Historia de las sillas, asientos, banquetas, taburetes y otros muebles «para sentarse». División en fases, una visión de la historia del diseño industrial, sin conclusiones y con final abierto. (página 2)

En otras situaciones como el sillón trono de uso religioso del año 1350 A.C., de ébano curvado, utiliza la escuadra lateral para reforzar el vínculo del asiento-respaldo (en combinación con el puntal). También utilizaban barrotes y contrafuertes (originales de las futuras chambranas de los Luises, ingleses del siglo XVIII) En los «sillones tronos» egipcios (los sillones son sillas que incorporan apoya brazos), las chambranas simbolizaban la unificación de los Antiguos imperios en el Nuevo. También existían los barrotes rectos, puros, casi diríamos: clásicos (es que ya el modelo vernáculo, poseía una pureza clásica, increíblemente sorprendente).

2 – Fase logocentrica, abstracta, filosófica [ 600 A.C. hasta 323 A.C.]: Grecia.

Grecia había recibido la influencia Oriental y Egipcia. En cuanto a su mobiliario encontramos dos versiones de sillas:

2.1 – Con resplado: La famosa «klismos» (mueble femenino), casi podríamos decir que es una silla de cerámica, ya que solo se conoce por los vasos cerámicos (posteriormente el estilo neoclásico lo reconstruyó, basándose en estos dibujos de las vasijas). Sus patas curvadas hacia fuera eran para que no se clavaran al arrastrarla en la tierra.

2.2 – Sin respaldo: La «diphros» era un taburete.

2.3 – Los sillones inmuebles de mármol o piedra: Para uso de los magistrados, daban testimonio del rango social. En el templo de Dionisio, al pié de la acrópolis ateniense, existen ejemplos de estos sillones del período: 400 A.C. hasta 330 A.C. aproximadamente realizados en mármol. También los de piedra «proedra», para juicios públicos.

2.4 – Los de uso religioso: Como el «trono de terracota» de la tumba de Kamilari, de 3000/2000 A.C., donde los dioses se sentaban, excepcionalmente contemporáneo en cuanto a su alto nivel de pureza morfológica. Lo que demuestra como la concepción espiritual, podía hacer que variara el concepto de diseño. Otro como el «sillón trono del Rey Minos» del 1450 A.C., del Palacio de Cnosos-Creta, de extraordinaria simpleza morfológica. ¿Por que motivos, sucedía esto en ciertos usos con carga religiosa? Específicamente ¿qué hacía, que los diseños con esta carga simbólica-ceremonial tuvieran una limpieza formal, una austeridad en el lenguaje usado?

3 – Fase jurisprudencial e institucional [ 753 A.C. hasta 133 A.C.]: Roma.

El gobierno de la ciudad de Roma correspondía a los ediles (análogo a las funciones actuales de los intendentes y sus funcionarios), generalmente eran cuatro: dos ediles-plebe, y dos ediles-curules. Estos ediles curules, llevaban una silla «curul», que era la silla del alto Magistrado (una silla de rango social, honorífica). La famosa «curul romana», de donde en adelante vendrán las denominaciones por lo cual a las banquetas similares se las llamará de tipo curul.

4 – Fase religiosa del primer período: Primitivo [1000 hasta 1200]: Europa.

Existe una primer sub-fase que abarca del año 1000 hasta 1150, también denominado Románico (tal como se lo conoce a este período en la Historia del Arte y Arquitectura), luego se transformó en lo que se denominó Gótico Primitivo (el segunda sub-fase) desde el año 1150 hasta aproximadamente el 1200.

Este período, fue el primero que estuvo inspirado en el Cristianismo, ya que fue el mueble más pleno e intenso en sus características religiosas.

Este período a partir de donde se originaría el mueble (más horizontal, que vertical), siempre más ancho, que alto. De tosca ejecución, gruesas y macizas maderas, pocos trabajadas; en definitiva un mueble muy robusto (por falta de destreza en el trabajo de la madera). Como ejemplo otorgamos un modelo de Románico de Barcelona, que es un asiento «tronco», al que se lo talló quitándole madera (aunque presenta un tallado en el respaldo, no deja de ser tosco). De decoración escasa, los respaldos presentan, en algunos casos, la inclusión del arco de medio punto.

En el caso del «banco presbíter», modelo español (Mudejar Español), con alto dosel (techo) y con arquería de medio punto, muy grande (casi arquitectónico, aunque carente de la calidad del Gótico); encontramos esta infinita variedad de piezas para conformar un mueble-inmueble de iglesia.

En el «trono del Rey Dagoberto», del siglo VIII. Francia, encontramos la utilización del bronce (aleación de cobre + estaño). Y en el caso del hierro (conocido luego del cobre), tenemos la silla «tijera de hierro cincelado», del siglo XII (Inglaterra). Ambas plegables, no se masificaron hasta la Baja Edad Media.

5 – Fase religiosa segundo período: de Solemnidad Ceremonial [1200 hasta 1450]: Europa.

Nació en Francia, los historiadores suelen clasificar esta fase en tres períodos de tiempo variable según los autores (según sean historiadores del arte o de la arquitectura) y conocidos como: Primito, Pleno-o-Radiante y Florido-Tardío. No importan aquí tanto las periodizaciones, como distinguir que el período Primitivo es el que se dio el llamar también Lanceolado (por la forma de lanza, que presentaba) y fue la más importante de las tres sub-fases (la mas solemne y ceremonial). Finalmente, la tercer sub-fase fue conocido como Flamígero (porque degeneró, la forma de lanza, en una flama).

Dentro de este período, más conocido como Gótico, se expresó la grandeza de lo divino, fue la fuerte expresión de la concepción geocéntrica, pues la monumentabilidad quedaba casi exclusivamente para la veneración de lo divino. El significado es estilo bárbaro, se desarrolló principalmente en Francia. Fue un mueble arquitectónico, pero asimismo fue un estilo religioso; es decir que los muebles eclesiásticos fueron verdaderas catedrales.

Los respaldos se ornamentaban con figuras geométricas, conocidas como tracerías, decorados bajo relieve. Fue un mobiliario vertical, alto, de respaldos rectangulares cuyos doseles tocaban el cielo. El mobiliario trató de elevar al hombre a las mismas alturas del Dios que proclamaba.

De todos los Góticos, el Francés fue el más refinado y el Español el más rudo y vigoroso.

Como bien lo describe Giedion, el mobiliario medieval procedía de una concepción monacal de la vida, la postura fue desatendida (ya que sus vidas se basaban en la mortificación de la carne). La vida ascética (de perfección cristiana) de los monjes se vio manifestada en todo el mobiliario.

Ahora bien, tenemos dos interpretaciones sobre el mobiliario de este período:

5.1 – El mobiliario monacal: que con su ética estoica (su esfuerzo por alcanzar la virtud, dominando las pasiones de la carne, impasible e insensible a lo que no depende de él, sino de la providencia), impuso las sillas «cathedras»

También habían «banquetas», y «bancos largos». Y algunos «sitiales», como el de plata cincelada, que representaban autenticas catedrales en miniatura. Algunos como el «sillón cajón», que eran la combinación del «arca» (mueble más importante del medioevo, en la Baja Edad Media) más una silla. Otros «bancos arcones», poseían una cerradura en la parte inferior para guardar cosas personales en su interior.

Normalmente hallamos las famosas lanzas, que reemplazaban al arco de medio punto, talladas en los respaldos. Aquí, dado su importancia, encontramos el «banco con respaldo reversible» (que fue el que dio origen a los respaldos reversibles de los asientos ferroviarios).

5.2 – El mobiliario vernacular: pues la gente común, solía sentarse de modo improvisado e informal (en contra de la solemnidad eclesiástica). Sin asientos, se ubicaban en contacto unos con otros (muy distinto a la actualidad, en donde si tocamos al tercero, sentado a nuestro costado, a menos que sea conocido, nos disculpamos alejándonos). Así sentados sobre almohadones y sobre «arcas medievales» transcurría el acto de sentarse.

