Los juegos o ejercicios de iniciación teatral o pre-dramáticos como coadyuvantes al desarrollo de la autoestima (página 2)

1. 1. Definiciones
2. Autoestima

En el libro de William James titulado "Principios de Psicología" que se publicó en 1890, se encuentra el primer intento de definir la autoestima como el hecho o sentimiento de compararse con los demás en cualquier actividad que se elige, es decir si nadie más puede hacer lo que hacemos, entonces nuestra autoestima será elevada, pero además nos dice que es el sentimiento personal que surge de la satisfacción o insatisfacción alcanzada por la forma en que vamos logrando el éxito en la consecución de las metas que nos habíamos propuesto.

Pero es recién a partir de los años 80’ que el tema de la autoestima cobra mas fuerza, se publican libros, se presentan estudios más científicos. Es por esta razón que en la literatura del enfoque humanista gestáltico que comienza en los años 50, no encontramos la autoestima como constructo, pero si conceptos muy cercanos o incluyentes como desarrollo del potencial humano o madurez.

Entre nuestros especialistas que han publicado sobre autoestima encontramos a Ramírez Luna que define la autoestima como "la experiencia de ser aptos para la vida y para sus demandas y exigencias; más exactamente consiste en:

1. Confianza en nuestra capacidad de pensar y afrontar los desafíos de la vida. Sentimiento de ser capaz

   Sentimiento de valía personal.

2. Confianza en nuestro derecho a ser felices
3. Es el sentimiento de ser dignos, de merecer, de tener derecho a afirmar nuestras necesidades y a gozar los frutos de nuestro esfuerzo.

Sentimiento de ser digno de cariño". (18)

Y este es el concepto que la mayoría de los autores está de acuerdo, "En otras palabras, la autoestima es la suma de la confianza y el respeto por uno mismo. Es un reflejo del juicio que cada uno hace de su habilidad para enfrentar los desafíos de la vida (comprender y superar problemas) y de su derecho de ser feliz (respetar y defender sus intereses y necesidades). Es sentirse apto, capaz y valioso para resolver los problemas cotidianos" (19)

La autoestima no se expresa por la auto glorificación a expensas de los otros, o por el afán de ser superior a los otros o de rebajarlos para elevarse uno mismo. La arrogancia, la jactancia y la sobrestimación de nuestras capacidades refleja más bien una autoestima equivocada y no, como imaginan algunos, un exceso de autoestima.

1. Autoestima saludable:

Una de las características más significativas de la autoestima saludable es que es el estado de una persona que no está en guerra ni consigo misma ni con los demás. Si hemos de crecer y cambiar, debemos empezar por aprender a aceptarnos a nosotros mismos. (20)

Cuando una persona está "en guerra consigo misma" es una persona que no está integrada con su momento, con su situación, con su necesidad. Frits Perl descubridor de la Terapia Guestáltica, nos refiere que en la persona existen dos partes, una llamada "perro de arriba" que se caracteriza principalmente por su rectitud, siempre sabe lo que el oprimido debe hacer, es virtuoso, amenazante, castigador, autoritario y primitivo. Es el que encierra todos nuestros deberías, sus frases son " tu debes…", " tu deberías…", y "¿por qué tu no…". En tanto que esta dualidad no es solo interna sino también externa, existe esta dualidad entre marido-mujer, empleador-empleado, tambien entre profesor y alumno.

Y es en el profesor que muchas veces escuchamos frases como " tu deberías …". Esto a nuestro parecer sucede por que el profesor trabaja sobre la base de un modelo de profesor y un modelo de alumno, y no acepta que pueden existir varios modelos de profesores. Es posible que cuando acepte que existen varios modelos de profesores y uno de esos modelos es uno mismo, abre la posibilidad de tener varios modelos de alumnos.

Mientras que el "perro de abajo" es sumiso, es inseguro de sí mismo pero tiene una gran habilidad para evadir las órdenes del opresor, en realidad es un juego de manipulación mutua, y sólo cumple a medias las órdenes del opresor con afirmaciones como "mañana…", "hago todo lo imposible, pero…", "te prometo que la próxima vez." De esta manera, tanto el opresor como el oprimido, viven en una mutua frustración y en un continuo intento de controlarse uno al otro, en guerra consigo mismo.

Arnold Beisser (pág 82, <Fagan ), en un articulo titulado "La teoría paradógica del cambio", manifiesta que muchos individuos acuden a la terapia con el fin de cambiar y muchos terapeutas aceptan este objetivo ofreciendo variadas técnicas con el fin de cambiarlo, entrando en esta dicotomía de opresor – oprimido. El terapeuta se convierte en el salvador, en el conocedor de la salud mental, en el experto conocedor del cambio y de la verdad, mientras que el paciente en una persona desvalida, sin potencialidades, sin nada de positivo. En el aula también sucede que algunos alumnos acuden al profesor para ese mismo fin, o es el mismo profesor quien toma la iniciativa de sentirse el salvador, el único sabedor de la verdad y moral absoluta y se toma el derecho de decirle al alumno que debe cambiar su comportamiento. Y en ese momento el alumno se convierte en lo que supone que "es" y el profesor en lo que el alumno "debería ser ", y así no se produce ningún cambio, solo se produce una mayor angustia, y una soledad devastadora.

"El cambio puede producirse cuando el alumno abandona, siquiera por el momento, la idea de lo que quisiera llegar a ser, e intenta ser lo que es." En esto consiste esta teoría, paradógicamente el cambio consiste en no desear cambiar, si no al contrario, aceptarse tal como se siente en ese momento, aceptando que toda persona es un ser único e integrado, es un ser total y no fragmentado en dos o más partes

El enfoque gestáltico supone que esa dicotomía, opresor – oprimido, ya existe en la persona. Que una de las partes trata de cambiar a la otra y de lo que se trata es estimular al alumno a que encuentre y escuche esas dos partes que existen dentro de él mismo. Es necesario que ambas o cada parte se exprese plenamente y al mismo tiempo tenga contacto con la otra parte para que esta necesidad de control desaparezca, de lo que se trata es que el alumno acepte ambos roles como propios, en forma sucesiva. Sólo entonces se escucharan uno al otro. A medida que la persona se hace responsable de su existencia y observa, sin identificarse ni con uno ni con el otro, se produce la reconciliación de estos opuestos, aparece una voz, como un director democrático y práctico que logra una armonía y una integración mediante la comprensión de las partes.

