Chaim Soutine

3. Antecedentes
4. Marco histórico
5. Movimiento Artístico
6. Análisis de las obras
7. Comentario
8. Conclusiones
9. Bibliografía

INTRODUCCIÓN

Este trabajo de investigación realizada a Chaim Soutine, pintor expresionista, que en 1911 se trasladó a París, donde conoció a Modigliani y se interesó por Rembrandt y Courbet.

Chaim Sotuine empezó pintando naturalezas muertas, pero tras sus estancias en Céret y Cagnes descubrió el paisaje, que plasmó con gran intensidad lírica, formas violentas y colores vívidos.

A través de biografía, podemos darnos cuenta que Chaim estaba obsesionado con los temas que solía pintar, sobretodo con la comida, y la relación que existía entre ésta y la muerte. Luego, a partir de 1922 pintó naturalezas muertas con animales sangrantes, en clara referencia a Rembrandt, y las series de los criados, de los clérigos, etc., representados con un crudo realismo psicológico y enérgica pincelada.

Sus obras constituyen una experiencia individual dentro del expresionismo europeo y presenta ciertas afinidades con las manifestaciones más contundentes del Brücke alemán, Soutine no se adhirió a ninguna corriente. Sus pinturas influyeron en ciertos expresionistas austriacos y en la escuela simbólico-expresionista alemana.

En cierto momento, tiende a pintar hacia lo abstracto, pero dentro del estilo expresionista. Su pintura reflejaba mucha emoción, intensidad y vigorosidad. Es asi que se le consideró como el precursor del Expresionismo Abstracto Americano.

Actualmente, son pocas las pinturas que se conservan de él, puesto que si no le gustaban sus cuadros los destruía, o si alguien hacia un comentario que no le gustaba, es así que él mismo destruyó gran parte de sus obras.

ANTECENDENTES

En líneas generales el término expresionismo alude a aquellas manifestaciones que propugnan la intensidad de la expresión sincera aún a costa del equilibrio formal. Precisamente por su  carácter intemporal, dicho vocablo ha resultado válido tanto para calificar determinados períodos de la historia del arte, como para adjetivar un movimiento o tendencia, a un artista o a una fase creativa del mismo, o incluso obras concretas. En este sentido figuras como El Greco, la escultura románica o algunas creaciones de Goya, por citar algunos de los múltiples ejemplos que podríamos haber elegido, pueden ser calificadas de expresionistas, por la decidida actitud mostrada por deformar dramáticamente la realidad.

Fue a principios del siglo XX cuando el término expresionismo comenzó a utilizarse con un sentido y unas connotaciones muy determinadas. Los primeros usos se refirieron principalmente al arte francés. En 1901 el pintor Julien-Auguste Hervé definió como expresionistas unos estudios de naturalezas que fueron presentados en el Salón des Indeépendants de París. El crítico Louis Vaucelles empleó el mismo calificativo para describir las obras de Matisse. En 1911 el término expresionista resultó de nuevo válido para clasificar las obras que los fauvistas y cubistas franceses, Braque, Dèrain, Van Dongen, Dufy, Vlamick y Picasso entre otros, presentaron en la XXII exposición de Berlín. 

A partir de este momento el adjetivo expresionista se comenzó a utilizar con un sentido más amplio, manifestándose efectivo para definir el arte de vanguardia que, como el Fauvismo, Cubismo y Futurismo, presente en la exposición del Sonderbund de Colonia de 1913, rompió definitivamente con los postulados del agónico Impresionismo.

Desde 1914 el término resultó definitivamente concretizado, al dejar de ser empleado en sentido general como el adjetivo apropiado para calificar las manifestaciones artísticas más rupturistas del momento como el Cubismo, Fauvismo y Futurismo, para pasar a definir exclusivamente el arte experimental y contestatario surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se convertiría con el tiempo en uno de los movimientos de vanguardia que mayor repercusión ejercería en el arte de la citada centuria.

Existe consenso al afirmar que el Expresionismo Alemán fue más una actitud ante la creación artística que un estilo propiamente dicho, un movimiento comprometido desde su origen que afectó a todas las esferas de la creación, arte, literatura, música, siendo en el campo de la narrativa donde alcanzó su mayor grado de compromiso. 

