Análisis de la creación artística visual desde la perspectiva psicológica, en tanto fenómeno de la conducta humana, la percepción como factor distintivo del ser humano
El arte visual es un fenómeno de la conducta humana, y la percepción es factor distintivo también de la especie. Damos por sentado que el arte visual es patrimonio de nuestra especie, y que su percepción lo es también. Puedo discurrir que la asociación del arte con el humano como creador y perceptor pueden aplicarse en tanto aun no hemos percibido a otras especies hacerlo, pero no podemos concluir de forma categórica, que otras especies no poseen la capacidad de gestar y de percibir el arte. Por consiguiente, la percepción artística visual como factor distintivo del ser humano, es una hipótesis que puede ser objeto de estudio de otro ensayo. Lo que sí puedo aseverar y profundizar en este texto, es la premisa del arte como necesidad psicológica y proceso educativo (Anher, S 2007).Antes de abordar la creación artística desde la piscología, deseo profundizar sobre las características de la inteligencia visual. Existe la tendencia a desvalorizar la información sensorial en relación a su aporte al conocimiento. La separación arbitraria entre percepción y razonamiento, es probablemente la causa principal, que ha permitido esta teorización. Las artes visuales, han sido consideradas inferiores ante la música por ejemplo.
En general, la sensación y la percepción han sido consideradas en inferioridad dentro del contexto de lo cognitivo. A pesar de este fenómeno, importantes pensadores de la antigüedad ya han señalado esta peyorizacion, así Aristóteles "El alma jamás piensa sin una imagen". En resumen, la realidad es diferente de lo percibido, no se puede eliminar la palabra pensar de lo que ocurre en la percepción. La percepción excluye imágenes mentales, y sin embargo no dependen de la conciencia o de la presencia del cerebro. La percepción no es una abstracción.En la conciencia humana, distinguir un objeto de sus apariencias constituye una hazaña cognoscitiva asombrosa. La observación de nuestras propias sensaciones, representa un esfuerzo de vigilia y de conciencia ingentes. Además, porque las sensaciones y percepciones se identifican con representaciones mentales de manera casi inmediata, contaminando si podemos decirlo, la fluidez y la claridad de la percepción del objeto exterior. Por esta razón, las evaluaciones en arte, pueden ser perjudiciales a la creatividad y requieren mas estudios (McKillop, C 2007). Desde el punto de vista psicológico, podemos separar lo percibido, de la sensación elaborada? Queda la eterna pregunta sin respuesta: ¿Percibimos realmente la realidad? Por eso, se dice que el rol del artista es ser un buen perceptor (Braun, c 2006).
Observando fijamente la obra "Vue d'un corridor" de Samuel Van Hoogstraten (1662) que la he expuesto en los anexos, podemos percibir la sensación de profundidad en el corredor, gracias a los planos que el pintor recreo. El sentido de perspectiva es tan intenso, que como en ciertos filmes surrealistas, podemos llegar a la impresión de avanzar sobre las baldosas hasta el final del corredor, evitando la escoba y el perro que se nos interponen. La percepción de profundidad, es la riqueza de este cuadro, inventándonos una realidad artística a nuestra percepción, que a pesar de todo, no existe físicamente.El arte pictórico y el dibujo en tanto fenómeno de la conducta humana, ha sido empleado como sujeto de análisis social. Es el caso que nos refiere la experiencia de Sharrona Pearl quien a través del estudio de las representaciones visuales almacenadas en las impresiones de la Librería del Congreso, evalúa el estatus de las poblaciones irlandesas americanas. La representación en caricaturas en los diferentes revistas le permitieron establecer la fluidez de clases y el crecimiento del poder político de estas comunidades y la discriminación a la que estuvieron confrontadas. Este estudio se baso sobre las impresiones publicadas desde 1840 hasta 1860 en las ediciones de la Costa Este de los Estados Unidos. Este estudio ofrece ciertas respuestas en relación al posicionamiento racial en la sociedad americana (Pearl, S 2009). Es decir que a partir del estudio del arte y la expresión grafica, incluso análisis sociológicos son realizables, demostrando la enorme riqueza de contenidos y utilidades que el arte conlleva. De igual forma el impacto del arte sobre la cohesión cultural de nuevas generaciones en Australia (Kalina, R 2007). Fenómeno especial es la búsqueda de posicionarse en los lugares donde los creadores forjaron sus obras, buscando un nexo de percepción (Lakey, P 2007) o la construcción del Museo del Hombre en el lugar donde el pintor Guayasamin pintaba a Quito, una mezcla de memoria y encuentro.Wolfskill también se refiere a la percepción racial en base a caricaturas. Se refiere al esfuerzo de Even, Motley y Hayden por dignificar las imágenes del afro americano, desmitificando los estereotipos creados por la cultura dominante (Wolfskill, P 2009). Inclusive en el aspecto género, el arte pictórico en Israel ha tenido influencia en cuanto a la utilización de colores u instrumentos concebidos como típicamente femeninos por los artistas varones (Levine, A 2008).