De lo que se trata también es encontrar al profesor que uno lleva adentro, escuchar a ese profesor intimo, dentro de cada uno. Sabiendo que en vez de adaptarnos a un orden vigente, podemos adaptarnos a una serie de órdenes cambiantes.

Un principio guestático elemental es acentuar lo que existe, en vez de procurar cambiarlo directamente. Nada puede cambiar mientras no ha sido aceptado; después podrá abrirse al movimiento natural hacia el cambio, que es propio de la vida misma.

En las primeras clases en las escuelas de teatro se propicia este acentuar de lo que existe o exagerar lo que se es: descubriendo su esquema de movimiento según los principios de Laban, o identificándose con un animal u objeto. Para luego descubrir la identificación del contrario. Es decir, si un alumno se identifica por el movimiento y únicamente por el movimiento sin considerar o suponer características sicólogas, con un felino: un tigre por el movimiento algo ondulante y elástico, liviano y rápido, el contra esquema seria una vaca, por ejemplo, por su peso, movimientos lentos y pausados, por su casi permanente estado de quietud. Este mismo esquema y contraesquema es posible ser llevado a un collage, en forma naturalista o abstracta. Y si el movimiento del animal es expresado en forma abstracta, no real, es posible que termine este ejercicio en una danza.

Un ejercicio preliminar al anterior, es la danza de las dos mitades. Imaginamos que el pie derecho es un títere de hilo que se mueve por la mano derecha, es decir, el pie derecho siempre se mueve en paralelo a la mano derecha y todo el lado izquierdo esta inmóvil solo unos segundos e intercambian el movimiento. Siempre pie y mano derecha con el pie y mano izquierda, y a danzar dialogando con el moviendo de cada lado del cuerpo, para terminar se debe hacer un ejercicio de integración de las dos partes del cuerpo por ejemplo, simplemente saltar abriendo o expandiendo en el aire todo el cuerpo. Puede agregarse sonido.

"El perro de abajo hace al perro de arriba. Sin una víctima a la cual oprimir, no habría dictador. De hecho, a medida que la persona se hace responsable de su experiencia y observa, sin identificarse ni con ésta ni con la otra voz, se produce la reconciliación de estos opuestos. La dualidad y la polaridad le abren camino a la unidad y a la integración. Comienza a emerger otra voz, una voz de cuidado y sabiduría, que funciona de un modo directivo, y que viene a demostrar la integridad esencial del organismo" (20)

En la dramaturgia peruana encontramos un clarísimo ejemplo de esta dualidad en la obra Cruce sobre el Niágara de Alonso Alegria. Podemos encontrar que los dos personajes pueden ser una sola persona en un diálogo interno en momentos de autocrítica o duda existencial antes de un gran proyecto, y veremos que solamente cuando ambos se escuchan o aceptan es que deciden emprender la gran aventura.

2.2.1.3 Madurez y auto apoyo como definición de la autoestima

Es en este continuo descubrimiento, comprensión e integración de las partes, que se puede llegar a lograr el auto apoyo, en vez de buscar el apoyo en el ambiente; y también de amarse a sí mismo y no estar en guerra consigo mismo, esta es la idea de crecimiento o maduración que sostiene Perls:

"Yo defino la madurez como la transición del apoyo ambiental al autoapoyo. En terapia gestáltica, la madurez del individuo se logra mediante la disminución del apoyo ambiental, el aumento de su tolerancia a la frustración, el desmoronamiento de su falso afán por representar roles infantiles y adultos… (Sentimiento de ser capaz).

Al madurar aumenta su capacidad para movilizar sus propios recursos espontáneamente con el objeto de enfrentar al ambiente. Aprende a pararse en sus propios pies, se capacita para enfrentar sus propios problemas y las exigencias de la vida… (Sentimiento de valía personal )

No llora buscando apoyo en los demás, por que lo encuentra en sí mismo. Ya no vive motivado por temores o por catástrofes inminentes" (21) (Sentimiento de ser digno de cariño ) (Las frases entre paréntesis son agregados nuestros.)

Encontramos que es un concepto muy cercano a otros conceptos de autoestima y es el que asumimos en el presente estudio.

Lo que la gestal llama auto apoyo, otros autores contemporáneos la definen como autoestima. El auto apoyo para la gestal es la capacidad de la persona para hacerse cargo de sí a partir de la aceptación y el reconocimiento de sus potencialidades. El auto apoyo define la capacidad para darse cuenta de las propias necesidades en el aquí y ahora y para satisfacerlas utilizando las propias competencias y habilidades.

2.2.1.4 Nuestra definición de autoestima

Podemos afirmar que la autoestima es un sentimiento como resultado de la capacidad para movilizar sus propios recursos: competencias, destrezas y habilidades, para enfrentar los desafíos de la vida y satisfacer sus necesidades auténticas, acompañando un sentimiento de satisfacción o valía personal y de merecimiento de cariño.

2.2.1.5 Seis pilares básicos para trabajar la autoestima

Tanto Ramirez Lituma como Steiner Benaim, mencionan la propuesta de Branden de los seis pilares básicos para trabajar la autoestima, pilares que pueden ser o son mencionados como competencias en un módulo o proyecto educativo teatral:

• La práctica de vivir conscientemente: comienza por ser conscientes de nuestro propio cuerpo, ser conscientes de lo que ocurre dentro y alrededor de nuestro cuerpo y estar receptivo para los cambios. En este punto son muy importante los juegos pre-dramáticos que nos llevará a la toma de conciencia o concentración de la atención y relajación, es también darse cuenta de las propias fantasías y diferenciarlas de lo que es obvio o real.
• La práctica de aceptarse a sí mismo: si tomamos consciencia de lo que sentimos con nuestro cuerpo y lo que vemos o sentimos fuera de él, y aprendemos a diferenciar entre lo que es real y fantasía, y practicamos escuchar al perro de arriba y al perro de abajo sin tomar partido por ninguno de ellos, podemos tener mas capacidad para aceptarnos. Y esta capacidad para aceptar "qué sentimos " y "cómo lo sentimos" es la oportunidad que nos dan cada juego pre-dramático, para que podamos descubrirnos a nosotros mismos, a descubrir cuantas veces al día me impongo pensamientos que me hacen desconfiar de mí mismo, por ejemplo, a descubrir mis miedos, no desterraremos nuestros miedos así por así, si son miedos que me paralizan o impiden hacer algo que para mi es importante, entonces haré lo posible por ver lo real, lo obvio y evaluaré para hacer o no, lo que quiero hacer; pero si es un miedo a escena, este miedo podría ser mi auto apoyo para cargarme de energía y salir a escena con fuerza. No consideramos sentimientos buenos o malos, solamente disfrutamos lo que sentimos y nos hacemos responsables de cómo lo sentimos. Haciéndonos responsables de nuestros propios pensamientos, sentimientos y acciones; sin evadirnos, negarlos o rechazarlos. "El observarse a sí mismo sin juzgarse alienta a las personas a ser más permisivas consigo mismas, y esto a su vez refuerza su auto-aceptación" (23)
• La práctica de asumir la responsabilidad de uno mismo: Es la habilidad o capacidad para encontrar la respuesta a las propias necesidades y hacerse cargo de ellas movilizando nuestro potencial, responsabilidad no es más que responder por uno mismo, no sólo a lo que sentimos, si no a lo que hacemos por lo que sentimos. "Un aspecto esencial del auto apoyo y de la auto responsabilidad: descubrir lo que uno quiere y dar los pasos necesarios para obtenerlo. Si quieres alguna cosa que otro puede proporcionarte, ser responsable es pedir directa y abiertamente lo que quieres. " ¡pág 146 Tobin esto es gestal) Significa, también hablar en primera persona y así nos hacemos responsables de lo que pensamos y sentimos. Darse cuenta que el individuo es el actor de sus propias elecciones y acciones. Cada uno es responsable de su propia vida y bienestar.
• La práctica de la autoafirmación: Ser auténtico en el trato con los demás, tratar a los propios valores y a uno mismo con respeto en el contexto social.

Existe una oración en la Guestal que es la siguiente:

Yo soy yo

Y tú eres tú

Yo no estoy en este mundo

Para satisfacer tus expectativas

Y tú no estas en este mundo

Para satisfacer mis expectativas

Tú eres tú

Y yo soy yo

Si algún día nos encontramos

Será maravilloso

La autoafirmación se refiere a defender y platear los propios sentimientos, sensaciones y necesidades, de manera directa sin negar los de los demás. Es por este motivo que se hace necesario reconocer primero sus propios sentimientos y sensaciones, es por eso también que en los talleres de teatro en base a los juegos pre-dramáticos acostumbramos a preguntar "¿que sientes en este momento en tu cuerpo?"

• La práctica de vivir con propósito: Identificar los objetivos y propósitos, organizar nuestra conducta en base a ellos y prestar atención a las consecuencias. Desde el primer día del taller de teatro, podemos acompañar al alumno al "para qué estudia teatro", y fomentar la práctica de descubrir el para qué de los juegos de integración grupal, relajación y concentración. Y luego en los ejercicios dramáticos (que no son variables de esta investigación) entenderá con mayor facilidad la acción dramática y el objetivo de cada acción del personaje.
• La práctica de la integridad personal. Esta práctica es un proceso que nunca termina, una forma de este proceso es cuando una proyección llega a ser aceptada como una característica propia, por ejemplo cuando escuchamos que un alumno dice de otro: "es una persona con poca iniciativa" es muy probable que quien lo diga no tenga la iniciativa deseada y atribuye esa característica personal no deseada, a otra persona. La integridad se produce cuando esa característica es aceptada como propia, esa parte oculta, no valorada o colocada " afuera " de nosotros, se vuelva parte de nosotros mismos.

Siguiendo con el mismo ejemplo de la iniciativa, podemos pedir al alumno que repita la misma frase pero en primera persona, entonces dirá: "yo soy una persona con poca iniciativa". Lo único que queda por hacer por parte del guía o profesor, es preguntarle: "¿De que te das cuenta?". Es descubrir cuánto, poco o mucho, de la persona que hablo, lo tengo yo.

Es para aceptar nuestros lados ocultos o partes que vamos descubriendo de sí mismo. Y para el que recibe una opinión sobre uno mismo, es también para no dejarse absorber hasta el punto de no priorizar nunca nuestra propia opinión de sí mismo. Es para conocer algo más de la persona que emite una opinión sobre alguien, es para saber sus intereses, las cualidades que valora, a veces podemos pensar que cuando alguien habla sobre otro, es como si esa misma persona estuviera hablando de sí misma.

Es vivir de forma coherente con lo que se sabe, con los valores que se profesan y lo que se hace, con lo que se dice y se siente.

3. Los juegos pre-dramáticos

Ya han pasado muchos años desde que se enseñaba teatro a partir de la memorización de un texto acompañado de gestos exagerados que en muchos casos era la imitación del profesor. "Se le da un texto que apenas entienden, se le hace repetir monótonamente las frases y se le enseña unos cuantos movimientos acartonados y absurdos que constituyen la famosa "mímica escolar"; por lo cual se debe señalar abajo cada vez que se menciona el suelo, arriba cada que se dice cielo y a colocar las manos en el pecho cada que se habla de sentimientos. Todos hemos visto a estos pobres niños, siempre los mismos, con piernas y troncos de paralítico y con brazos de títeres. También hemos visto qué perdidos se sienten cuando olvidan alguna de las palabras desconocidas y sin sentido y hasta los hemos visto a ponerse a llorar de angustia ante el ridículo." (3)

Felizmente la formación de actores y la enseñanza del teatro en el ámbito escolar ha cambiado y menciono ambas por que la primera influye definitivamente en el desarrollo de la segunda.