Es así que, el expresionismo surge en Alemania, en la primera década del siglo XX, como oposición al positivismo materialista imperante en la época, en un intento de ofrecer una nueva visión de la sociedad basada en la filosofía nietzscheana  y la renovación del arte basada en la búsqueda subjetiva de lo esencial atendiendo exclusivamente al sentimiento vital sin someterse a ninguna regla. El expresionismo es un movimiento que no sólo atañe a las artes plásticas, sino también a la música, el cine y las demás artes.

En la evolución de la pintura expresionista alemana existen tres momentos distintos. El primero se desarrolla en Dresde a raíz de la constitución en 1905 del grupo Die Brucke (El Puente) y dura hasta 1913; el segundo se desarrolla en Munich de 1910 a 1914 y está protagonizado por el grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul) del que surgirá la primera pintura abstracta ; el tercero se desarrolla en el periodo de entre guerras (desde comienzos de los años veinte hasta 1933, año en el que subió al poder el nazismo) y está unido al concepto de "Neue Sachlichkeit" (nueva objetividad) con un planteamiento muy distinto del expresionismo inicial desarrollado por ambos grupos.

El expresionismo alemán se extendió a países como Holanda, Bélgica y Francia. Y el régimen nazi alemán definió al expresionismo como "arte degenerado", cuyos artistas de esta tendencia fueron proscritos y muchas de sus obras destruidas, por lo que en algunos casos, no quedan muchas obras que mostrar.

MARCO HISTORICO

El siglo XX llegó acompañado de un gran número de inventos en el ámbito técnico e industrial así como de nuevos conocimientos decisivos en las ciencias humanísticas y naturales. La teoría de la relatividad de Einstein, el psicoanálisis de Freud, el descubrimiento de los rayos x o bien la primera fisión nuclear, obligaron al hombre a pensar de una forma diferente, más abstracta. Los nuevos conocimientos pusieron de manifiesto que detrás de la realidad se esconde mucho más de lo que puede percibirse mediante el sentido de la vista (una clara ruptura con los preceptos impresionistas)

Esta situación se acentuó a causa de los cambios que se produjeron en la propia percepción de los sentidos, puesto que la invención del automóvil, del telégrafo, del avión y de muchas otras cosas, dieron a la rapidez y al tiempo una nueva dimensión que requería de percepciones mucho más aceleradas.

Sin embargo, todos estos cambios no fueron aceptados con tanta euforia por la joven generación de artistas como en su día lo hicieron los impresionistas. La cara oculta de la modernización (alienación, aislamiento y masificación) quedó al alcance de la vista, sobre todo en las metrópolis. Los artistas, en su función de apasionados reformadores del mundo que deseaban derrocar el orden establecido, buscaban "un arte nuevo para un mundo nuevo". Cuadros cargados de emoción debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano…

Influencias del expresionismo

Los movimientos expresionistas fueron desarrollados principalmente en Alemania, un país socialmente desazonado en ese entonces. De innumerables ramificaciones y matices, tomaron influencias de la pintura de los post-impresionistas Vincent Van Gogh y Paul Gauguin, cargada de sentimientos y concepciones en su utilización expresiva del color y la gestualidad del trazo.

Otro grupo de gran influencia para los expresionistas es el simbolismo, que se extiende entre 1880 y 1900. No se desarrolla mediante un estilo unitario, pero puede definirse como un búsqueda en la cual el artista, limitando una pintura objetiva, concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos subjetivos, las fantasías y los sueños.

Las obras de James Ensor y Edvard Munch muestran, con un idioma simbólico expresivo pasado por encima de la materialidad, relaciones místicas, religiosas o psicológicas. Ensor, mediante la utilización de colores incandescentes, pinta desfiles fantasmales de enmascarados y de personajes caricaturescos; recreando la oposición hostil del individuo y la masa. La máscara, el leitmotiv de toda la obra de Ensor se convierte en la expresión de lo amenazador y desconocido.

El expresionismo en la obra del noruego Munch, se evidencia en sus representaciones del miedo, la desesperación, la sexualidad atormentada, los celos y la morbosidad. Todos estos son temas que Munch representó para "liberarse a sí mismo de los demonios". Aunque el grito sea la expresión pictórica de un sentimiento de miedo personal mientras paseaba con un amigo, Munch logra expresar en este cuadro el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.