Local (Mbanza Ngungu) Nacional (Rep. D Congo) Internacional El arte local mas difundido es la escultura en madera de estatuas antropomórficas y mascaras representativas de ancestros. La pintura es de menor producción, es de tipo naif y depende de un mercado casi exclusivo extranjero. La pintura tiene un contenido paisajista y cotidianidad del habitante local y posee muy poco público.El estudio psicológico del arte no es un campo con existencia propia en este medio. Kinshasa es el centro comercial y cultural del país, donde se asientan las delegaciones diplomáticas y la cooperación internacional. La promoción y comercialización del arte local de la escultura y pintura en acrílico goza de buena aceptación. Diversos centros culturales, como el CC Belgo Congolés y de los Estados Unidos facilitan la apertura y difusión del arte local.Muy pocos centros de estudios desarrollan programas sobre el estudio del arte. Percibo una tendencia a utilizar el arte visual en la promoción de la sociedad de consumo. A través del marketing y la publicidad, el arte pictórico principalmente, juega un rol utilitarista de seducción al público sobre las bondades de diversos productos, esto sobre todo en Europa y América del Norte. Paradoxalmente sociedades que ingresan al grupo de países emergentes como los Emiratos Árabes Unidos, Indonesia, Singapur, Corea del Sur, desarrollan promoción y conservación de su arte, bajo criterios de identidad. Los EAU se posicionan como centro de encuentro y promoción regional.Perspectivas a futuroEl distrito de Salud de Mbanza Ngungu, con el apoyo del proyecto de desarrollo financiado por la Banca Mundial, podría apoyar la promoción de exposiciones de pintura / escultura de artistas locales como elemento de promoción de la salud psíquica. La difusión de la escultura en madera tiene espacios en los museos y galerías de Europa, sobre todo en Bélgica, antigua colonia, Francia y Holanda. Los centros culturales de los Estados Unidos, podrían ser también a futuro espacios de difusión y percepción del arte congoleño.
El arte pictórico se desarrolla suprimiendo el objeto y el espacio, transgrediendo los límites entre las escuelas y las tendencias, una búsqueda de originalidad exclusiva de cada autor se ha convertido en el derrotero creativo. Paradoxalmente la pintura en los países emergentes es identidad cultural. Además de la utilización del arte en el marketing. La representación de la interculturalidad, entre tiempos y lo inter disciplinario en la pintura, esta también elaborado a través de la interacción de mitos y simbolismos que pintores como Yang, lo realizan con las líneas curvas sinuosas (Liu, Y 2009). Lo inconsciente emerge en el arte de manera preponderante también, Manesiotis habla de la visibilidad de la técnica pictórica y luego su olvido para favorecer la creación desde el más profundo interior, que generan silencio (Manesiotis, J 2010). Ana De Orbegoso transforma la propaganda de una época en comunicación visual contemporánea (Snow, K 2007).