Es recién a partir de mediados del siglo anterior que en Perú se conoce a Stanislavsky y con ello se deja de entender el teatro como la memorización de un texto acompañado de la "mímica escolar", para empezar a preocuparse por la preparación del actor y la creación del personaje.

Augusto Boal

En el año 73 muchos nos nutrimos directa o indirectamente, ya sea con la asistencia y vivencia de los talleres de Augusto Boal o por su separata "200 ejercicios y juegos para el actor o para el no actor con ganas de decir algo a través del teatro" o por que recibimos clases de teatro de quienes habían asistido a sus talleres.

Boal llega a Lima para apoyar la campaña de alfabetización del gobierno de Velasco y además, dicta talleres de teatro popular para grupos de aficionados, por esos años también se elabora la Guía Metodológica de Educación por el Arte para Educación Básica Regular en la que se introducen los juegos o ejercicios pre-dramáticos.

Y a finales de los 70’ ya en Lima se estaba difundiendo la corriente humanista de la guestal que introduce en su práctica muchos ejercicios de integración grupal, relajación y sensibilización y se interesaba en la comunicación no verbal y la expresión corporal.

Hilton Carlos de Araujo

Y a comienzo de los años 80’ llega a Lima el maestro Hilton Carlos de Araujo que años antes el Centro de Estudios Brasileiros publicara su libro "Educación por el Teatro " con la traducción de la Sra. Sara Jofree.

"El objetivo del teatro en la escuela no es formar actores, ni dramaturgos, ni escenógrafos. Ante todo, la participación en el Teatro debe llevar al alumno a estructurar mejor sus actitudes, a adquirir comportamientos que contribuyan a la expansión y afirmación de su personalidad y a su consecuente enriquecimiento.

Es por esta razón que preconizamos el uso de los juegos preparatorios antes que el alumno participe en los juegos dramáticos y antes de su participación en una obra. Intensificar en los alumnos la capacidad de integración al grupo, de observación, de imaginación, concentración, creatividad, expresión adecuada por medio de gestos y palabras, comunicación, es el objetivo que debe ser buscado a través del teatro"(4)

Arturo Valero

En enero del 82’ el Club de Teatro de Lima publica su boletín Nº 1 en su Plan de Teatros Pilotos, y con una selección de Arturo Valero presenta una colección de ejercicios tomados de variadas fuentes, desde las anteriormente mencionadas hasta del método del Actor’s Estudio:

"Los ejercicios tienen dos fases en la formación del actor. Serían los llamados juegos o ejercicios pre-teatrales y los propiamente teatrales. Los unos preparan al grupo y al individuo dentro del grupo para relajar la ansiedad de ser mirado o estar en exhibición. Los segundos se refieren específicamente a los problemas teatrales y encaran la formación del participante como actor … Los primeros ejercicios de integración del grupo y de acostumbramiento a la mirada del público pueden ser comunes a diferentes fines artísticos y extra-artísticos. Pero son, sin lugar a dudas, necesarios para la integración de un conjunto teatral especialmente de aficionados" (5)

Ernesto Raez

El prof. Ernesto Raez en su libro "Juegos Dramáticos" divide a estos juegos en Tareas Dramáticas de Iniciación y Juegos Dramáticos.

"Las tareas dramáticas de iniciación, son acciones mínimas de libre expresión dramáticas que favorecen la desinhibición, el despertar de la conciencia crítica y el ejercicio de la coordinación, relaciones con el espacio, toma de conciencia y ajuste del esquema corporal, la percepción del orden e intervalo en el espacio que conduce a la conciencia del tiempo"

Raez las denomina "tareas" para diferenciarlas del ejercicio mecánico y repetitivo, "dramáticas" por que se motivan a propósito de una representación o imitación libre, además señala que son "de iniciación por que no sólo sirven a los niños pequeños para iniciar sus prácticas dramáticas si no a cualquier nuevo integrante de un grupo teatral sea éste adolescente o adulto." (6)

Estas tareas se relacionan con la liberación y el adiestramiento de un determinado medio expresivo en cambio los juegos dramáticos emplean el conjunto de medios expresivos dentro de determinadas "reglas de juego" que apuntan a la libre expresión crítico-creativa y tiene por objeto dar coherencia, integridad y claridad al asunto que se desea representar. "Pero, ningún juego dramático, por muy bien que se haga logrará sus fines, si después de realizarlos, el grupo no somete a discusión los resultados alcanzados y las experiencias adquiridas". (7)

De igual modo, agregamos nosotros, las tareas dramáticas de iniciación cumple sus fines cuando se acompaña de una toma de conciencia del cuerpo y sus sentimientos, de la vivencia del aquí y el ahora, del darse cuenta de la experiencia vivida.

Pavlovsky

Define los juegos dramáticos "como una serie de dramatizaciones escalonadas que empleamos con el fin de proporcionar… una introducción sin brusquedades al lenguaje dramático; las dificultades son presentadas en ella en forma progresiva" (8)

Operativización de los juegos pre-dramáticos:

Entonces, los diferentes autores están de acuerdo que existen dos tipos de juegos o ejercicios, los primeros son llamados juegos preparatorios, pre-teatrales, o pre-dramáticos. El segundo tipo de ejercicios llamados juegos teatrales o dramáticos que son realizados antes de empezar a aprender a trabajar un texto dramático y antes de crear un personaje, juegos que no incluiremos en el presente estudio.

Para efectos de operativizar la variable independiente, consideramos tres tipos de juegos o ejercicios pre-dramáticos: relajación, concentración y los juegos de integración grupal.

Últimos aportes de Augusto Boal

Actualmente, Boal (2001) hace una división diferente y, por supuesto, enteramente didáctica entre juegos y ejercicios. Los juegos son más un monólogo, una introversión sobre el conocimiento del cuerpo y sus posibilidades de movimiento, los ejercicios son extroversión, diálogo, trata de la expresividad de los cuerpos.