Los expresionistas también encontraron la fuerza expresiva que buscaban en el arte de otras culturas. Las esculturas y máscaras de África y Oceanía, de clara descendencia primitivista, representaron para los artistas europeos una valiosa fuente de inspiración.

Cronología

A continuación se presenta una cronología del arte alemán situado en el contexto historico a través de los años que dura el expresionismo.

MOVIMIENTO ARTÍSTICO

Expresionismo

El expresionismo es un movimiento artístico surgido en Alemania a principios del siglo XX, en concordancia con el fauvismo francés. Recibió su nombre en 1911 con ocasión de la exposición de la Secesión berlinesa, en la que se expusieron los cuadros fauvistas de Matisse y sus compañeros franceses,además de algunas de las obras precubistas de Pablo Picasso. En 1914 fueron también etiquetados como expresionistas el grupo de los pintores alemanes.

Como su propio nombre indica, es un arte que pretende ser expresivo de su autor y de su época, al tiempo que quiere conmover al espectador lanzando mensajes de tipo emocional. Surgido en un período de crisis, reflejó los problemas de sus tiempo y las angustias del hombre mediante la fuerza expresiva de los colores, la textura y la línea. En realidad el Expresionismo es más un modo de expresión que se encuentra en todas las épocas de la pintura.

En España se consideran pintores expresionistas Isidro Nonell, José Gutiérrez Solana, Rafael Zabaleta, y algunas épocas de Picasso. En Francia, además de los fauvistas, se consideran expresionistas algunos pintores de la [[Escuela de París]], como Soutin, Chagall, Pascin y Modigliani. En Austria es representante de esta corriente Kokoshka, y en América Feininger. En Italia, a Viani y Sironi. Como escultores destacan Barlach y Lehmbruck.

El expresionismo es una manera de inclinar la balanza de un cuadro desde la forma hacia la expresión del contenido. Potenciar el impacto emocional del espectador a través del colorido, las formas retorcidas, la composición agresiva, etc., son algunos de los objetivos de los artistas que practican esta forma de pintar, objetivos perfectamente conseguidos por Emil Nolde en su Figura y Máscara. Pinturas expresionistas las podemos hallar desde los inicios del arte, siempre que respondan a esta intención de moldear la realidad para volcarse sobre la emoción interior. Así, los rostros de la pintura románica son plenamente expresionistas o las esculturas medievales de monstruos del infierno. Algunos de los grandes maestros de la pintura se consideran expresionistas en este sentido. Tal sería el caso del Greco, cuyas figuras son cualquier cosa menos realistas. También Edvar Munch fue un gran cultivador del expresionismo en sus cuadros, así como Van Gogh, algunos cuadros de Gauguin, etc. Según entraba el siglo XX el expresionismo se definió más como corriente característica dentro de los "ismos" de la vanguardia, o mejor, en oposición a ellos, en especial a la mesura racionalista del cubismo. Estos movimientos estuvieron muy ligados a otras formas artísticas, como el teatro, la música y la literatura: Schoenberg puso música a muchas exposiciones del primer grupo expresionista, Die Brücke; Kafka, Bertold Brecht y Strindberg ocuparon las filas de los dramaturgos. Tras el experimento del primer grupo, otra formación denominada Der Blaue Reiter toma el relevo. Sus realizaciones serán trascendentales en la historia del cine, con el cual interactuaron continuamente: F. W. Murnau, Robert Wiene, Fritz Lang y Max Mack. El expresionismo estuvo muy ligado a Alemania en la primera mitad del siglo XX, ligazón que se vio rematada con la alianza estilística con los arquitectos del denominado Novembergruppe. Sin embargo, a partir de 1950, los norteamericanos se apropiaron del nombre en lo que se ha conocido como el Expresionismo Abstracto de los 50 y los 60.