Análisis de la percepción del color, de la forma, creatividad, capacidades cognitivas (símbolos e iconos), el arte visual como terapia o seducción (marketing)
Si estamos a menudo frente a un acontecimiento o a una cosa, y hemos aprendido ya a actuar adecuadamente frente a ellos, es probable que nuestra razón y nuestro sentimiento no les sigan prestando atención activa. Sin embargo, son los asuntos no corrientes y elementales los que revelan la naturaleza de la existencia con poderosa claridad. El análisis de la percepción del color, de la forma, creatividad, pasa por este filtro que influye sobre las capacidades cognitivas. El arte para ser considerado como tal, está obligado a ser sorpresa, innovación, lo no visto aun. La cotidianidad puede sorprender a la obra y a su autor, antes de la consagración y ya sin atención activa del público, dirigirse fácilmente al olvido. El arte posee el poder de lo imprevisible (Taleb, N 2008).En este fenómeno perceptivo, se incluye no solo el objeto con sus formas, colores y características, sino también la luz como experiencia reveladora de la vida, como condición de la mayoría de actividades de la vida, y del arte. Rudolf Arnheim dedicó algunos análisis a la luz, la virtud intrínseca de los objetos, la claridad relativa, la creación del espacio a través de la luz y otros aspectos relacionados. Este autor analiza lo que personalmente podría llamar, la influencia del lenguaje moderno en la percepción del arte y la luz. Para él, el conocimiento ha hecho que dejáramos de hablar como los niños, los cronistas antiguos o lo polinesios, ese leguaje cargado de sensaciones y visiones empíricas. Actualmente, Arnheim manifiesta que confiamos mas en nuestro conocimiento que en el sentido de la vista, al punto que para que advirtamos lo que vemos en realidad nos son necesarios los testimonios que nos brindan los ingenuos y los artistas.En nuestra claridad relativa, en realidad psicológicamente no hay modo directo de distinguir entre el poder de la reflexión y el de la iluminación. Desde mi comprensión personal, añadiría que los seres humanos sabemos por "conocimiento acumulado", porque la ciencia así lo ha dicho, que los objetos no poseen luz propia, que es la luz la que permite que existan visualmente y que se manifiesten sus formas, inclusive que los colores son una invención de nuestro aparato visual y cerebral. Sin embargo podemos aseverar que una manzana es roja, una pera verde y el cielo azul. Pero ninguno de estos elementos posee luz propia. En astronomía se clasifican los cuerpos celestes (ya aquí hacemos mención de un color inexistente) entre estrellas y planetas, con la diferencia que solo las primeras poseen luz. Podría decir en metáfora, que todas las cosas que vemos y a las cuales les otorgamos un color y una luz determinada, son objetos – planeta. Sin embargo el origen de la luz primordial (el sol) no es identificado ni discernido como tal. Ya en la cosmogonía religiosa en la antigüedad, el sol era símbolo de divinidad. Como percibiendo que era la estrella fuente de luz y por consiguiente que permitía la majestuosidad de lo observado. Permitiendo a la vez que los objetos sean vistos, casi creados ese momento en que son iluminados. Parafraseando a Berkeley, quien sostenía que los objetos existen, el momento que son vistos.La creación del espacio a través de la luz, es otro fenómeno integrante de la percepción de las artes visuales y del espacio. En un experimento realizado por Gehrcke y Lau, se miraba un cono de madera blanquecino cuya base tenía 12 metros. Se colocaba el cono de lado con el vértice hacia el observador, cuya línea de visión coincidía con el eje principal del cono. Cuando el cono se iluminaba de modo parejo desde todas las direcciones, el observador no veía cono alguno, sino solo un disco superficial de color blanco. Esta experiencia nos manifiesta la influencia en la percepción no solo del color sino de la posición. De la misma manera podemos abordar la influencia de las formas.El tamaño modifica la percepción de las formas, cuando observo mi propia miel, puedo percibir una estructura relativamente regular y podría decir hasta plana. Ligeros pigmentos o vellos pueden ser identificados, pero en general, mi piel la percibo como un tejido plano. Al visualizarla a través de una lupa, a si sea esta de poca intensidad, esa percepción de planicie y regularidad cae totalmente en el vacío.
Un tejido completamente distinto aparece ante mis ojos, en formas cuadriculadas y rugosas, son como pedazos de ladrillos que unidos entre grietas y fisuras componen un tejido irregular, que lo único que guarda en común con la primera visión es con un poco de suerte, el color. Mi sorpresa es aún mayor, cuando recuerdo que la piel no tiene luz y que lo que estoy observando es el reflejo de la luz solar sobre ella.La sombra por consiguiente no pertenece al objeto sobre el cual se encuentra tampoco, al igual que la luz. Casi podría decir que no existe pintura sin iluminación, que la luz es el índice de los espacios, a pesar de no tener conciencia de ella (la luz) como fenómeno visual con derecho propio. Los artistas sombrean su objeto para representar el espacio de sus cuerpos, en nuestra percepción en cambio la sombra existe como fenómeno real.En las obras de Rembrandt, el hecho de ocultar la fuente de luz, es una manera de iluminar el objeto pasivo del acontecimiento, el objeto iluminado, que se convierte en fuente primaria en la pintura. Casi podría decir que la luz se convierte en materia.
