rítmicos, que obedecen a pautas religiosas y rituales o artísticas.

La palabra folklore significa "el saber del pueblo", en conjunto a las tradiciones, creencias y costumbres de las clases populares.

El folklore no deriva de la naturaleza o de los fenómenos, se convierte en folklore el saber popular, debido a una peculiar asimilación cultural o a una típica actitud colectiva.

Los bailes criollos son los antiguos Bailes cortesanos europeos americanizados. La corriente de los salones y la del teatro son las principales vías de transporte y de penetración.

Las danzas de los soldados y de los colonos son las folklóricas españolas que se extinguieron en América, con ellos o con sus hijos.

Las danzas no llegaron con la masa a cada lugar. Los bailarines se instalaron en las ciudades virreinales y se crearon con ellos focos independientes de transformación y difusión.