Aparecen las «sillas tijeras», originarias de Egipto.

Según Giedion, la silla común, tal cual la conocemos hoy, debemos entender de uso corriente (no-vernáculo), habría aparecido en 1490.

El pivote, fue ampliamente usado, tanto en las «sillas-X» (plegables), como «fascitoles», asientos «tipo curul» y otros. La otra gran introducción fue la bisagra, utilizada para producir un plegamiento (como los asientos misere del coro, clase privilegiada, para poder arrodillarse en la ejecución del santo oficio).

6 – Fase sosegada en la tierra [1450 hasta 1620/88]: Europa.

Se divide en tres sub-fases:

6.1 – Francisco I [1515 hasta 1547]: Artísticamente muy profusamente tallado, con ornamentaciones animales.

6.2 – Enrique II [1547 hasta 1559]: Fue un movimiento de reacción contra el Francisco I, contra el exceso de ornamentación, fue sintéticamente, más geométrico.

6.3 – Luis XIII [1559 hasta 1643]: El más propiamente espíritu sosegado, de transición a lo que se conoce como estilo Luis XIV (Barroco), la introducción más importante en cuanto al mobiliario estuvo en las columnas salomónicas (con fuste helicoidal). Las extremidades (en sus terminaciones que tocaban el piso), poseían la típica forma de bolo aplanado. Con chambranas, en clásica H. Si bien el uso de cariátides, no afectó a las sillas; sí las hojas de acanto, de laurel y de olivo.

Fue un mueble muy arquitectónico y se manifestó más fuertemente en Inglaterra, usualmente se lo conoce como Renacimiento Inglés. Fue un mueble cortesano, realizado principalmente en madera de roble.

Esta sub-fase presenta subdivisiones:

6.3.1 – Tudor [1485 hasta 1558]: También conocido como Elizabethano, fue un período de transición del espíritu de Solemnidad Ceremonial al Sosegado en la Tierra. Aquí, el denominado bulbo Tudor, es uno de los elementos más característicos (conocido también como bulbo de melón). Algunos modelos muy pesados (física y visualmente), similarmente a la ejecución del conocido Gótico, de forma: «sillón arcón». Algunos que perdían el cajón, conservaron las chambranas bajas al piso (casi tocándolo).

6.3.2 – Isabelino [1558 hasta 1603]: Esta época del reinado de Isabel la Grande, en algunos casos, poseían en el respaldo arcos de medio punto. De esta concepción del mueble se copiaría la Fase confusa [de 1830-1840], con un cierto aire Barroco en el caso del neo-Isabelino.

6.3.3 – Jacobino [1603 hasta 1649]: Es el espíritu sosegado propiamente dicho, los muebles son más pequeños que los del período anterior, se aligera la ornamentación (esto generó una mayor sobriedad). De aquí, nace el denominado estilo colonial norteamericano. La utilización de las clásicas hojas de acanto, palmetas, etc. Es un mueble de pura ebanistería, presenta cierta rudeza igualmente al verlo. Una de las características son sus chambranas bajas al piso. Respaldos tallados, siguiendo la tradición del período anterior. Aquí encontramos el «sillón con respaldo abatible», que puede transformarse en una mesa.

6.3.4 – Cromwelliano o Republicano [1648 hasta 1660]: Casi totalmente desprovisto de ornamentación, lo que lo hizo más austero y menos lujoso.

6.3.5 – Restauración [1660 hasta 1685]: Las bases de las patas son en voluta, con curvatura en S o doble C empalmadas, con chambranas en H (algunas llevan una chambrana frontón, ricamente tallada como el denominado estilo frailero Español, las patas traseras no son verticales, sino que se inclinan hacia atrás en la parte inferior). Una de las características a primera vista más importantes es el alto respaldo. Presentamos el ejemplo de la silla de la época de Jaime II (1685-1688).

6.3.6 – Jacobino Tardío [1685 hasta 1688]: Aquí el conocido bulbo Tudor o de melón, se fracciona un tercio arriba (dando un bulbo seccionado y alargado). Los travesaños de las patas, están colocados muy bajos (al igual que el Jacobino), las chambranas en forma de doble C o S. Los respaldos con la típica rejilla y un pequeño frontón superior, constituido por tallas; a ambos lados de la pala del respaldo están situados los barrotes torneados. Este estilo se daría en llamar Barroco (aunque todavía no llega ha serlo). Es un estilo de transición.

En España, el material por preferencia fue la madera de nogal. El sillón más importante fue el «frailero» (conocido en sudamérica como misión). De patas cuadradas casi nunca torneadas. El frailero, existió también entre los siglos XVI y XVII, en su típica forma curul (evolucionada del curul romano). Algunos fraileros, poseían chambranas bajas al piso (a lo Tudor o Isabelino).

Las patas posteriores están quebrados hacia atrás (en su parte superior), para mayor comodidad y las patas delanteras van unidas a una gran chambrana de un gran interés decorativo. El asiento y respaldo, suelen ser de cuero repujado o de un almohadillado de terciopelo, poco mullido. Entre 1500 y 1600, hallamos los «bancos de conventos» muy pesados y simples. Algunos fraileros del período 1600 hasta 1700, poseen respaldos y asiento de cuero. Algunos sitiales con dosel, al estilo Renacimiento de Francia del siglo XV. Existieron también «bancos arca», al igual que el período anterior. En la transición al Barroco, presentará gran cantidad de columnas salomónicas.

Entre 1600-1700, se reemplaza el nogal, por ebano (extraordinariamente duro) y a finales del denominado Renacimiento, por la caoba.

En Italia, también hubo versiones normalmente fueron copias de Francia. Tenían unas versiones de los «sillones tijeras», los denominados «escabeles» del siglo XVI, también «taburetes» en la primer mitad del siglo XVII a lo Isabelino-Jacobino, con chambranas bajas al piso. Otras versiones eran similares a los fraileros Españoles.

Había lo que se conocen como «sgabellos», que eran bancos silla taburete (los cuales introducen un salto formal, ya que las patas estaban constituidas por dos tablas laterales, de recortes perimetrales muy variados y con tallados diversos. También aparece la silla «pancheta» de tres patas, pionera en su clase, con un respaldo a lo sgabello. Los denominados «caqueteuse», de 1550 poseían una chambrana baja al piso, en forma de H y con una disposición de las patas traseras (más angosto de hombro que los delanteros), el respaldo era rectangular, alargado hacia arriba. Hubo los denominados «faldistorios plegables», que eran simil a los «curules». Y finalmente «bancos arca» denominados también «cassone». Dentro de sus variaciones, no existen grandes ventajas en sus concepciones que no produzcan otra cosa que una variación formal.

7 – Fase cortesana [1559 hasta 1793]: Europa.

Iniciado en el estilo Renacimiento de Luis XIII, fue como dijimos de transición al denominado Barroco de Luis XIV. Todos, los cuales, inclusive pasando por el Regencia, hasta el Rococó de Luis XV y el mismo estilo neoclásico de Luis XVI.

Las cinco sub-fases que presenta son:

7.1 – Luis XIII [1559 hasta 1643]: De estilo fuerte, morfológicamente cargado y pesado, de transición del Renacimiento-Barroco.

7.2 – Luis XIV [1643 hasta 1715]: Fue un estilo potente, suntuoso y masculino, propiamente Barroco. En épocas de las cortesías, las grandes ceremonias, y el esplendor de la corte. Del Rey Sol, que irradiaba esplendor, a partir de este concepto se generaron muebles muy suntuosos; generalmente más anchos que los de la corte de «Luis XIII» (con el objetivo de ser capaces de albergar los voluminosos trajes de la época). El Rey fue la encarnación del Poder en la tierra, adquiriendo la realeza el aspecto de Gracia Divina de lo Sobrenatural. La potencia, como criterio estético. Previamente se produjo el estilo Berain (mezcla extraordinaria de motivos fantásticos, vegetales y animales).