La sombra y la oscuridad como contrapunto toman existencia real. Más allá del arte, aun desde la psicología humana. La terrorífica presencia de las cosas que están más allá del alcance de nuestros sentidos y que sin embargo ejercen su poder sobre nosotros se representa por medio de la obscuridad.En el arte moderno, se dice que cuando los objetos están parcialmente escondidos, la imaginación los completa, pero esto si se tiene la percepción del todo, de la continuación que lo no visto podría tener. Pero no es el objeto el que se esconde, es la luz que no llega a iluminarlo. Nosotros percibimos a través de nuestro nervio óptico solo el objeto y su color, sin diferenciaciones. Solo intelectualmente sabemos que existe la luz y que a través de ella se contornea el objeto iluminado.En relación al contexto económico, el marketing influye en la promoción de las artes. En los museos en los Estados Unidos, aspectos como género, raza, clase social y relaciones de poder entre los individuos, instituciones y estructuras sociales son tomadas en cuenta el momento de organizar los servicios en tanto experiencias de aprendizaje para el público. En los últimos quince años, los museos son identificados como negocios, ejerciendo un rol de turismo cultural para apoyar la economía local. Lugares de opción libre de aprendizaje con gran potencial en la economía global de la educación. (Ebitz, D 2008).
Un gran número de visitantes llegan a los museos con expectativas bien establecidas. John Falk ha clasificado estas expectativas del público en cinco grupos: facilitación, búsqueda de experiencias nuevas, apoyo profesional, hobbies y espiritualidad. A través el prisma de la relación de identidad que los museos evocan, se puede notar la naturaleza de la experiencia en los museos, su potencialidad y la manera de mejorarlos. Optimizando al visitante ocasional para convertirlo en asiduo cliente individual o en grupos (Falk, J 2008). Como Ebitz y Falk preconizan, los museos son una fuente potencial de negocios. Por consiguiente, las obras expuestas deben garantizar un valor tal que justifique la inversión del visitante. Si bien considero que el marketing es importante en cuanto a mejorar la calidad de los servicios y productos, en cambio margina la oportunidad de promocionar obras nuevas, convirtiendo la observación del arte en un rasgo elitista y de simple consumo.Incluiré también la importancia del arte visual en tanto metodología de educación técnica y humanidades (Ruitenberg, C 2008) (Louis, L 2005).
En un máster de enfermería se evaluó la experiencia de las capacidades de observación de los estudiantes en un museo utilizando obras de arte y confrontando con la enseñanza tradicional. La identificación de cualidades visuales, reconocimiento de patrones y observaciones pertinentes fueron parte del proceso. Luego la organización y análisis de la información visual permitió establecer conclusiones adecuadas. Además los participantes demostraron poseer mayor fluidez en sus diagnósticos diferenciales y ofrecieron más y mejores alternativas que el grupo de control. El estudio concluyo que la focalización de obras de arte, reforzó la capacidad de observación de los estudiantes (Pellico, L 2009). Otra experiencia educativa del arte, ha sido el trabajo sobre el discrimen de personas con deficiencias mentales (Eisenhauer, J 2008). Considero estas experiencias un testimonio sobre el impacto del arte visual sobre las capacidades cognitivas, cuando es utilizado como instrumento pedagógico. La dinámica de la hegemonía cultural es manifiesta en la pintura y obviamente se manifiesta en la abstracción y la significación pictórica (Finch, M 2009).
Lo cultural es tan determinante que inclusive la sexualidad es aun tabú en el arte. La gente debería admitir que el mundo del arte no es considerado suficientemente adecuado para la estimulación sexual (Essoe J 2006).