Boal (8) nos aparta de la tradicional división de los ejercicios y juegos para proponer cinco categorías diferentes:

1. Sentir lo que se toca

• Primera serie: ejercicios generales

• Segunda serie: las caminatas, cambiar nuestra manera de andar nos hace activar ciertas estructuras musculares poco utilizadas y nos vuelve más conscientes de nuestro propio cuerpo y su potencialidades

• Tercera serie: los masajes, buscamos, sobre todo, localizar las tensiones musculares, un intento de calmar, de relajar los agarrotamientos, las rigideces musculares.
• Cuarta serie: juegos de integración
• Quinta serie: la gravedad, los cuerpos mecanizan sus movimientos y buscan siempre la manera de economizar la manera de andar, de sentarse, etc, con estos ejercicios se busca reconocer esas mecanizaciones

1. Escuchar todo lo que se oye

• Primera serie: ejercicios y juegos de ritmo
• Segunda serie: la melodía
• Tercera serie: sonido
• Cuarta serie: el ritmo de la respiración
• Quinta serie: los ritmos internos

1. Activar los distintos sentidos

1. la serie del ciego
2. serie del espacio

1. Ver todo lo que se mira
2. 1. secuencia del espejo
   2. secuencia del modelado
   3. secuencia de títeres
   4. juegos de imagen
   5. juegos de máscaras rituales
   6. la invención del espacio y las estructuras espaciales del poder
   7. juegos de integración del elenco
   8. los juegos extravertidos
   9. los juegos introvertidos
3. La memoria de los sentidos

1. relacionando memoria, emoción e imaginación

El aporte de Stanislavsky

Nunca se podrá dejar de mencionar a Stanislavsky cuando se habla de la formación de actores, de la enseñanza del teatro en cualquier nivel o espacio o con diferentes objetivos pedagógicos e incluso terapéuticos. Sus principios se mantienen todavía como la base del descubrimiento del trabajo del actor y sobre todo, sentó los cimientos para que cualquier persona pueda desarrollar un trabajo actoral artístico, es decir, dio la oportunidad a todos para desarrollarse en este arte.

Consideramos que los títulos de sus libros abren 3 grandes espacios de indagación:

• La formación del actor
• La creación del personaje
• Mi vida en el arte

Para los fines del presente estudio nos limitaremos a recoger sus descubrimientos señalados en su primer tema sobre la formación del actor o el trabajo del actor sobre sí mismo y exclusivamente en la importancia de la relajación y concentración en la atmósfera creativa o para obtener un estado creador en el actor. Decíamos descubrimiento por que creemos que no creó un sistema, Stanislavsky des-cubrió con su aguda observación e intuición lo que estaba oculto para nosotros, ahí estaban frente a sus ojos el natural talento de los actores, lo que ya está en la naturaleza no se crea, sólo se descubre.

Konstantin Stanislavsky nació en Moscú el 17 de enero de 1863, hijo de un acaudalado fabricante que apoyó su labor de investigador teatral. En el año 1897 se junta con Vladimir Nemiróvich Dánchengo y funda el Teatro de Arte de Moscú, a partir de 1907 se dedicó a desarrollar un sistema para la formación de actores. Partiendo de la observación de la técnica empleada por los actores destacados, encontró que los actores que recordaban sus propios sentimientos y experiencias al momento de interpretar o ensayar su personaje, podían establecer un vínculo especial con el público, y para llegar a ese momento nos dio los elementos claves: la relajación y la concentración. Stanislavski descubrió que los grandes actores unían a un cuerpo cómodo y relajado una gran concentración en escena.

1. Relajación

"Relajarse es como concentrarse y meterse en nosotros mismos para sentirnos bien, alejados de las preocupaciones y con el cuerpo bien blandito y suave ,eso era lo que él llamaba preparar nuestro cuerpo y nuestro pensamiento para empezar a jugar al teatro" (pág30)Mantilla, Luis, La aventura del teatro, Ed Espasa Calpe, España 2000

En la práctica actual, cuando participamos en los ejercicios de relajación encontramos dos tendencias, una pone énfasis en el peso del cuerpo "sentir el cuerpo pesado…" y la otra manera de llegar a la relajación es pasando por la tensión muscular; "imagínense que están dentro de una caja de acero y desean salir y romper esa caja de acero con todo su cuerpo… " estas dos formas proceden de dos técnicas que pasamos a resumir a continuación.

1. Relajación Progresiva de Jacobson

Las primeras publicaciones sobre la relajación progresiva de Jacobson son de 1929 en Chicago, y tiene varias versiones pero siempre sobre la base de tensión o contracción de los grandes grupos musculares y su relajación, poniendo atención en la sensación de ambos estados y cuya finalidad era la de provocar una tranquilidad mental al suprimir progresivamente todas las tensiones musculares.

Desde 1936 hasta los años sesenta, Jacobson continuó sus investigaciones en el Laboratorio de Fisiología Clínica de Chicago. Desde 1962, el procedimiento básico de relajación incluyó quince grupos de músculos. Cada grupo era tratado en sesiones que iban de una a nueve horas diarias, antes de continuar con el grupo siguiente, con un total de 56 sesiones de entrenamiento sistemático.

Fue Josep Wolpe quien adaptó la técnica y la redujo a seis sesiones de veinte minutos con dos sesiones de práctica diaria.

D.A. Bernstein y T.D. Brokovec (1973) en su libro "Entrenamiento en Relajación Progresiva" sistematizan un modelo que determinó un nuevo enfoque de la disciplina e influyó en el sistema de contracción que Sullón (9) describe:

1. Contracción de la mano (dos veces la mano derecha y luego la izquierda)
2. Contracción del brazo (dos veces la mano derecha y luego la izquierda)
3. Contracción de la espalda (dos veces al costado derecho y luego el izquierdo)
4. Contracción de la espalda (dos veces o inclinarse a la derecha y luego a la izquierda)
5. Contracción de los hombros (dos veces)
6. Contracción de la parte posterior del cuello (dos veces)
7. Contracción de la cara (dos veces)
8. Contracción de la parte anterior del cuello (dos veces)
9. Contracción del estómago y del pecho (dos veces)
10. Contracción de la pierna (pierna derechas dos veces, luego la izquierda)
11. Contracción del pie (pie derecho dos veces, luego el izquierdo)

1. Relajación Autógena de Schult

Consiste en una serie de frases elaboradas con el fin de inducir en el sujeto estados de relajación a través de la autosugestión,  para lograr un control psicofísico de las tensiones, influyendo sobre los músculos, los vasos sanguíneos, los órganos internos, el corazón, los pulmones y la irrigación cerebral.