Con Luis XIV, la envergadura y suntuosidad de la vida cortesana, proporcionaban un generoso mecenazgo a artistas y maestros-artesanos, que culminó con la creación de manufacturas financiadas y controladas por la corona; la más famosa fue la de Los Gobelinos, fundada en 1667, donde trabajaban ebanistas y orfebres. Charles le Brun, el principal ebanista de la corte de Luis XIV, director de la manufactura de Los Gobelinos (trabajó con un equipo de artistas, decoradores y grabadores). Al Caer el sistema absolutista, bajo el impacto de la Revolución Francesa (1789-1799), las antiguas manufacturas reales que sobrevivieron, hubieron de adaptarse a la competencia comercial (al tiempo que sus diseñadores dejaban de ser funcionarios de la corte, para convertirse en empleados independientes).

El mobiliario «Luis XIV», presentó un predominio de la curva S o doble C, con patas cabriolé sujetas por chambranas en H y X-serpenteada, terminadas en forma de garra de león, con un pequeño simil estípite y hojas talladas en la rodilla. Los apoya brazos en voluta, profusamente tallados, con las ya conocidas hojas de acanto y de olivo. Los respaldos suelen terminar en su parte superior en un frontón tallado. Algunos modelos acolchados, ya no presentan chambranas (anticipando al «Luis XV»), con un frente de asiento decorativo. Otros modelos tapizados, eran de respaldos rectos.

Fue un estilo pesado, de género curvo-masculino (a diferencia del «Luis XV» que era de género curvo-femenino y del «Luis XVI» que era de género recto-femenino). Como vemos existen diferencias sustanciales, mientras el «Luis XIII», era del género recto-masculino. Por eso decimos que el «Luis XIV», fue morfológicamente pesado, curvo-masculino.

En este período se introduce el «sofá» que no analizamos porque representa más un mueble para semi-sentarse, semi-recostarse que exclusivamente para sentarse. Al igual, el «canapé», son una clase de sofá que poseen en el respaldo indicado el número de plazas. La conocida «chaise-longue» (o silla-larga), era la suma de una bergere + butaca (del tipo evolucionado a partir del «escabel»). La «marquise» (marquesa), que era la «duchesse» (duquesa) de 1760, en 1800 se transformará en la «psyche» (o sofá canguro norteamericano); origen de la futura «chaise-longue basculante» de Le Corbusier-Perriand. Solo nos interesa en este caso la evolución de la chaise-longue (es una silla + butaca para los pies), que conserva más las características de la silla.

7.3 – Regencia [1715-1723]: Fue un estilo pesado, de transición al «Luis XV», de transición del Barroco-Rococó.

7.4 – Luis XV [1723 hasta 1774]: Fue un estilo refinado y elegante, propiamente fue Rococó. La evolución de la Rocaille o Rocalla, con gran variedad de doble C o S, fue la típica forma vegetal (de una rama de árbol). La ornamentación escondía las uniones. La pata cabriolé, estirada en forma de S estilizada es el elemento más característico de este estilo, representa el dinamismo y movimiento. Por eso decimos que el «Luis XV», fue morfológicamente liviano, curvo-femenino. Aquí desaparecerá la chambrana, por necesidad estética, como característica principal. Todo es igual que el «Luis XIV», pero asimismo, todo es más delicado y fino; convirtiéndolo en uno de los logros más rotundos de este período. En los respaldos es frecuente la concavidad, para hacerlos más cómodos.

Hubo una multiplicación de «sofás», cuyas variedades son originarias de las «bergeres», «duchesses» (reservadas únicamente a la nobleza) y «canapés»; todos con pequeñas patas cabriolé.

7.5 – Luis XVI [1774 hasta 1793]: Fue un estilo aristocrático y rescatado. Asimismo el «Luis XVI», fue morfológicamente liviano, recto y femenino. Perteneciente al reinado de Luis XVI y María Antonieta. Las formas austeras y simétricas, con predominio de la línea recta; equilibrio y proporción (poseían ensambles complicados, que se ocultaban con el decorado). Las acanaladuras en las patas rectas, con las ya mencionadas hojas de acanto y de laurel, manejadas con gusto y sobriedad refinada, le daban al fuste cónico, con terminación en estípite. Mucha gracia y elegancia.

Este estilo, realizado en caoba y nogal preferentemente, con incrustaciones y marquetería. Los respaldos en forma variada (rectangular-oval), con brazos cortos, algunos respaldos de madera calada (en forma de celosías), explayaban dibujos originales; como en el caso de las sillas de «María Antonieta» (con su monograma). Las de respaldo de lira, llamadas «voyeuse», calada a lo «Fontainebleau», o la denominada de «ballon» (con un globo aerostático, elevado por los hermanos Montgolfier en 1783). Todas eran livianas en comparación a las tapizadas.

8 – 1º Etapa de la Fase burguesa ilustrada decimonónica [1688 hasta 1779]: Inglaterra.

El espíritu que circulaba por la Inglaterra, de aquel período, era la del caballero que no necesitaba de título. En el siglo XVIII, el Movimiento Ilustrado, estaba dispuesto a disipar las tinieblas de la humanidad -acto mediante- las luces de la razón. Esta hija doctrinal del Renacimiento del racionalismo y del empirismo decimonónico, que halló en la enciclopedia su cuerpo ideológico y rompiendo con el sistema metafísico como forma de conocimiento. Siempre recurriendo a los métodos analíticos e inductivos, era optimista.

Cuatro sub-fases lo conforman:

8.1 – Guillermo y María [1688 hasta 1702]: En este período, la morfología básica de este mobiliario, sería introducida luego por los colonizadores ingleses en América, dando lugar a la aparición del mueble colonial americano primitivo.

Morfológicamente las sillas, está conformadas por patas en forma de balaustre (columna), el uso de la copa invertida en las terminaciones. Las uniones entre las patas, se dan con chambranas en X-curvada. Los respaldos de rejilla (no tan altos como los del Restauración del Renacimiento Inglés), de donde venía esta tradición, de los respaldo en rejilla.

8.2 – Reina Ana [1702 hasta 1715]: Fue un estilo de la clase media, de gustos sencillo, donde las sillas poseían el típico respaldo de pala en forma de violín, siendo esta su característica más sobresaliente. Las patas delanteras, en forma cabriolé y con un motivo tallado en la rodilla (una concha simil hoja de acanto), terminaban con la pata con una garra de águila (el cual estaba agarrando una bola aplanada). Otras patas, solo eran una estilización de la cabriolé, lo mejor de los casos con una terminación en voluta (confundiéndose con una garra de león). Con barrotes tipo chambranas, en algunos casos. Las chambrana más característica fue la de H. Las patas traseras, eran generalmente lisas.

8.3 – Georgiano [1715 hasta 1810]: Fue un estilo, más complicado que el Reina Ana, influenciado por el Luis XIV. Este estilo, históricamente, fue paralelo al estilo Regencia de Francia.

8.4 – Chippendale [1705 hasta 1779]: No hacen falta más presentaciones de la indiscutible internacionalidad, que alcanzó este estilo. Fue el más genuinamente inglés, el más burgués, ilustrado y decimonónico (que respondía a este espíritu).

En cuanto a los materiales utilizados, la caoba, fue por excelencia el elegido. Los «sillones Chippendale», muy variados, en algunos casos conservaban la tradición de la pata delantera cabriolé a lo Reina Ana, con patas traseras distintas a las delanteras; con pala de respaldo calado en celosías a lo Voyeuse-Fontainebleau (tipo francesas de María Antonieta) y terminación superior en frontón con tracerías a lo Renacimiento del Jacobino-Tardío. Otros modelos con una notable inspiración China en el respaldo calado en celosías y asiento tapizado (sujetados con una hilera de tachuelas con cabeza decorada). Tanto en su impresionante versión Rococó, tan sobrecargado y asimismo tan equilibrado (quizás uno de los mejores exponentes, en su clase). En la que hallamos las versiones con o sin chambranas en H, de patas rectas (debido al período de predominio de la línea recta) y aldabas-palas sumamente simétricas rescatadas, equilibradas, graciosas y sobrias; un juego de gran elaboración. Se realizaron taburetes, escabeles y otros.