– Concepto de arteEl arte es la búsqueda de la belleza, su representación, su creación. La belleza o lo bello, es identificado como la armonía. El equilibrio entre colores y formas que producen sentimientos en el espectador. El arte refleja historias verdaderas o imaginarios que motivan la reflexión en el espectador.El arte o la representación de lo bello es un concepto, a mi manera de entender, estrictamente ligado a la creación humana. Sin embargo lo bello, lo armónico, no es propiedad humana. La naturaleza es la fuente de inspiración, como en el caso de la pintura paisajista e inclusive la representación del cuerpo humano. Pero aun el cuerpo humano no es creación de sí mismo, pertenece a la naturaleza. Las obras de arte son un objeto secundario reflejado en la tela, la fuente primaria de arte está en la naturaleza viva.La fuente primaria es el espíritu de armonía vivo, dinámico y cambiante.
El concepto de arte difícilmente podrá acercarse al prototipo natural. Mientras la estética natural se manifiesta de manera espontanea, el estetismo humano busca intencionalmente crear sentimientos en el observador. El público de la armonía natural es todo el entorno, con fines vitales. Mientras que el arte humano es una búsqueda hacia sí mismo, sin fines objetivos aparentes, a par de la comodidad en ciertos casos. Ese todo del artista se resume en "I feel, therefore I think" (McDonald, H 2006).
– Evolución conceptual y percepción actual del arteEl interés por el arte, es tan antiguo como el ser humano. En el siglo I Plinio el viejo ya le dedicó tres volúmenes de su inmensa obre "La historia natural". En estos volúmenes el historiador revela la creación de la época. Pausanias en su descripción de Grecia en el año siguiente, también demostraría la riqueza del arte. Es decir hace más de 2000 años.Desde el paleolítico, el ser humano busco plasmar en pintura las imágenes de su cotidianidad o su imaginario. La pintura como arte visual es una de las más antiguas. El arte es una interpretación del mundo, una visión particular, impregnada por el zeitgeist (espíritu de la época). De allí la importancia de realizar una lectura visual completa. Esta lectura incluye el aspecto emocional, intelectual y cultural.
Aspectos guía en la percepción de una obra pictórica: (cuadro 2)a) Primera mirada (visión global)b) Descripción de la obra (enumeración de elementos y sujeto)c) Estudio histórico (cuando fue pintada, por quien, periodo de vida del artista, periodo artístico, corriente, para quien?)d) Estudio técnico (dimensiones, soportes, técnica, instrumentos utilizados)e) Definición de la composición u organización (elementos, líneas, miradas, numero de oro)f) Perspectiva (fondo y contexto, símbolos, personajes, colores, tipos de colores y significaciones , luz, puntos luminosos, contraste sombra – luz, puntos oscuros, luz natural)
– Artes visualesLas artes visuales son consideradas las percibidas principalmente por el aparato visual. Es decir pintura, cine, escultura. Debido a consideraciones metodológicas, el presente ensayo incluye exclusivamente las artes de la pintura en sus diversas manifestaciones. El cine, expresión artística visual relativamente reciente no está incluida. De la misma manera la escultura. La pintura es una de las expresiones más antiguas, lo que nos permite seguir su dinámica histórica y su relación con los periodos de tiempo. Además, hoy vivimos al era del impacto visual (Collings, M 2007). Actualmente existen movimientos para crear programas de estudios de PhD en arte (Grant, D 2008).
– Tendencias del arte y relación con las teorías psicológicasA partir del siglo XII las escuelas artísticas pictóricas se manifiestan con una identidad propia difundiéndose mas allá de las fronteras, situación que permite diferenciarlas del arte geográfica y culturalmente definido como el caso de la pintura romana o etrusca. He preferido establecer por consiguiente como punto de partida metodológico, el arte Gótico que se reconoce sus inicios en el año 1140. Esto permite también el establecer relaciones con las teorías psicológicas, filosóficas o religiosas a partir del siglo XII. Es conveniente acotar que la pintura en esa época tuvo como fuente de inspiración única, el aspecto religioso.La principal misión de este título es servir de guía y orientación, despertando el interés por las concepciones artísticas pictóricas y su relación con la manera de pensar de su época. A pesar que el arte plástico prescinde de todo alarde literario y se manifiesta por sí mismo, he incluido métodos de lectura de las obras para facilitar su apreciación. Busco exponer la relación indisoluble del arte con la condición humana que se nos ofrece, se nos explica a través de nuestros admirables órganos de percepción y captación, ventanas del espíritu. Como decía Molins y Pujol en plástica pura, quien sabe ver, sabe entender (Roos, F. Jr 1966).