El profesor va repitiendo las instrucciones utilizando la sugestión, pero solo se utilizarán estas instrucciones o frase clave o fórmula al principio, después la persona debe interiorizarlo y practicarlo solo. 

Las partes que contiene son las siguiente

1. Pesadez de los brazos y piernas:

2. Relajación de la musculatura voluntaria. Se realiza mediante la fórmula "mi brazo está pesado" que se repite 4 ó 6 veces verbal o mentalmente, después se continúa con: "mi pierna esta pesada" y así con toda la musculatura corporal esquelética o voluntaria

   Relajación de la musculatura vascular. Se pretende conseguir una dilatación de los vasos sanguíneos con el fin de aumentar el flujo sanguíneo produciendo sensaciones de aumento de calor en la zona relajada. La fórmula que se utiliza es "mi brazo está caliente" que también se repite seis veces y se continúa con "mi pierna está caliente" y luego por toda la musculatura esquelética.

3. Calor de brazos y piernas:

   Regulación de los órganos abdominales. Se ha de concentrar la mente en la boca del estómago o plexo solar y utilizando la fórmula "mi abdomen está caliente" repetida seis veces, llegaremos a notar una evidente sensación de calor en la zona de los órganos contenidos en el abdomen.

4. Plexo solar irradia calor

   Regulación del ritmo cardiaco. Se coloca la mano derecha a la altura del corazón y se utiliza la fórmula "mi corazón está tranquilo", también se repite seis veces.

5. Corazón late potente y tranquilo

   Regulación de la respiración. Se utiliza la fórmula "mi respiración es suave y tranquila" y se repite seis veces.

6. Respiración profunda y tranquila
7. Frente fresca

Regulación de la temperatura de la región cefálica. Se pretende reducir el flujo vascular para provocar una sensación de frialdad que creará una armonía y equilibrio emocional. La fórmula es "mi frente está agradablemente fresca" repetida seis veces.

Sullón (9), nos presenta un resumen para los efectos de la práctica, que divide en las sesiones siguientes:

Primera Sesión: pesadez de los brazos

Segunda Sesión: pesadez de piernas

Tercera Sesión: calor de brazos

Cuarta Sesión: calor de piernas

Quinta Sesión: plexo solar irradia calor

Sexta Sesión: corazón late potente y tranquilo

Séptima Sesión: respiración profunda y tranquila

Octava Sesión: frente agradablemente fresca

Tenemos que aclarar que cada sesión reúne una serie de sesiones, es decir la primera sesión de pesadez en los brazos puede durar por lo menos unas 6 sesiones de unos 15’ cada una y recomendada unas 2 veces al día, y no se puede pasar al brazo izquierdo si no se ha llegado a sentir pesadez en el brazo derecho.

1. La relajación actual en nuestro medio

Partiendo del trabajo inicial de Jacobson y de los ensayos de Schultz, se empezaron a desarrollar toda una gama de variaciones de los procesos originales y como si fueran tradición oral han llegado hasta nuestros días y a nuestro medio de una manera muy particular que cada quién le impone su estilo, presentándose modelos diferentes. En general las diferencias no son demasiado importantes y en el fondo lo importante es conseguir que la persona se relaje.

Además de estas técnicas, también han sido incorporadas en el entrenamiento de los actores las técnicas provenientes del Yoga, el Tai Chi, el estiramiento corporal y la respiración.

2.2.1.2 Concentración

1. Stanislavsky se refiere a la concentración de la siguiente manera. "¿Qué es un círculo? Un circulo es aquel grado de concentración en un pensamiento único en el que los nervios mediante los que funciona la atención se llevan a un punto. Pero esto no es suficiente: deben ligarse por el ejercicio del mayor estado de alerta posible de la mente, de modo que todos trabajen en la misma dirección y el imán de una idea atraiga a las demás facultades de observación hacia esa idea" (10)

   Luego se refiere a la acción física del personaje y coloca como ejemplo el de matar al rival y recomienda primero concentrarse o iniciar este circulo examinando el cuchillo o el arma. "mirad de cerca, probad su filo con el dedo, comprobad si el mango esta firme … vuestro pensamiento se concentran en un solo objeto: el cuchillo, el arma" (idem)

   En nuestros módulos tomamos esta recomendación de Stanislavky y al circulo de soledad le llamamos "punto de concentración" y es necesario explicitarlo cada vez que hagamos un ejercicio o tarea de iniciación teatral, para focalizar mejor la concentración del alumno en la observación o en el espacio o en lo que deseamos desarrollar o ejercitar.

   En tanto que nuestro enfoque es humanista guestáltico y se nutre de la filosofía oriental, nos damos la libertad de apartarnos del lenguaje estrictamente científico solamente para dar a conocer una parábola budista que nos explica sobre el tema:

   El maestro le había ordenado al discípulo que tomase un cuenco lleno de aceite hasta el borde y pasease con él en las manos por todo el pueblo sin derramar una gota. Prueba de atención. Era día de fiesta en el pueblo, y había procesiones, festejos, música y vestidos coloridos por las calles. El discípulo caminaba por en medio de toda la fiesta con el cuenco de aceite en las manos.

   Sucedió lo que tenía que suceder. El discípulo alzó la mirada y vio la fiesta. Y el cuenco en sus manos se inclinó y el aceite goteó. Ya no se podía disimular. El cuenco ya no estaba tan lleno, y las manos estaban grasientas con el aceite que chorreó.

   Volvió el discípulo y lo vio el maestro. "Veo que se ha derramado un poco de aceite. Es lo que yo esperaba. Si no hubieses levantado la mirada a la fiesta, yo te habría despedido porque estés donde estés y hagas lo que hagas has de mirar a tu alrededor y notar el entorno. Y si se hubiese derramado todo el aceite también te habría despedido porque también habías de notar lo que llevabas en las manos. Lo normal era que se derramaran unas gotas, y es lo que tú has hecho. Has pasado el examen."