9 – 2º Etapa de la Fase burguesa ilustrada decimonónica (1º estadio neoclásico) [1728 hasta 1806]: Inglaterra. Fase contemporánea a la Revolución Industrial.

Las sub-fases son:

9.1 – Adam [1728 hasta 1792]: Se manifestó la geometría como era de esperarse, proporcionadamente y delicadamente. Domina la línea recta en la estructura. En los respaldos de forma rectangular, como los de forma oval o de escudos, con las conocidas rejillas; se diferenciaban las que estaban tapizadas y las que no lo estaban. Los respaldos de forma oval, solían presentar acroteras terminadas con un decorado muy sobrio y mínimo bordeando la patera central superior, que caía sobre el hombro del respaldo. Las patas eran cónicas y las delanteras eran distintas a las traseras. Básicamente un mueble equilibrado y prudente, en la utilización del decorado.

9.2 – Hepplewhite [ — hasta 1786]: Este estilo tiene una característica notable pues, su autor trazaba las líneas a sentimiento (no racionalizaba completamente el proceso, sino que se dejaba llevar orgánicamente, lo cual no implicaba no ser controlado). Aunque, no por ello, sus diseños eran carentes de geometría, muy por el contrario eran geométricos.

En cuanto a la morfología, podemos decir que las patas existían en dos formas, las rectas y cabriolé (estilizadas); en los casos de rectas eran de fuste cónico, terminadas en estípite. Las patas traseras, eran distintas a las delanteras y estaban siempre curvadas hacia afuera, en los extremos inferiores. Había chambranas en H, como sillones sin travesaños. Se ornamentaban solamente los respaldos, que los había de forma oval de corazón (los más importantes, entre otras formas de escudos) con calados de vegetales, formando unas especies de soles radiales. Algunos respaldos solían tener jorobas a lo Hepplewhite. Entre las celosías más reconocidas están las llamadas Principe de Gales (porque en el respaldo, aparecen las tres simbólicas plumas de avestruz), o las denominadas de espigas de Trigo (ya que aparecían espigas, en lugar de plumas).

9.3 – Sheraton [1750 hasta 1806]: Idem Hepplewhite, pero con respaldos rectangulares y con dos tipos de respaldos acolchados y sin los mismos.

10 – Fase de conquista (2º estadio neoclásico) [1793 hasta 1815]: Francia.

Tuvo dos sub-fases, el previo al estilo Imperio, denominado Directorio y el propiamente llamado Imperio:

10.1 – Directorio [1793 hasta 1799]: Este fue un estilo de transición al Imperio, pertenece a lo que hemos decidido llamar como 2º estadio neoclásico. Morfológicamente, los asientos, se realizaban en madera tallada con motivos egipcios, las patas cónicas y de bronce, conocidos como a la antigua; las patas delanteras, solían ser distintas de las traseras. Los respaldos en forma de voluta (idea iniciada en el Luis XVI), eran generalmente anchos, otros de forma cóncava se denominaban de góndola. Con una mezcla de palas-aldabas, que nos hacen pensar en Inglaterra del Siglo XVIII, por su cierto control prudente de los elementos decorativos. Básicamente los muebles, no son tan finos como el Luis XVI, ni tan pesados, como el Imperio.

10.2 – Imperio [1799 hasta 1815]: El 10 de noviembre de 1799, Napoleón derroca al Directorio mediante un golpe de Estado y empieza a correr una nueva historia. Esta es el 3º estadio neoclásico, un estilo, que fue producto de las victorias militares, el que se considera masculino (semi-austero, semi-decorado), se copia del arte Romano y Egipcio. Presentaba columnas dóricas y corintias, con capiteles y bases de bronce, las patas traseras se curvan hacia afuera. Las ya conocidas hojas de acanto, se repiten junto con helechos, palmetas, águilas imperiales romanas, cisnes, temas decorativos ovales, etc. Se utilizaron coronas de laureles, como en los templos griegos, pero se devaluó los símbolos al utilizarlos en exceso. El laurel, será la marca de fábrica del estilo Imperio (con su elemento más destacado, la N inicial orlada en una guirnalda de laurel, posiblemente lo más destacadamente prudente, en su utilización).

Las «sillas romanas en forma de X», se utilizaron mucho, con los representativos sables de Napoleón, así como los taburetes-tambores militares. Básicamente, los brazos de los sillones, están soportados por las figuras de animales fabulosos, que fue un tema recurrente. Las maderas, más utilizadas fueron caoba, ébano y árboles frutales.

11 – Fase conservadora, confusa y ecléctica [1820-1900]: Europa.

Esta fase también conocido como segundo Imperio, buscó un estilo representativo y lo único que generó fue una gran profusión ecléctica. La madera estaba muy curvada, excesivamente tallada y ornamentada y de malas proporciones. Al extraviar su camino, buscó desesperadamente una salida y lo halló en un montón de estilos como: Troubadour, Restauración, Victoriano, Prerrafaelismo, Trafalgar, Isabelino, Luis XVIII, Carlos X, NeoLuises XIV, XV y XVI, etc.

El hombre de este período constataría en Inglaterra, la irrupción de lo mecánico sobre lo orgánico, dado que había completado la Revolución Industrial y el nuevo mundo estaba en marcha.

12 – Fase racional e imaginativa [1830 hasta –]: Viena.

Las factorias de Thonet (que se establecieron en Viena, en donde patentó sus experimentos iniciados en 1830). En 1853 puso su empresa, curvando la madera de haya bajo presión de vapor y atornillando las partes luego en el proceso de montaje. Elimina los problemas relacionados a la necesidad de efectuar ensambles y perforaciones, como en la silla «Windsor» de EEUU (que en 1800 se adaptó a la producción masiva, se componía de piezas separadas, la mayoría de las cuales resultaban fáciles de fabricar con sencillos tornos y la simplicidad de la forma no complicaba su producción, las dificultades surgían en el momento de ensamblar las partes, dado que la perforación de los orificios y el ensamble era una labor altamente especializada); esta simplicidad del montaje permitió fabricar sillas en grandes cantidades a bajo precio.

Si bien la silla «Thonet» un icono del Diseño Industrial fue racional no fue racionalista, dado que muchos de sus modelos son decorativos, aplicaba un uso racional de la decoración con perfecto equilibrio entre decoración y función.

13 – Fase austera funcionalista [1895 hasta 1920]: EEUU.

A partir de aquí una serie de sub-fases divergentes (motivados por fines disímiles), convergerán en crear las condiciones socio-culturales adecuadas al establecimiento de una tendencia general de la época hacia el productivismo, la limpieza formal, la funcionalidad de los productos, la producción en serie por medios mecánicos; específicamente en el diseño de mobiliario lo podemos identificar por las siguientes sub-fases que denominaremos:

13.1 – Estadio inventivo burgués [1850 hasta 1940]: El mobiliario patentado, procedente de inventores anónimos, posee una larga cola de modelos. Ya en 1826, hubo una patente británica, para evitar mareos en el mar. Entre 1850 y 1893 EE.UU. tendrá una gran profusión de patentes, entre 1850 y 1940 una serie de sillas de «máquinas de coser» (basada en principios científicos para evitar muchas dolencias de la postura), sillas para máquinas de escribir, quirúrgicas, dentales, de barberos y dental-hidráulica. Adaptables a la fisiología, todas ellas iban a la par de los «asientos reclinables de los ferrocariles» (el «pullman» es el sobreviviente de aquella larga historia). El vagón de ferrocarril en Europa, estaba construido bajo el principio de que las masas merecían escasa consideración (más del 80% de los viajeros se sentaban apiñadamente en toscos bancos de madera), tan solo los estratos más altos de la sociedad podían asegurarse un cierto nivel de confort.