De la misma manera, las escuelas de pintura se han multiplicado durante los últimos años, hasta el punto que a veces parece que cada artista tiene la tendencia a formar una escuela por su cuenta. La individualidad prima y eso dificulta mi trabajo de relacionabilidad. De allí la pertinencia de la pregunta, si la crítica e interpretación del arte está en crisis? (Plagens, P 2007).Tendencias artísticas y corrientes psicológicas: siglo XII – XXI (cuadro 3)
Tendencias Época Corrientes Psicológicas Contemporáneo 2da mitad del siglo XX-XXI John B. Watson, Burrhus Skinner. Conductismo. Erich Fromm. Psicoanálisis social y humanista(*). Jean Piaget, Noam Chomsky, Konrad Lorenz, Nikolas Tinbergen.Moderno 1era mitad del siglo XX Pavlov. CondicionamientoEmil Kraepelin. Enfermedades mentales. Impresionismo Último tercio del siglo IXX Sigmund Freud. Psicoanálisis – Ivan Pavlov. Condicionamiento.Realismo A partir de 1830 – IXX Paul Broca. Psicofisiologia.Simbolismo Últimos decenios del siglo IXX Gustav T. Fechner, Wilhelm Wundt. Psicología experimentalRomanticismo Fines XVIII
– 1850 Neoclasicismo 2da mitad XVIII – inicios IXX Barroco Finales siglo XVI-XVII Thomas Hobbes et John Locke. Empirismo.René Descartes. Cuerpo maquina, alma pensamiento. Ciertas ideas innatas.Renacimiento Siglos XV – XVI Gótico 1140 – primeros decenios XVI siglo Platón / Aristóteles: las ideas y los sentimientos son innatos o proceden de la experiencia?(*)
El psicoanálisis posee diversas escuelas, entre sus principales líderes: Alfred Adler, Carl Jung, Jacques Lacan, Otto Rank, Melanie Klein, Carl Rogers.La relación entre el pensamiento psicológico y el arte ha sido analizada de manera muy somera. Probablemente, los paradigmas imperantes, no han permitido asociarlos. Sin embargo, ya un artículo publicado recientemente por Arnold Cusmariu, manifiesta en su paradigma del algoritmo natural, que arte y ciencia tienen más en común que lo que se pensaba anteriormente (Cusmariu, A 2009). Inclusive se ha estudiado la similaridad entre la práctica del y arte y de la psicoterapia. Ambas demandan asumir el desafío del la tolerancia y la excitación. El artista en su estudio no está seguro que lo sobrevendrá en su obra, igual que el terapista que no conoce con certitud la reacción de su paciente. Ambos han recibido gran entrenamiento, pero para que su labor sea efectiva deberán en cierta manera dejar de lado este entrenamiento al menos conscientemente (Graves, J 2009).El arte ha sido también utilizado como fuente de inspiración en los estudiantes del Departamento de Home Economics and Craft Science en la Universidad de Helsinki (Laamanen, T 2008). Identidad y relación espacial sobre todo en fotografía (Thoma, A 2006).Desde un punto de vista filosófico, ha existido una mayor preocupación por relacionar arte y pensamiento, así, según Boris Groys, toda cosa que existe es bella, aunque no sea interesante. El verdadero problema no es decir que es bello, sino de saber qué es lo que engloba el "todo".
Todo lo que es perceptible es bello. La clave es hacer la distinción entre lo que es perceptible o no. Todo lo que es perceptible es bello. El arte contemporáneo no se interesa a la belleza sino a lo que puede ser visible. Las imágenes del 11 de septiembre son bellas. Estamos habituados a percibir la belleza de las imágenes en la destrucción gracias a los medios de comunicación. ¿Existe competición entre el arte y los medias? ¿Es por eso que los artistas deben siempre mirar allí donde los otros no han sabido hacerlo? Las personas no quieren arte, no sienten esa necesidad. Ellos se imitan a las imágenes de los medias, los vestidos que portan no están en armonía con sus siluetas. La idea del arte contemporáneo es que el ser humano debe apreciarse a sí mismo. Es justamente porque el arte contemporáneo trata de democratizar la belleza que no es aceptado fácilmente. Los artistas buscan hacer visibles las cosas. Solo que un pequeño grupo decide lo que debe ser visto (comisarios de exposición, críticos de arte, directores de museos). Decir que todo es bello es una manera de democratizar lo bello, en un mundo en el que nada es realmente democrático e igualitario (Picq, Anne 2009).