   Eso es el "darse cuenta",. Fritz Perls resume su terapia Gestalt en la densa y feliz expresión, "a continuum of awareness". De eso se trata.

   http://www.carlosvalles.com/nespanol/anteriores/010305mc.htm

   b) Tipos de concentración de la atención

   Antonio Cantos Ceballos, Profesor Titular de Comunicación Audiovisual de la Facultad de Ciencias de la Comunicación de la Universidad de Málaga, nos dice que la concentración abarca, básicamente, dos tipos de atención :

   1. Atención involuntaria o espontánea es el resultado de un estímulo objetivo, y que no requiere esfuerzo alguno; ésta es la clase de atención que caracteriza a la vida cotidiana y que el actor trata de evitar cuando actúa, siempre que se convierta en una mera distracción. La atención espontánea se despierta por algo que tiene un interés o atracción personal.

   2. Atención voluntaria implica un objeto real en el que el actor está interesado y, por consiguiente, requiere de su esfuerzo, de su fe en el objeto, para que se mantenga. (11)

   La concentración de la atención que se produce al actuar en el teatro es una mezcla o combinación de atención espontánea y voluntaria: cuando el actor fuerza su atención voluntaria sobre un objeto, el  interés o atención espontánea empieza a surgir, la concentración deliberada en el objeto o idea lo hace “interesante”.

   Entonces, consideramos que existen dos tipos de concentración de la atención, una espontánea y la otra voluntaria. La primera podría darse cuando un lector, producto de la misma lectura, se distrae y mientras continúa leyendo está pensando en algo diferente a la propia lectura, y la concentración voluntaria consistiría en volver a la misma lectura pero párrafos más arriba y de seguro que sentirá que lo está leyendo por primera vez; o cuando caminando por una calle durante una noche lluviosa uno se detiene a ver la luz en un charco de agua, esto nos llama la atención en forma espontanea pero nos detenemos a ver las luces del semáforo reflejadas en el charco de agua, la intensidad, el movimiento del agua y del color, esta concentración de la atención se vuelve voluntaria.

   Fagan considera que la toma de conciencia es la concentración espontánea en lo que resulta estimulante y de interés" (12).

   "La toma de conciencia es una experiencia inmediata, que se desarrolla al mismo tiempo que tiene lugar una transacción del organismo con su ambiente en el presente, y que forma parte de ella. Aunque incluye pensamiento y sentimientos, se basa siempre en las percepciones actuales de la situación actual… " (13)

2. Circulo de soledad

   Existen ciertas interferencias que impiden la toma de conciencia, un contacto real del organismo con su ambiente y su propio cuerpo; por lo tanto impiden la concentración de la atención, estas son de tres tipos:

   Primero, el contacto perceptual insuficiente con el mundo externo y con el cuerpo mismo. A menudo los alumnos no se dan cuenta de su propia postura corporal o del sonido de su propia voz o a veces se tropiezan con los muebles por que no tienen un contacto perceptual adecuado con el espacio o está totalmente bloqueado. Recuerdo a un alumno que por primera vez sentía su espalda y cuando descubrió esta sensación empezó a sentir que sus palabras tenían más sustento o más "respaldo" u otro alumno artesano que por primera vez descubría sus manos, a "pesar que yo trabajo con mis manos…".

   Nos atrevemos a manifestar que todos los juegos pre-dramáticos conlleva este propósito, proveer al alumno la oportunidad de ampliar o desbloquear su contacto perceptual consigo mismo, con su cuerpo, sus sentimientos y su fantasía o con su ambiente, por lo tanto a tomar conciencia de su experiencia actual y así ejercitar su concentración. Por otro lado, la práctica de la relajación y concentración, ayudarán al alumno a descubrir sus zonas de tensión muscular y aprenderá a relajarlas, y de esta manera tener un cuerpo más flexible que facilitará la expresión franca de sus necesidades.

   Segundo, está bloqueada la expresión franca de sus necesidades. Por ejemplo un alumno inhibido o con miedo al ridículo sentirá calor pero será incapaz de hacer nada para evitarlo, si no expresa sus necesidades, nunca llegará a satisfacerlas realmente. Otro ejemplo podría ser un alumno con necesidad de afecto que lo expresa a medias, el resultado es una satisfacción a medias. Y esta sensación de insatisfacción continúa interfiriendo en el campo perceptual para que las otras necesidades no se organicen de manera clara y coherente, por consiguiente, impide una concentración adecuada.

   Tercero, la represión puede impedir la formación clara de la figura, la figura que contrasta con el fondo. La represión se considera esencialmente un proceso motor, "cuando surgen las necesidades e impulsos, tiende a producirse una respuesta muscular, que procura darse a conocer en el plano motor, y la única manera de inhibirla es contrayendo músculos antagónicos que eviten que ese impulso se exprese cabalmente. El ejemplo más simple sería el impulso a insultar a alguien. Supongamos que, a pesar de nuestro furor, tenemos que controlar ese impulso. Ahora bien: este proceso de control puede considerarse en términos estrictamente musculares. Las mandíbulas se contraen; hay tensiones en los brazos que impiden, por ejemplo, dar un puñetazo" (14)

   Además, el impulso no expresado de dar un grito puede quedar grabado en la garganta como un nudo de tensión, que puede convertirse en dolor de garganta o ronquera o tos. " En la represión se mantiene, mediante contracciones musculares crónicas que el individuo olvida, todo tipo de inconsciencias sobre los impulsos. Esas contracciones se vuelven habituales; el individuo se adapta a ellas y no sabe que está bloqueando algo o qué es lo que bloquea" (idem)

   Si partimos del principio que toda represión es una contracción muscular o es un proceso muscular de tensión, que evita que una necesidad o impulso sea expresada o satisfecha; es prioritario descubrir y tener conciencia de las zonas o puntos tensos del cuerpo por medio de un entrenamiento corporal y vocal para que no interfieran estas tensiones en la expresión de otras necesidades o sentimientos.