En EEUU desde 1830/1860 había una sola clase de viajero (excepto los negros y más tarde los inmigrantes), lo que revelaba el reflejo de la corriente democrática de la época. En 1888, el «sillón de barbero» se aplica a los vagones del coche salón destinado a los pasajeros más acomodados. La silla «Wilson» de 1871, su movilidad estaba tomada de la silla de inválido, conseguía su confort con una construcción sencilla.

13.2 – Estadio ascético del rigor protestante [1850 hasta 1935]: La comunidad religiosa de franceses e ingleses (Shakers), que se asentaron en EE.UU. a partir de 1775, con medios reducidos de producción. Produjeron muebles sencillos y funcionales (basados en los principios éticos y espirituales de los primitivos cristianos en donde todo pertenecía a la comunidad), imponían a sus muebles las mismas exigencias que regían su vida religiosa con gran calidad y austeridad. Mejoraban los muebles con el objetivo de aumentar su utilidad y perdurabilidad, llegando a crear tipos estandard.

13.3 – Estadio estético-mecanicista [1895 hasta 1920]: El sistema americano estaba provocando grandes cambios. Frank lloyd Wright (discípulo del Arquitecto L. Sullivan), aceptaba la decoración orgánicamente con la función. En 1895 Wright estaba interesado en el Arts & Crafts y la artesanía manual, así Wright se da cuenta que las líneas rectas podían lograrse mejor con las máquinas que manualmente. En 1901, en una conferencia de Chicago: "El arte y oficio de la máquina", se muestra decidido al uso de la máquina (anticipando los dogmas del Movimiento Moderno de 1920).

14 – Fase romántica [1850 hasta 1900]: Inglaterra.

Existieron dos sub-fases:

14.1 – 1 º estadio de la fase romántica [1850 hasta 1900]: En la Inglaterra victoriana que varió entre el 1837 hasta 1900, irrumpió el Arts & Crafts a partir de 1850, de la mano del escritor J. Ruskin, que al culpar a la división del trabajo como la causante de separar al trabajador de su trabajo proclamó un retorno a las comunidades artesanales de la Edad Media. El Gothic-revival (neogótico), y su entusiasmo romántico por el trabajo artesanal fue el símbolo que chocó contra el Palacio de Cristal, edificado por aquella época en un tiempo extremadamente corto; que por otro lado tanto detestó Ruskin.

William Morris, había estudiado pintura con los prerafaelistas (The Pre-Raphaelite Brotherhood), sociedad anticapitalista que adoptó el neogótico en el período de 1848 hasta 1854. Eran artesanos que lograban la técnica practicando y no estudiando, esta es la idea central que influye en Morris y madura influido por las ideas de Ruskin; el cual incorpora el compromiso socialista e intenta unir arte y trabajo (aquí el trabajo está asociado a la artesanía). Pero su artesanía sería elitista, paradójicamente, al fundar en 1861 la Morris Marshall & Faulkner Co. (sintéticamente conocida como: Morris & Co.). Donde producía objetos que serían costosos, por la elevada mano de obra artesanal que insumía su trabajo, generando así objetos solamente para la clase pudiente que pudiera comprarlos.

Su anticapitalismo se manifestó a causa de la fealdad de los productos (de calidad inferior), que se había evidenciado en la exposición de 1851 del Palacio de Cristal. Contra esta confusión de la Primera revolución Industrial, reaccionó el Movimiento de Artes y Oficios; con un trabajo de calidad unificado en el artesano y los antiguos sistemas de aprendizaje góticos.

14.2 – 2º estadio de la fase romántica [1882 hasta 1890]: La denominada Comunidad del Siglo fue la segunda fase del Arts & Crafts y eslabón con el Art Nouveau. Entre 1882 y 1888 se fundaron cinco asociaciones artesanales que omitiremos nombrar. Entre los ejemplos citamos a la silla «Mackmurdo» cuyo lenguaje asimétrico-naturalista, se opone al lenguaje simétrico-naturalista de la «silla de Morris».

15 – Fase racional, lucrativa-burguesa, de aceptación de la máquina y de la cultura estética elitista [1890 hasta 1914]: Europa.

A partir del siglo XX, piezas únicas dentro de paradigmas distintos (donde cada paradigma pertenecerá a un diseñador distinto), serán la clave del nuevo siglo del diseño que se iniciaría con el afamado Art Nouveau. Donde muchas sillas son interesantes más por los criterios intelectuales, que por lo cómodas que eran (tal como sucedería luego con el Movimiento Moderno y la Posmodernidad en diseño). El Modernismo representó la ruptura con el historicismo dado (rechazo de los estilos del pasado). Fue elitista, su estilo ornamental forma parte de la función (no está añadida la ornamentación), sino fusionada a la estructura. Este estilo cosmopolita, urbano, burgués, a diferencia del Arts & Crafts: acepta a la máquina y es básicamente asimétrico (aunque presenta excepciones a la regla). Las distintas sub-fases que presentó este período son:

15.1 – Art Nouveau [1890 hasta 1914]: Fue un denominado estilo, que prevaleció hasta entrada la I Guerra Mundial en Francia y Bélgica, representó la vertiente más naturalista. Su leit-motiv fue la organicidad asimétrica, intentó expresar lo nuevo, en un lenguaje de lo viejo. No agregó una decoración superficial (sino que esta decoración estaba fusionada en la estructura misma de las producciones). Las tan afamadas flores decorativas, fueron tomadas de La Comunidad del Siglo. Con artistas, decoradores, diseñadores como: Gaillard y Henry Van de Velde, cuyo lenguaje simétrico-naturalista (fluido) fue similar a la versión española del Modernismo.

15.2 – Modernismo [1890 hasta 1905]: Versión española del Art Nouveau.

15.3 – Glasgow Style [ — hasta — ]: Este denominado estilo conocido como Los cuatro Mac"s de Escocia. Fue de un lenguaje simétrico-funcional, esto quiere decir que desarrolló una composición más geométrica; asimismo representó la fase de transición a un Art Nouveau rectilíneo (de una fluidez simétrica, con curvas geométricas tal cual las rejillas ovales de Mackintosh lo demuestran).

15.4 – Jugendstil [1895 hasta 1910]: Típico de Alemania, fue un estilo de transición al funcionalismo. Representó el ideal burgués de una cultura refinada, y del neve schlichkeit (nueva objetividad). Fue un arte para mecenas privados y artistas (el artist-designer, es su modelo típico), este privilegio de la aristocracia y nobleza, estilo refinado de una elite, que se legitima económicamente encontró diseñadores de la talla de Peter Behrens y Riemerschmid. Ya el Deutsche Werkstätte (Talleres Artesanales) habían tenido origen en Alemania, pero con el Deutsche Werkbund (Asociación Artesanal Alemana) de 1907 hasta 1932 que vino a representar el Racionalismo en la Forma (en contra del Racionalismo en los Procesos Norteamericano); no significaba la falta de los adornos, sino su uso racional. El Werkbund, quería forjar una unidad artista-artesano-industria, para elevar las cualidades funcionales y estéticas de la producción en masa (algo así como las mejores fuerzas del arte y la industria con la calidad del trabajo artesanal). La simplicidad y exactitud como demanda funcional de la eficiencia de la industria vino a conformarse así en esta institución supraestructural, una opinión leader o directora de la opinión pública (agrupando principios tradicionales (artesanales) y de vanguardia (arte) y una conciencia elitista y mesiánica. El diseño Alemán no conquistó el mercado mundial, pero se comprometió teóricamente. Conformaron la ideología del Werkbund: el espíritu lucrativo-burgués, más la estética-mesiánica y las aspiraciones culturales; alrededor de 1914, adquirirá un carácter internacional al unirse arte y técnica (época del afamado debate entre Henry Van de Velde y Muthesius). El Werkbund se materializó en el Estilo Internacional, el cual estaba alrededor de 1914 logrado.