En mi opinión, este concepto deslinda la belleza de la utilidad. Lo bello puede ser útil o inútil, e incluso nefasto. Situación con la que puedo estar en acuerdo, sin embargo, definir al arte contemporáneo como un democratizador es un craso error. No se requiere crear fealdad para democratizar la belleza, simplemente mostrarla, hacer la visible, para eso basta una foto, un filme o una pintura realista. Debo recordar que la belleza a la que se refiere Groys, es una belleza casi "natural", espontanea en la catástrofe y lo inesperado, no conlleva la intensión de crearla, no es humana enteramente, tal vez por eso todo es bello, porque ese todo no conlleva la intencionalidad de serlo. El arte contemporáneo, no se dedica solo a visualizar lo bello, intenta crearlo, allí su fracaso. El arte es representativo de la evolución cultural (Hodgson, D 2006). Si el paradigma evolutivo vertical fuese acertado con la realidad.
En el arte de la literatura existe la Teoría de la Recepción literaria. Los trabajos de Hans Robert Jauss y Wolfang Iser propusieron el paradigma donde el lector u oyente de literatura se volvía elemento central para la teoría literaria y los análisis de los textos. Esta reorientación tuvo importantes consecuencias espacialmente para la hermenéutica, la historia social de la literatura y la sociología de la literatura. El lector como participe activo del texto literario o más general de la obra de arte ha tenido gran repercusión en la concepción semiótica actual. La historia del arte no se puede analizar por las relaciones entre los hechos a posteriori sino por sus efectos sobre los lectores en el caso de la literatura. Este análisis no es basado solo en el individuo, sino en un sistema de relaciones, identificando las expectativas del lector como colectivo, estas serán diferentes de acuerdo a la época a la que pertenece el lector. De esta manera hablamos de un lector implícito en la obra. He querido referirme a esta teoría, si bien es aplicada a la literatura, no es exclusiva. La importancia del lector, o en nuestro caso del público de la obra pictórica, en tanto actor perceptivo e interpretativo me parece de suma importancia. Si consideramos que la obra de arte no existe si no es leída u observada, la importancia de la participación del observador. La Teoría de Sistemas es otra escuela de la apreciación literaria, que habla de las influencias reciprocas, aplicada a la literatura, ella es un subsistema dentro del todo.
Lo importante es la influencia reciproca que el arte tiene en la vida cotidiana y viceversa. Como este sistema de relaciones contribuye a la definición de valores éticos, estéticos y morales. Niklas Luhmann es uno de sus precursores relevantes. La concepción de la obra abierta es fundamental. El interés está en su constitución y por sus múltiples referencias intertextuales. En el caso de la psicología del arte visual, la perspectiva será, que emociones y conductas puede provocar la imagen sobre la tela o el mural a nivel comunitario?
Conclusiones y Recomendaciones
Quiero creer que la obra artística transforma al público. Tocando sus experiencias internas, permite una sintonización entre los colores y las formas externas y la experiencia vivida en el mundo endógeno del espectador. Dinámica objeto – sujeto entre el cuadro y el individuo. Entre la obra denominada arte y la comunidad. Creando relación, mágico nexo entre objeto y sujeto. Incorporándose a la vida la obra del artista a través las reacciones que provoca en su público.
Ese momento el cuadro cobra existencia, porque genera reacciones en el observador. Podría imaginarse el autor de las antiguos pinturas egipcias que 2500 años posteriores tendría publico quien admiraría sus trazos? La pregunta de Ralichas tiene pertinencia por consiguiente; qué es una carrera artística exitosa? (Ralichas, E 2006).Al final del presente ensayo, queda la apertura del concepto, ¿qué es una obra de arte? ¿Quien la cataloga como tal? ¿Porqué unas obras sobreviven en el tiempo y otras ceden al olvido más absoluto? ¿Qué hace la diferencia artística entre "El verano" de Giuseppe Arcimboldo y el de un bello plato de lentejas decorado con rodajas de tomate y lechuga? ¿Su temporalidad acaso?En mi opinión personal la belleza de las obras pictóricas y otras, obedecen a consensos de críticos y teóricos de influencia en el género. Consensos de carácter elitista y hermético, donde el público prosaico no toma parte. La pregunta es, ¿cómo comprender el trabajo artístico y el conocimiento critico? (Amanda, b 2007).