Características:

• La pintura es concebida como una manifestación directa, espontánea y libre de convenciones de la subjetividad del artista basada en una necesidad interior (de carácter instintivo y exaltada en el grupo de Dresde y de carácter espiritual y sosegada en el grupo de Munich).
• Liberación del contenido naturalista de la forma mediante la libre interpretación de la realidad (las imágenes son creadas, no copiadas), para así expresar el mundo interior, subjetivo, del artista.
• Utilización de diversos recursos en la interpretación subjetiva de la realidad: desproporción y distorsión de las formas según un impulso interior; esquematización o reducción de las formas a lo esencial atendiendo a un sentimiento vital de depuración de lo objetivo (por este camino Kandinsky llegará a la abstracción total).
• Utilización del color y el trazo para subrayar (expresar) simbólicamente unos estados de ánimo.
• Destrucción del espacio tridimensional.
• Acentuación de la fuerza expresiva de las imágenes mediante el empleo de formas simples de carácter plano o con poco efecto de volumen.
• Aglomeración de formas y figuras.
• En general, predominio de trazos violentos, empastados y agresivos en "Die Brücke" y de líneas curvas y trazos más sosegados en "Der Blaue Reiter".
• Colores intensos y contrastados (aplicados abruptamente en "Die Brücke" y de forma más meditada en "Der Blaue Reiter").
• Ausencia de carácter decorativo.
• Temática con especial atención a escenas de desnudos en el campo o bañándose, escenas urbanas agobiantes y representaciones armónicas de la naturaleza.  

Die Brücke

Die Brücke significa en alemán El Puente. ¿Por qué este nombre, qué dos orillas pretenden unir? Los pintores que integraron tal grupo pretendían reunir determinadas formas de expresión primitivas con el arte de su tiempo. La situación estaba radicalizada: por un lado pintores de pésima catadura que se dedicaban a un arte blandengue y carente del más mínimo interés (floreritos, paisajitos, señoras estupendas para colgar del cuarto de estar); y por otro la vanguardia radical, la sucesión vertiginosa de los "ismos", alimentados de sí mismos de tal manera que habían logrado alejarse por completo de la comunicación con el público, incapaz de asimilar las rupturas que planteaban. Especialmente era el cubismo, tan racional, tan mesurado en su aséptica geometría, el mayor rival de estos pintores. Su intención era recuperar el sentimiento, revalorizar la visión subjetiva del artista, intérprete y no copista de la realidad objetiva. Para lograr esta meta, los integrantes de Die Brücke trataron de recuperar métodos "auténticos", directos, sinceros en su comunicación con el espectador: el arte de los primitivos alemanes, el Art Brut, es decir, el arte de dementes, niños, salvajes… el arte del Pacífico, Oceanía y África. Esta recuperación se refirió tanto a temas, como a técnicas: reaprovechan la xilografía por lo rudo de su realización, como se aprecia en el durísimo Autorretrato de Kirchner. Su estética preferida estuvo muy ligada con el cartelismo: los affiches son grandes paneles pictóricos que todo el mundo puede contemplar. Todo el mundo es potencial espectador de un cartel, y hay que adaptar el arte a ese público imprevisible. Pero además adoptaron una organización grupal similar a la que se practicaba en la Edad Media: formaban una especie de gremio, una tradición que nunca se había llegado a perder en Alemania (por ejemplo, los Nazarenos alemanes en Roma). Compartían un estudio común, el de Kirchner, y recababan el apoyo de los burgueses familiares y amigos, de cuyo círculo provenían. El grupo lo aglutinó Kirchner como cabeza pensante, a cuyo alrededor se agruparon otros como Emil Nolde, Schmidt-Rottluff, Pechstein, Heckel y Mueller. Sus fuentes de inspiración más cercanas en el tiempo fueron otros pintores cuya obra se consideraba fuertemente volcada hacia la emotividad y la expresión personal: Cèzanne, Van Gogh, Gauguin y Edvar Munch. El grupo se reunió en Dresde, ciudad donde se afincaban todos ellos, y lo hicieron desde 1905 hasta 1913. Su forma de expresión era plana, lineal y muy rítmica, en busca de una simplificación absoluta de la forma y el color. Existe cierto paralelismo entre sus intenciones y las del grupo de los fauves en París, pero incluso los alemanes resultaron mucho más salvajes que los franceses. Ideológicamente estaban muy ligados a la creencia en la necesidad de un Mundo Nuevo, en consonancia con la adaptación a los tiempos modernos de las vanguardias. Por sus planteamientos, usaron textos de Nietzsche y por ello se sentían más próximos a la violencia de los futuristas. Al contrario que los italianos, acogidos en el seno del fascismo de Mussolinni, los expresionistas tanto del grupo Die Brücke, como sus continuadores Der Blaue Reiter, fueron perseguidos por el nacionalsocialismo de Hitler, acusados de practicar un arte degenerado.