15.5 – Sezessionsstil [ — hasta — ]: El separatismo vienes, típico de Viena y Austria (fue el vínculo del Art Nouveau con el Racionalismo), poniendo énfasis en la construcción matemática -con una geometría bidimensional que anticipa al cubismo; tan bien interpretado en Josef Hoffman («ángulo recto» Hoffman), quién fundó en 1903 el Wiener Werkstätte (Talleres de Viena) continuación espiritual del trabajo de Morris. El Sezessionsstil, demandó una simplicidad funcional sin decoración (fue más geométrico que el Jugendstil).

16 – Fase normativa, instrumental, vindicativa, puritana, universalista, a histórico, cientista, mesiánica, estoica, ascético, secular, newtoniana, cartesiana, socrática, platónica, clásica [1914/1920 hasta — ]:

Sabemos que la Modernidad fue un proyecto filosófico, ideológico y político global que no se había alcanzado hasta el siglo XVIII. Con el Iluminismo, nace el ideario común de arribar a la felicidad y libertad humana a partir del proyecto (basado en el dominio de la naturaleza a través de la razón. Esta razón centrada en el sujeto que se pretende centro del mundo). La creación se valdrá de la racionalidad aplicada a la ciencia y técnica, para concretar su proyecto de dominio. La historia cuyo movimiento sería entendido siempre como evolución hacia estadios mejores y superiores; la universalidad de la razón por sobre las singularidades culturales de los pueblos (por medio de la producción industrial) cambió radicalmente la epistemología productiva. Recordemos que el Movimiento Moderno, como manifestación de la Modernidad (filosófica, ideológica y política), explotó con la Revolución Industrial que como medio físico (tecnológico) que posibilitó la materialización desde esta forma de pensar el mundo y la vida; cuyo intenso espíritu del puritanismo había penetrado y daba a la sociedad inglesa de la clase media la fuerza moral para llevar a cabo el vasto trabajo material de la Revolución Industrial.

El recorte efectuado por la Modernidad a lo romántico, místico-religioso, expresionista vino a conformar el recorte efectuado al espíritu Movimiento Romántico de 1800 de Alemania, Francia e Inglaterra.

El Movimiento Moderno o Estilo Internacional, con su estética-mecanicista (que nos hace pensar en Frank Lloyd Wright y su espírtu austero-funcionalista) fue el desarrollo de un discurso de dominación-normativa (razón-instrumental), con una justificación-discursiva (que se legitimó culturalmente en una estética de las vanguardias y en un discurso técnico basado en el racionalismo científico), su método analítico-cartesiano (división en partes) y su justificación morfológica ascética (formas puras desprovistas de ornamento), su ética puritana (moral protestante de lo correcto, asociado al trabajo y nunca al ocio, que generó una estética de la limpieza formal, producto de una moral de la pureza del cuerpo). En la austeridad de las formas poseía la siguiente ideología implícita:

– Socrática (hiper-funcionalistas, donde belleza = utilidad).

– Platónica (morfología basada en un ideal de la forma geométrica).

– Newtoniana (mecánica).

– Cartesiana (racionalista).

– Universalista (anti-regionalista).

– Anti-histórica (negadoras del pasado).

– Tecnológicamente científica (fisico-matemáticas).

– Mesiánica (salvadora del proyecto de la humanidad).

– Democrática (para toda la sociedad).

Podemos jugar con la idea del Purismo, aportada por Le Corbusier, diciendo: "…la silla, como máquina para sentarse…".

Podemos decir que el espíritu de las vanguardias (purismo entre otras como el cubismo, futurismo, dadaísmo, suprematismo y constructivismo) teñidas de cierto socialismo-democrático (como el Constructivismo y el Dadaísmo que era anti-burgués), implica un ir en contra del orden social impuesto por la realidad desde afuera; ahora con las vanguardias existía un acrecentamiento del caos propio (impuesto desde adentro, desde la mente y su estructura de pensamiento abstracto); asimismo con bases objetivas (científicas) y con una tradición filosófica idealista que arraigó en una realidad más allá del mundo exterior.

Al reordenar la representación con el criterio de la máquina, debido a la pasión por la era de las máquinas presente en aquellas épocas; con sus intenciones de destruir el culto al pasado (es decir: rechazando toda tradición). Esta estética mecánica generada así, totalmente carente de ornamentos, austera y con acentuación del valor de uso, se convertiría en un estilo funcional (de construcciones abstractas que ordenó la estética bajo criterios matemáticos y depuró las formas en una abstracción geométrica total. Así la estética mecanicista (término acuñado por Theo Van Doesburg) celebraba el control racional del proceso creativo en un estilo de formas básicas y colores puros, que la conocida Bauhaus, utilizaría. Que no fue esto sino la manifestación del culto a la razón abstracta, y al orden matemático del universo de las producciones materiales (los objetos).

17 – Fase técnica-formal-expresionista Bauhaus [ 1919 hasta 1928]:

Correspondió esta fase a la Era Gropius, como director de la Bauhaus en Weimar, desde: 1919 hasta 1924 y como 1º Director de la Bauhaus en Dessau desde: 1925 hasta 1928.

En este período técnico-formal-expresionista, se produjo la famosa silla Rietveld «Red and Blue» (donde se atendió más la función estética). Debemos considerar que G. Rietveld, aplicó la teoría artístico-productiva (síntesis estética, se acerca a la máquina, en su sentido estético más que práctico) a sus diseños y en 1918, inspirado en la estética De Stijl, produce el «sillón roji-azul» (inspirado en las pinturas de Mondrian, donde las líneas ortogonales se entrecruzaban, valga la redundancia como una cruz). Si bien la sencillez estructural acercaba la posibilidad de una producción en serie, la roji-azul permaneció como un objeto exclusivo (casi de culto); no se fabricó en serie. Así la estética-purista del movimiento Neoplástico, por su reducción a colores y formas puras geométricas, fue un manifiesto ideológico.

Esta silla, está expresando los diversos planos que componen un objeto para sentarse, para hacerlo más claro visualmente entonces, exageró todos los puntos de intersección y pintó los planos en colores contrastantes (donde colocado sobre una pared negra desaparecían las patas y literalmente flotaba). Las uniones que se entrecruzan, iban atornilladas y los planos de madera contrachapada, al igual que el conglomerado, son materiales constantes y homogéneos, normalizados; muy distinto de la madera al natural, con fluctuaciones de espesores, nudos, etc.

Así el mueble al ser sometido a una disección de sus elementos, adquiere la categoría de escultura abstracta, por lo que es más una obra de arte que un objeto diseñado (un cuadro de Mondrian en tres dimensiones).

18 – Fase técnico-productivista Bauhaus [928 hasta 1930]:

Correspondió esta fase a la Era Meyer (que era de ideología socialista, lo que nos sirve para entender su materialismo-productivo), como director de la Bauhaus en Dessau, desde: 1928 hasta 1930. Fue una etapa realista vinculada a las empresas industriales; seguido por la fase de la Era Van der Rohe (que fue más espiritualista que Meyer, por lo que consideramos su espíritu de técnico-artístico), el que continuó como director de la Bauhaus de Dessau, desde 1930 hasta 1932 (en que fue cerrado por los nazis, al considerarlos bolcheviques culturales).

Dentro de este período denominado como técnico-productivista se produjo la silla de M. Breuer: «Wassily» (donde se atendió más la función práctica). El tubo de acero, en la fabricación de estas sillas, tiene una historia que históricamente podemos sintetizar como:

A – Gaudillot: en 1844, Francia, introduce la silla de tubos de gas y agua con el metal pintado con la forma de imitación de madera y vetas.

B – Mart – Stam: en 1926, introduce el nuevo paradigma (por lo que se lo considera el padre intelectual de este concepto «cantilever», 1º silla volada, sobre dos patas, que al llegar al suelo se une en un sin fin. Muy segura, estaba realizada con tubos de gas (copia de la Gaudillot), pero sin pintar (aclaremos que los tubos, para ser doblados eran reforzados adentro con arena).