Existen criterios que asumen esta definición de valor, como la época en la que fue creada, la importancia que el autor ha ganado desde la fecha, todos estos factores influyen en el factor precio, que en nuestra sociedad actual, es sinónimo de valor. No se puede concebir una obra de arte a precios irrisorios. No sería tal. No sería compatible con nuestra lógica de la realidad.La percepción del arte está fuertemente limitada por el zeitgeist. El espíritu de nuestra época que vive en la trémula ansiedad del tiempo, de la velocidad, de la ansiedad por hacer más en menos tiempo. La consecuencia es que la cantidad y la calidad de tiempo humano dedicado a apreciar y construir arte es cada vez más limitada. Vivimos en sociedades a-artísticas, donde la practicidad y el materialismo económico limitan la capacidad de observar, y por consiguiente de apreciar el arte. La psique del apuro y la producción merma la psique del arte y la contemplación de la belleza. Para precisar la palabra bello, su opuesto es lo feo. Si lo bello es lo armónico, lo feo es lo disarmonico. ¿Existe en la naturaleza disarmonia? Existen errores genéticos y malformaciones, que limitan la funcionabilidad, pero no son disarmonicos desde la estética. Concluyo, que la fealdad es un adjetivo producto del imaginario humano, al asociar la función (utilidad) con la estética.
Lo bello y lo feo no existen como categorías en sí mismo, son expresiones ligadas al uso. Al decir que todo es bello (armónico) en la naturaleza, eliminamos el opuesto fealdad. Todo objeto en la naturaleza "es" por consiguiente sin necesidad de tazarlo en feo o bello. Todo lo existente es arte!El occidéntalo – centrismo se manifiesta a mi manera de ver, de forma evidente en la estimación del arte. Una pintura es un producto cultural que pertenece a una civilización determinada y es percibida como tal. Esto se corrobora con la reacción ante la escultura conmemorativa del 9/11 en el Centro Rockefeller, donde se percibe que el arte es parte del imaginario colectivo cotidiano (Van Schepen, R 2008). Toda una estructura de poder tiene intima relación con la promoción de la obra. El arte público es una expresión de la hegemonía o de los procesos radicales de resistencia (Clements, P 2008).
El escenario artístico no deja de recibir la influencia del ganador total, donde las grandes estrellas del arte, si bien perduran relativamente poco tiempo en la cúspide, acaparan casi toda la atención del público, relegando al artista novel, al anonimato extremo. Existe la sumisión de los individuos a los medios modernos de difusión de mensajes y de criterios y aun la multiplicación de exposiciones no garantiza en el observador un actor con criterio. En ese contexto, percibo la singularidad extrema de los artistas contemporáneos, buscando desmarcarse de las tendencias, pero al mismo tiempo al costo de perder el nexo expresivo de vida y arte. Inclusive exageraciones como el fin de la pintura, cuando el arte deja de ser un medio (Halsall, F 2007) se contraponen al hecho que la pintura existirá mientras el ser humano exista artísticamente. Solo un ego extremo puede plantear finitud a lo desconocido.En la psique global contaminada por el marketing economicista de la diferenciación del producto, el arte busca también ser la expresión del individuo puro. Sin escuelas, sin tendencias, sin obediencias. El trazo pictórico enardecido en el escueto mundo de las marcas, donde hasta el agua tiene nombre y apellido comercial, pero en esencia sigue siendo agua. Entonces, el arte como expresión de un individuo puro asume el riesgo de diluirse en la fealdad grotesca. Desarmonía encajonada en los museos, convertidos en centros económicos. Me uno entonces a esa búsqueda, ese hallar la esencia misma de la pintura, desentrañar que es; que Malevich, Kandinsky y Mondrian entablaron. Suprimiendo el objeto y el espacio, dejando la pintura en la pura percepción, olvidando toda conexión entre lo pintado y la objetividad, es decir, hasta producir pintura sin valor representativo. Ir al en contracorriente de la representación de la representación (Dagen, P 2008) . Permitiéndose ese diluirse en la nada del todo, en la contemplación sosegada y a-fructífera. En el monologo con el ser propio, que es finalmente el centro neurálgico de toda piscología.
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Autor:
Carlos Efrain Montufar Salcedo
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