Der Blaue Reiter

El grupo Der Blaue Reiter se reunió en Munich, otro gran centro artístico e intelectual de la Alemania anterior a la I Guerra Mundial. Tal vez la tensión que se sentía en Europa ante las guerras coloniales y las rivalidades entre viejas potencias, así como la convulsión que planteaba el ritmo de vida del hombre moderno y urbano, se habían conjurado para dar lugar a un revulsivo tan brutal como fueron las experiencias expresionistas. La agrupación tuvo lugar en Munich, a partir de 1912, en paralelo a la experiencia de Die Brücke, y terminó violentamente con la declaración de la I Guerra Mundial en 1914, de forma muy similar a lo que ocurrió con el movimiento futurista. Sus integrantes eran pintores de excelente calidad, como Kandinsky, Macke, Paul Klee, Marc, y las contribuciones esporádicas de artistas que comulgaron eventualmente con sus planteamientos: Delauny, Braque, Malévicht, Picasso, Vlaminck, e incluso el genial músico Arnold Schoenberg. El nombre del grupo lo acuñan en 1912, con la publicación del Blaue Reiter Almanac. También un cuadro de Kandinsky tiene este nombre, que significa el Jinete Azul (parecido al Proyecto con un Jinete), color favorito del pintor, del mismo modo que Marc adora la hípica y los caballos. Además de la publicación del almanaque, prácticamente copado por los experimentos de Kandinsky y Marc, celebraron dos exposiciones en Munich, en las cuales participaron los colaboradores anteriormente mencionados. Su programa estaba basado en el primitivismo, intelectual como concepto pero intuitivo en la aplicación y la expresión formal. Se inspiraban en el Art Brut, especialmente el de origen infantil, así como el de locos, igual que hizo Gericault durante el Romanticismo Francés. Sus formas tendían hacia la abstracción, que desarrollaron magistralmente Kandinsky, Malévicht o Paul Klee. También el simbolismo de los colores y las formas se conjugan con todo un lenguaje psicológico de la línea y el color, como describe Kandinsky en su obra Punto y Línea sobre el Plano, un estupendo tratado de aproximación al lenguaje abstracto.

Tras la disolución del grupo, en 1919,

Walter Gropius funda la Bauhaus en Weimar, escuela de diseño y arquitectura, cuyos profesores fueron los más famosos maestros del expresionismo constructivo, en ella impartieron clases hombres como Feininger, Klee o Kandinsky.

Finalizada la primera guerra mundial en Alemania,se desarrolla el Realismo Expresionista, movimiento en el que los artistas se separan de la abstración, reflexionando sobre el arte figurativo y rechazando toda actividad que no atienda a los problemas de la acuciante realidad de la posguerra. Encarnan este grupo Otto Dix, Grosz, Beckmann y el escultor Barlach.

Chaim Soutine

(1894-1943 )

Pintor expresionista, nacido en Lituania (entonces Rusia). De familia judía, siendo el décimo de once hermanos de una familia económicamente bastante pobre. Le gustaba pintar desde joven (desde los 13 años), pero su familia  quería que fuera sastre. Como continuamente  le ridiculizaban para que no pintara, se iba al bosque a pintar y sólo volvía cuando estaba hambriento.

A los 15 años (en 1909) estudia un curso de pintura. A los 16 años (en 1910) estudió arte de 3 años de duración en la Escuela de Bellas Artes de Vilna. Posteriormente, en 1913 (a los 19 años) y habiendo ahorrado algún dinero, deja Vilna y saca un billete de tren a Francia y se fue a vivir en "La Ruche" = edificio construido para Exposiciones y que luego se convirtió en un estudio de artistas. Allí estaban Chagall, Léger, Kisling y Modigliani entre otros. Era un lugar donde vivían y trabajaban. Estuvo viviendo 6 años y se hizo muy amigo de Modigliani. En París pasó mucha pobreza sobre todo durante los primeros años, ello le afectó mucho tanto a su salud física como psicológicamente. Tuvo trabajos esporádicos como de portero en una estación de ferrocarril y otros. En "La Ruche" pintó muchos retratos de artistas y refugiados políticos.