C – Marcel Breuer: en 1925-1926, realiza la silla que mezcla la elasticidad de la silla de Mies Van der Rohe, más el concepto en voladizo de Mart Stam (dandole una misma respuesta al asiento y el respaldo). La silla «Wassily», para el pintor Kandinsky, con tirantes de cuero, cromada, símbolo de la técnica misma (parece haber estado inspirado en el manillar de una bicicleta, idea esta bastante difundida por diversos autores y confirmada por Giedion). Pesa poco, utiliza materiales hechos a máquina y no contiene adornos; su estructura de tubo de metal doblado y cromado (donde se tensa un cuero desnudo que forma el asiento, el respaldo y los brazos). Su belleza radica en no estar hecha a mano, cuando se proyectó no parecía a ninguna silla que jamás hubiera visto nadie. Es un asiento en el que no se puede estar cómodamente más de treinta minutos.

19 – Fase infraestructural-deficitario-soviética Vkhutemas [ 1920 hasta 1924]:

Fue paralelo a la Bauhaus, se formó bajo el Constructivismo y el Productivismo. Estos Talleres Estatales de Enseñanza Superior del Arte y de la Técnica, se oponían a la enseñanza del arte de caballete, trabajando con la estandarización e intercambiabilidad. Tanto Vkhutemas como Bauhaus, planteaban la fusión del arte con la artesanía; pero el problema más importante de la manifestación de este espíritu en la ex-URSS fue la falta de industria. Fue cerrado por Stalin.

20 – Fase de calidad-competitiva ULM [1955 hasta 1968]:

No poseemos ejemplos de mobiliario pero lo citamos debido a su importancia histórica. La denominada ULM (Hochschule Für Gestaltung) o HFG-ULM, institución sucesora de la Bauhaus, fue de una contradicción radical respecto al Styling (en cuanto a forma).

Originariamente la Escuela Superior de Diseño, fue considerada por Max Bill, como una continuación de la Bauhaus, pero no lo fue. Es conocida por su búsqueda de decisiones científicas. Luego, T. Maldonado, Argentino influenciará en los planes de estudio de todo el mundo. Este estilo Braun, o de la Gute-Forme, fue la versión Alemana del Styling, en cuanto al capitalismo, pero no en cuanto a forma (podemos decir que en tanto el Styling fue la versión del capitalismo-popular, la Gute Forme fue la versión del capitalismo-elitista). En cuanto a forma, se oponía al Styling-Americano; fue entonces la Gute-Forme, la versión del Good-Design-Americano (que había nacido a causa de la exposición de la Bauhaus estética de la máquina, en el museo de Arte Moderno de Nueva York).

El valor-de-cambio, como mercancía, era más importante que el valor-de-uso; fue la expresión de la calidad de un producto, del material y su funcionalidad con gran acabado o terminación de los productos. Se alude al elevado valor-de-uso, y de su capacidad competitiva en el mercado a nivel económico (valor-de-cambio); que no fue otra cosa que la legitimación del poder económico (por lo que calidad y competitividad, sostenidas por la propaganda, por el valor cultural de la Gute Forme; fue un lema usado para sus fines lucrativos, lo que se transformó en un pretexto elitista y no social, generando una especie de mérito en el consumo). La estética y la cultura, fueron los instrumentos encubridores, legitimadores de esta práctica de la producción que escondía una ideología elitista del más exquisito Ulmer Stil.

21 – Fase funcional-popular-decorativa Art Deco [1918 hasta 1939]:

Fue geométrico, popular de la década del "20, donde se mezclaron el De Stijl, el Constructivismo, el Cubismo, el Suprematismo, inspirados con la cultura egipcia (puesta de moda por el descubrimiento de la tumba de Tutankamon), todo lo cual sumado a los elementos geométricos de las culturas mesoamericanas: Mayas, Aztecas, Incaicas y la Corriente Funcionalista que sacudía al Movimiento Internacional. Muchos autores suelen identificar este período con lo que denominan Art-Deco; un período que: "expresó el deseo de interpretar la era Moderna de las máquinas con la decoración" (lo que a mi entender fue el primer diseño que nos aproxima a una Posmodernidad en su exotismo por el pasado). Las líneas rectas se materializaron en el Zig-Zag de los motivos indígenas, de las pirámides aztecas, etc. Todo cuya geometría, encastraba como un rompecabezas con la geometría del funcionalismo del Movimiento Internacional que corría por aquellas épocas y del espíritu de lugares exóticos, del lejano Arden Indio y de otras culturas (así serpientes se conjugan en un mundo onírico de decoración exuberante donde existe un lugar para el romanticismo añorado de otras culturas tradicionales, del pasado).

22 – Fase del usar y tirar de la satisfacción de las necesidades a corto plazo y del placer hedonista Pop [1960 hasta 1970]:

Se comenzó a gestar a partir de 1950 aproximadamente, paralelamente al desarrollo de los materiales transformables como el poliuretano y sus distintas densidades. Todo lo que Ezio Manzini llama: "…el confort de lo mórbido…(mullido)". Por ejemplo la «poltrona hinchable» de 1967 llamada «Blow», el sillón amorfo de 1968 llamado «Saco» y la silla antropomórfica de 1969 que nacía al abrirse el pack llamada «Up».

En los "50, el Pop, en EEUU y Gran Bretaña, desafiará el canon intelectual de vanguardia y cobrará importancia las bajas restricciones teóricas y formales. El funcionalismo no tenía que decir en la cultura Pop de masas.

23 – Fase efímero y del show ecléctico de materiales, formas y colores como fuente de placer estético Posmoderno [1965 hasta la actualidad]:

Significó fundamentalmente la crisis de la racionalidad cartesiana, del agotamiento del discurso decimonónico, de las teorías totalizadoras y unificadoras de intereses (conocidos como metarelatos legitimadores); donde el escepticismo triunfó frente al logocentrismo. Se denuncia las contradicciones de la episteme-moderna (conocimiento y criterio de verdad), rechazando la lógica cartesiana y los abusos que se cometieron en nombre de la verdad y la razón. La objetividad fue reemplazada por la incredulidad.

Los post-estructuralistas franceses, autores como Foucault y Lyotard, y otros hablan de este tema tan contradictorio que signfica la Posmodernidad. Es Lyotard, crítico de la razón ilustrada, el que habla de la contradicción como fuente innovadora del pluralismo, lo transitorio y lo inconmensurable. Así prevalecerán las visiones del mundo de muchas culturas, las interpretaciones sin coordinación central, la multiplicidad de racionalidades locales (minorías étnicas, sexuales, religiosas, etc.). No hay unificación, sino fragmentación (fragmentación contra el todo), haciendo énfasis en lo regional, lo local, lo particular. Invocando la pluralidad, la diferencia, la heterogeneidad, la hibridación. Así no vivirá los avances tecnológicos aisladamente sino integrándolos con matices tradicionales.

Al romperse la relación diseño-ciencia, y la ausencia de metas comunes, el diseño carece de futuro, diseñando aquí y para ahora (una mera amplificación de la herencia del Pop y su hedonismo).

En Arquitectura Robert Venturi, escribe en 1966 su famoso libro y a principios de los "70 declarará su famoso lema: "…menos es aburrimiento…", cambiando la frase de Mies Van Der Rohe: "menos es más". En 1975 analiza la arquitectura creciente sin planificación, callejera, vernácula, en la que habla de la simbología lúdico-comercial de la ciudad de Las Vegas. Así Venturi declaraba que la decoración era respetable y que la historia entera de la arquitectura y de las artes aplicadas estaba ahí para ser usada. Pero T. Maldonado, analiza la situación de Las Vegas; y dice que se la presenta como la más importante creación ambiental de la cultura popular, con carteles luminosos (al que llama signos, y son letreros de neón, símbolos que dominan el espacio). Así es Las Vegas, para Maldonado, icono del gusto popular, significa un consumismo comunicativo ambiental.

El Movimiento Posmoderno cambió las cajas de acero y cristal por un regreso al ornamento, al simbolismo, al juego irónico, lúdico y ecléctico. En Arquitectura, recién en los "70 se generalizó en EEUU, como por ejemplo: el rascacielo AT & T de Philip Johnson, en Nueva York [1978-1984]; simbolizando un reloj, el Piazza D"Italia de Charles Moore, en Nueva Orleans [1977-1978], el Public Services Building de Michael Graves, en Portland (Oregon) [1980-1982] con analogía de la tumba de Tutankamon.

Todos los edificios continuaban la línea de los 1º Edificios de Robert Venturi, como el de ancianos Guild House en Filadelfia [1963]. Con el Grupo Five o Los cinco de Nueva York, fue un grupo de cinco arquitectos (entre ellos Michael Graves), que comenzó a elaborar un nuevo lenguaje arquitectónico a partir de estilos clásicos grecoromanos deconstructivistas. La Posmodernidad adoptó todo tipo de estilos, lenguajes y técnicas (industriales, semiartesanales), asimismo vino a conferir un medio ideal para hacer manifestaciones declarativas de diseño.

La obra Posmoderna, al no estar gobernada por reglas establecidas no puede ser juzgada por reglas y al superar la antigua dicotomía de la forma versus la función, se busca enriquecer la experiencia, lo emotivo, conjugando estilos del pasado, con la agresividad de los colores, la ausencia de moderación o buen gusto (kitsch), bajas restricciones teóricas o formales provenientes del pop (se preferirá la apariencia a lo real, las normas pierden su valor originario). El pop había significado ya el detonante del fracaso de la razón Moderna.

De los diseños efectuados, en mobiliario, algunos son incómodos y poco prácticos para sentarse y se convierten más en algo para observar (casi una obra de arte diríamos), y a su vez para criticar (esto son las manifestaciones declarativas que efectuaron los diseños Posmodernos. Querían que los diseños fueran también pensados por los usuarios y esto lo llevara a descubrir el mensaje que pretendían transmitir).

En los "80 en Diseño Industrial, se llevaron a cabo programas exclusivos artesanalmente, piezas únicas que se fabricaban en series limitadas; ironizando la línea del pensamiento clásico del Movimiento Moderno. Donde la ornamentación cobra significado, siendo expresivo, divertido, de dominio sobre la tecnología, atendiéndose lo simbólico y lo tradicional, rompiendo con las reglas (en tanto que los productos del Movimiento Moderno poseían ejes de simetría para su fabricación; los productos Posmodernos rompen con la simetría).

Algunos diseñadores como Philippe Starck, que trabajó bajo influencia de Lyotard y Baudrillard, realizó proyectos donde combina materiales diferentes con un tratamiento diferente. Alcanzó la fama popular cuando el presidente francés Mitterrand le encargó diseñar el mobiliario para su apartamento privado en el palacio del Eliseo y el tan conocido café Costes. Otros como Venturi, también efectuaron sus ejercicios (sus síntesis de las ideas, las que llevaron a productos ejemplificativos como las sillas); decíamos que Venturi diseñó una línea de sillas de madera curvada contrachapada (aludiendo a Alvar Aalto, en el tratamiento del contrachapado), con serigrafía aplicada (típico de los colores de Memphis y las serigrafías de Andy Warhol) y que se acercaba a los diseños del siglo XVIII de Adam y Chippendale (retoma la historia).

Los estadios son:

23.1 – Artesanal, místico-primitivo Antidiseño o Diseño-Radical [1965 hasta 1971]: En Italia, luego de la II Guerra Mundial grupos como: 9999, SuperStudio, Strum, Archizoom y otros; donde por ejemplo Archizoom fue influenciado por el Pop británico de Archigram. Esta actitud recibió influencias del Pop-Art y de las Culturas Primitivas y su influjo místico-simbólico, donde los diseñadores desarrollaron su trabajo sin la mediación de la gran industria (volviendo los ojos nuevamente al estilo y la concepción artesanal). Esto fue asimilado por Ettore Sottsass.

23.2 – Memphis [1981 en adelante]: Fundado a partir del título de un disco de Bob Dylan (blues de Memphis). Presenta a los integrantes de renombre como: Andrea Branzi, Hans Hollein, Michele de Lucchi, Matheo Thun, Arata Isozaki y el finalmente famoso y Ettore Sottsass. Sus diseños para ser producidos por modestos talleres artesanales. Así fue que Sottsass, arrebató a las formas geométricas su rigor intelectual (matemático si se quiere) y le devolvió su significado primitivo como símbolos); estando Sottsass influenciaado por el pop-americano y el diseño-radical, el misticismo indio de las culturas primitivas, conjuntamente a una deliberada apreciación del mal gusto (kitsch). Desafiando los años de funcionalismo serio, con humor, ironía, ciertos elementos cuya única función es la inutilidad total o provocar una sonrisa. Con una fuerte influencia del diseño radical o antidiseño, el Grupo Memphis, sin formarse utopias o una actitud crítica; saca provecho: "haciendo más soportable el ámbito donde convivir con los objetos". Con inspiración de contextos culturales diversos y que pudiera representar a cualquier continente jugando con el significado de los productos (a esto podemos llamar autentico Internacionalismo. La Posmodernidad Productiva, ahora permitía que: "todo fuera posible" y no que fuera algo impuesto desde afuera.

23.3 – Alchymia [1976 en adelante]: Fundado por Alessandro Guerriero, lo integraron: Michele de Lucchi y el afamado Ettore Sotsas, conjuntamente con Alesandro Mendini (quién propuso la sustitución del método racional por el romántico, dado que debía haber algo más que el gasto mínimo de materiales y el funcionalismo, tan atendido por el Movimiento Moderno). También con fuertes declaraciones al misticismo, los productos a base de collages pretendían que la gente reflexione sobre ellos.

Cuando Mendini crea su serie metamorfosis de los clásicos (influenciado por el Dadaismo) evidencia este collage; otorgamos ejemplo de estas sillas:

– Silla de «Plástico de Joe Colombo», la tapizó con dibujos de marmol.

– Silla «Hill House de Mackintosh»», la llenó de banderines.

– Modelo «Zig-Zag de Rietveld», le convirtió el respaldo en una cruz.

– Sillas «Nro. 14 de Thonet» y la «Wassily de Breuer», las decoró con nubes multicolores y figuras atenienses.

23.4 – Pentagram y Forum Design Linz [1980 en adelante]: En Inglaterra, con Pentagram, se reirán de la Bauhaus y sus postulados funcionalistas que generaron las formas abstractas de un lenguaje común y geométrico. Así mismo en Austria el Forum trabajó con la simbología lúdica, creando por ejemplo el famoso sillón «Marilyn».

Sintetizamos a la Posmodernidad en el diseño de objetos/productos, como fragmentada (no en el sentido de la cultura, sino formalmente), donde cada parte recibe un tratamiento distinto, no uniforme (por ejemplo respaldo y asiento); con argumentos ligh, high-tech, folck, dark, etc. Rompiendo con todas las reglas (es Deconstructivo), rompiendo con la geometría, con las reglas productivas, generando piezas únicas (contra los principios de la producción en masa), incluso es artesanal e industrial. Es ornamental, historicista, revivalista, humorístico, absurdo, lúdico (puede jugar con el Racionalismo, ironizándolo), metafórico, alegórico, expresivo, emotivo, evocativo (del pasado o historicista), simbólico, enigmático, intuitivo, onírico, imaginativo, psicológico; es todo y no es nada, una mezcla de Romanticismo y Racionalismo (a veces ni sabe lo que es, simplemente desconcertante).

Autor:

Ibar Anderson

Diseñador Industrial

Magíster en Estética y Teoría del Arte

Facultad de Bellas Artes. Universidad Nacional de La Plata. Argentina. 2009.