Encontró un prototipo para la distorsión de la forma en El Greco, a quien consideró un gran maestro y a quien estudió mucho. En muchos de sus retratos se observa esta distorsión, pero a diferencia de El Greco, Soutine incorpora elementos grotescos, casi cómicos, del mundo del terror con humor. Estuvo recibiendo clases de Cormon, quien unas décadas antes había enseñado a Van Gogh y a Tolouse-Lautrec.

Otros pintores que influyeron en Soutine fueron Rembrandt, Van Gogh, Cezanne (rompiendo la forma en planos y aplanando la figura), Bonnard (que le enseñó a dar consistencia al cuadro, a dar pinceladas fuertes, con mucho peso y propósito).

Se va a Ceret (en los Pirineos franceses) donde permaneció 3 años aproximadamente y donde pintó muchos paisajes y algunos retratos. De Kooning dijo de sus retratos  "Soutine distorsiona las pinturas pero no a las personas". Sus paisajes se fueron haciendo cada vez más violentos y convulsivos. Durante su estancia en Ceret tiende a pintar hacia lo abstracto, siempre metido en un estilo expresionista. Pintaba con mucha emoción, era muy intenso y vigoroso. Se le ha considerado el precursor del Expresionismo Abstracto Americano. Su pintura destaca por su enorme vitalidad. La pincelada de Soutine no suele ser con una línea sino un brochazo ancho puesto de una forma muy sentida, con colores tumultuosos, gestuales.  Es el "estilo de Ceret". Tanto en el estilo de Ceret como en el de Cannes, la pincelada es violenta y las formas están agitadas. Posteriormente pinta de forma más controlada aunque siguen perteneciendo al expresionismo eslavo-judío.

En 1923-25 se encuentra entre París y Cannes. "El estilo de Cannes"  como se llamaba, se utiliza para distinguirlo del estilo que tomó en París. En Cannes, utilizó una paleta más brillante y más luminosa debido al clima veraniego. Es característico del estilo de Cannes los paisajes de la ciudad vistos desde arriba.

A los 28-29 años (1922-23) es descubierto por un coleccionista americano que le compra muchos cuadros y Soutine empieza a tener una buena reputación y vive bien económicamente. A partir de 1923 se comenzaron a vender sus cuadros y a partir de aquí dejó de preocuparse por el tema económico.

Su vida sentimental es bastante discreta y oculta. A los 31 años (1925) va a Amsterdam y quedó fascinado por Rembrandt. Durante estos años conoce a Debora Melnik con quién según parece se casaron (boda religiosa) y tuvieron una hija. Soutine niega la paternidad y deja a la madre con la niña. Durante los años siguientes (1930-35) estuvo influido por Rembrandt, Corot y Courbet (se inspira en Courbet para sus estudios de animales).

A los 36 años, (en 1930) la característica de sus cuadros era la tristeza y comienza la atracción por los cuadros de Courbet.  Sus modelos están en el suelo y sus paisajes son más tranquilos. Existe una mayor distancia entre el pintor y el tema a pintar. ("hand is the dancer, following the rhythm of the disturbances of the soul").

Entre 1931-35 su producción disminuye mucho. Le costaba mucho inspirarse, estaba continuamente buscando el paisaje adecuado o el modelo adecuado. Cada vez tenía más ataques de úlcera, estos eran fuertes y dolorosos y frecuentemente tenía indigestiones. 

A los 46 años, (1940) le introducen a Marie-Berthe Aurenche, exmujer de Max Ernst y pronto su compañera.

Por la ocupación alemana, Soutine tiene que dejar París (pues era judío).  En 1943 sufre un grave ataque de úlcera. Para no ser detectados por los alemanes, toma un circuito alternativo a París llegando más de 24 horas más tarde de lo previsto. Se le diagnostica úlcera perforada con hemorragia interna. Es operado muriendo durante la operación en 1943 en París. (Al velatorio acuden Pablo Picaso y Max Jacob entre otros).

ANÁLISIS DE OBRAS

Temas tratados en sus obras:

Naturaleza Muerta:

Tenía una obsesión por la comida por 2 motivos: hambre que pasaba y la úlcera que tenía.

Soutine pinta la comida como algo que le causa un enorme placer pero también como algo que le produce dolor. Cuando se fue a París también pasó hambre y además tuvo úlceras de estómago que le afectaron  mucho a lo largo de su vida causándole al final la muerte. Aun cuando económicamente estaba mejor, no podía comer, le encantaba comer, pero cada vez que lo hacía  se ponía muy enfermo. La comida que pintaba era carne y pescado, alimentos prohibidos para él. Casi todas sus obras de naturaleza muerta están relacionadas con este tema. De joven sufrió mucha pobreza y hambre y probablemente afectó de forma inconsciente a su empeño en la comida

Por otra parte la comida jugaba un papel importante en la familia y en la religión. También en el judaísmo existe una relación entre la comida y la muerte (el animal debe ser matado rápidamente, de forma que le cause el mínimo dolor, es pecado hacer sufrir al animal). Es un tema dominante en Soutine hasta mediados 1925 aproximadamente. Luego le interesaron más los paisajes.

Entre 1925-29 estuvo en París y pintó principalmente naturalezas muertas: animales muertos, conejos, pescado y también. La naturaleza muerta era principalmente comida. En estos cuadros hay que destacar la textura, el pigmento y el color más variado que utiliza un poco reflejo de la mortalidad humana.  Esta percepción de la carne y de la piel estuvo influida por la admiración que tenía de otros artistas como Rembrandt y Chardin. ("Rembrandts Beef") "Buey desollado". Soutine pinta algo parecido pero centrando su cuadro sólo en la carne y eliminando el entorno. Pinta la carne muy de cerca del observador.

Paisajes

Se identifica mucho con el motivo que va a pintar, por eso a la hora de pintar paisajes le gustaba salir al exterior a pintar fuera de su estudio, le gustaba introducirse más en la luz, el espacio y la atmósfera, de ser otro elemento más del paisaje, una parte de lo que pinta. Así se caracterizan los paisajes que pintó entre 1919-1922 en Céret (en los Pirinéos Franceses). Sus paisajes se conocían como el "Estilo de Céret": son paisajes inestables, vibrantes, con movimiento, como terremotos.

El espacio está muy comprimido, las formas se aplanan, se fusiona una forma con otra así como el espacio delante y del fondo. Los elementos están unidos entre sí. Todo ello produce como una única forma en el lienzo compuesta de varias formas unidas. En Ceret son paisajes bidimensionales.

Luego durante el periodo de Cannes, el "Estilo de Cannes", Soutine resalta la identidad de los objetos (en Céret las formas se fusionaban unas con otras) ahora separa un objeto de otro. Resalta el objeto como una identidad (como una autonomía). En Cannes los paisajes son más abiertos y luminosos.

La composición en sus naturalezas muertas, retratos y paisajes más tardíos se refiere a un sólo objeto central que envuelve al paisaje de Céret. También comienza a estabilizar las formas, ya no tienen tanto movimiento.

Retratos

A lo largo de su vida pintó muchos retratos. Retrató a pasteleros, destaca "El Pastelero", cocineros y camareros (sigue su obsesión por la comida).

Los retratos son normalmente de frente. Sí pintaba la figura, normalmente era de cerca y para que saliera la cabeza normalmente de frente. En muchos retratos, las figuras están mirando de frente y atraen la atención del espectador aunque aparentemente son indiferentes al artista. 

Los retratos son pintados con cierto aire nativo debido a la influencia que tuvo de Modigliani. Sus retratos se parecían mucho a la persona retratada. En sus autorretratos nunca se pintaba las manos. Esto es un hecho importante dado que daba gran importancia a las manos en los retratos de otras personas. Las manos de Soutine eran delgadas y delicadas e impresionaban a aquellos que le conocían. Modigliani hizo muchos retratos a Soutine y sí que le retrató con las manos.

Entre 1923-28, le empezaron a atraer las personas con uniforme ya que el efecto que quería dar con el uniforme era el esconder la individualidad de la persona, es decir a despersonalizar, al anonimato, ej. botones, camareros o niños del coro. Retrata sobre todo a seres de inferioridad física y social.

Nunca pintaba desnudos, solamente lo hizo una vez con una modelo profesional. En esta ocasión la modelo aparece con una pose tímida que realmente refleja lo mal que lo pasaba al pintarla.

Si no les gustaban sus cuadros los destruía. A veces ponía varios cuadros suyos en el suelo (como si fuera una exhibición), los estudiaba durante horas  y con un cuchillo rompía los que no le gustaban. También lo destruía si alguien hacía algún comentario de que no era muy bueno un cuadro suyo o si le decían que le recordaban a otro pintor. Así destruyó gran número de sus cuadros. Algunos cuadros suyos que estaban en manos de marchantes o de otras personas, se los cambiaba por otro cuadro suyo posterior para destruir el cuadro viejo. En otras ocasiones recortaba la parte del lienzo  que le gustaba.

COMENTARIO

Chaim Soutine es un personaje peculiar de la pintura expresionista, teniendo en cuenta que su niñez se vio afectada por la pobreza extrema, tanto así que en muchos de sus cuadros pintaba comida, pues era lo que deseaba. Esta etapa de su niñez y adolescencia debió perjudicarlo psicológicamente, ya que como él, son poco los artistas que terminaron destruyendo sus propias obras.

Su primera formación artística la recibe en un taller de Minsk, ingresando en 1910 en la École des Beaux – Arts de Vilna.

Debido a que su desarrollo se da en los años en los que hace estallar un expresionismo muy radical y de una turbulencia emocional extrema, es justificable la manera en la que pinta, teniendo en cuenta que los años veinte se caracterizan por obras de figuras grotescas y distorsionadas que rozan el desprecio, y que intentan mostrar rasgos psicológicos.

Fue gracias al coleccionista norteamericano A. Barnes, que sus obras salen del anonimato dejando el mundo de pobreza y gozando de una buena reputación.

Las pocas obras que quedan de él, se reducen a temas de naturaleza muerta, paisajes y retratos, sobretodos éstos, de personas que pertenecen a bajo niveles sociales, como "La cocinera", "Botones", etc. En las cuales sus uniformes le permitían esconder la individualidad del retratado.

CONCLUSIONES

• El expresionismo es un movimiento artístico surgido en Alemania a principios del siglo XX, en concordancia con el fauvismo francés.
• Se da entre los años 1905 y 1914, se caracteriza porque la pintura es concebida como una manifestación directa, espontánea y libre de convenciones de la subjetividad del artista basada en una necesidad interior
• Existieron dos escuelas importantes de este estilo y se caracterizaron por la forma de usar los colores intensos y contrastados (aplicados abruptamente en "Die Brücke" y de forma más meditada en "Der Blaue Reiter")
• Chaim Soutine es un pintor ruso, que vivió en la pobreza extrema cuando era niño, que afcetó su salud y física y psicológica.
• Se caracteriza por incorporar elementos grotescos en sus pinturas, que pueden confundirse con lo cómico, "el mundo del terror con humor"
• Recibió influencia de otros pintores como Rembrant, Van Gohg, Cezanne, Bonnard, etc.
• Pinta con mucha emoción, intensidad y vigorosidad, tanto así que le considera como precursor del Expresionismo Abstracto Americano.
• Casi a los 30 años es descubierto por un coleccionista y su situación económica cambia rotundamente y se hace acreedor a una buena reputación
• Algunos de sus cuadros de caracterizan por la tristeza, y es que le costaba mucho inspirarse.
• Se vio afectado por la ocupación alemana y tuvo que huir de Paris (era judío).
• Muere en 1943, víctima de una úlcera perforada con hemorragia interna.

BIBLIOGRAFIA

Libros:

• H.W. Jonson – Historia general del Arte – Vol IV: El mundo moderno. Madrid : Alianza editorial, 1991. p.

Web:

• http://www.artehistoria.com
• http://www.imageandart.com
• http://es.wikipedia.org
• http://www.elricondelvago.com
• http://www.epdlp.com/
• www.geocity.com
• www.goethe.de

Autor:

Rossana Graciela Romero Thais

Universidad San Ignacio de Loyola – último ciclo (2004-02)