   Un ejercicio típico para este caso, luego de sesiones de relajación y concentración, es permitir al alumno a emitir sonidos imaginando que se expresa desde un punto de su tensión muscular. Por ejemplo, si el alumno descubre que su mayor punto de tensión es su hombro, se puede pasar largos minutos dirigiendo su hombro hacia diferentes puntos del espacio, acompañado continuamente de un sonido vocal cualquiera, como si saliera de su hombro; es decir, como si su hombro hablara… o también es posible probar hacer un diálogo entre el alumno y su hombro sobre la base de sonidos guturales y siempre en movimiento. Y luego preguntarle ¿de qué te das cuenta?, Y darle libertad al alumno de responder o no a esta pregunta en forma verbal o que ensaye una respuesta continuando con el mismo ejercicio expresándose con todo su cuerpo y su voz.

   Consideramos que en este ejercicio el alumno, además de entrenar su cuerpo y su voz como actor, está ejercitando y ampliando su contacto perceptual. Está ampliando su campo de concentración, su "darse cuenta" si es que entrena tomando conciencia de su cuerpo y su voz, está ejercitando también la expresión sincera de sí mismo y de sus necesidades. Y es posible que también esté concluyendo alguna experiencia inconclusa que le obligó a reprimir sus necesidades o impulsos, o simplemente reprimió una respuesta que en ese momento consideró no adecuada.

   Cuando el actor puede controlar su concentración, pueda tener un contacto real con su propio cuerpo y su ambiente, cuando ha superado el bloqueo de la expresión franca de sus necesidades y ha liberado mucho de su coraza muscular, podrá trabajar sobre cualquier idea, objeto o tema que prefiera sin esperar a que llegue "la inspiración".

   El dominio de la concentración se adquiere con la relajación y por la práctica de ejercicios sencillos de observación y de memoria sensorial, entre otras experiencias; como manipulación imaginaria de objetos en situaciones cotidianas como arreglarse, ducharse o preparar el desayuno, de tal manera que la práctica del mimo o pantomima (como prefiera llamarse) es un buen medio para ejercitar la concentración en el actor. En tanto que manipular objetos imaginarios lo obligará a transmitir la forma, peso, olor, color y textura de un "chicle" por ejemplo, también se sentirá obligado a alejar de su pensamiento todo objeto o idea que lo distraen. De esta manera el actor se va ejercitando en la imaginación de objetos y realidades cotidianas y sencillas para luego afrontar realidades más complejas como la realidad imaginaria de los sentimientos.

   Podemos pensar también en lo que es la desconcentración, en términos cotidianos nos sucede cuando estamos en un dialogo interno muy interesante con nosotros mismos que dejamos de prestar atención a la clase o a una simple conversación o nos pasamos de paradero. O en un ensayo nos preocupa más si hemos dejado la llave del agua abierta en casa o por cualquier razón estamos desconectados del mundo con un dialogo interno o damos la sensación de que estamos en otro lugar. Hemos perdido el contacto con el presente, con el aquí y el ahora por que tenemos la mente ocupada en otra cosa, es decir, nos desconcentramos.

   Una forma de aclarar la mente es dirigir mi atención a los eventos reales, por ejemplo dirigir mi atención hacia el mundo que está en mi alrededor, y hacerme receptivo a los sonidos, colores, cosas, etc. Y esto, en los juegos pre-dramáticos son los ejercicios de observación y sensibilización. O puedo mirar hacia dentro y observar mis sensaciones corporales y sentimientos. Otro ejemplo que sucede en clase cuando el profesor nos puede parecer aburrido, y nos invita a pensar en otra cosa menos en la clase, cuando este caso sucede podemos poner nuestra atención en la forma de hablar del profesor, en sus gestos y posturas corporales, es decir observándolo e imitándolo mentalmente podemos prestarle atención y, tal vez descubrir lo que nos resulta aburrido y seguramente hasta bastará recordar sus gestos, su voz, para recordar lo que dijo y aprobar el examen.

3. Dificultades para la concentración
4. Relajación y concentración como una unidad

Deseamos transcribir un párrafo del libro "Terapia Guestática" con la finalidad de mostrar cómo confluye la práctica de la relajación y la concentración. "Los ejecutantes más eximios en todas las actividades pueden, si lo necesitan o se les requiere, tomar rápida conciencia de su ejecución. Transcribiremos el testimonio de Pablo Casals sobre la función interpretativa del artista. Adviértese de qué manera se mantiene en contacto con lo que pasa cuando toca, como el malabarista, que sabe exactamente a cada instante dónde está cada una de sus clavas. Emplea su toma de conciencia para que lo oriente y lo informe en la interpretación y la ejecución:

"Una de las cosas que enseño a mis discípulos es cómo y en qué momento pueden relajar la mano y el brazo. Aun en el curso de un pasaje rápido es posible encontrar el momento oportuno para la relajación (que puede ocurrir en una décima de segundo). Esto se vuelve una necesidad vital en la ejecución y, si no se toma en cuenta, llega el momento en que uno ya no puede relajarse (que es como no poder respirar) y se produce el agotamiento. La fatiga de la mano y el brazo proviene generalmente de la tensión muscular causada por la emoción y el miedo al público. Como quiera que sea, la voluntad del ejecutante debe sobreponerse a este obstáculo, y al fin la práctica consciente de la relajación resultará muy beneficiosa para lograr el control durante un concierto …

"Si uno presta atención cuando cree encontrarse en un estado de relajación total, suele advertir que hay alguna parte del cuerpo que podría relajarse todavía más. Y no se suponga que es cosa fácil, salvo para quien ha pasado por largos ejercicios, que es justo lo que necesitamos para mantener la flexibilidad del brazo y los dedos …. Sólo este impulso, procedente del centro del cuerpo, no ya de cada extremidad, agrupará los diferentes movimientos en un todo unificado, produciendo mejores resultados con menos fatiga" (15)

1. Los juegos pre-dramáticos de integración grupal

Mientras más leemos a Stanislasvky, descubrimos que más que un método, es una ética que hasta ahora es completamente válida y necesaria conocerla. Stanislavsky decía que "antes", cuando los actores se reunían para crear una obra, era una simulación, en realidad acudían para su propia glorificación, para ganar una fama fácil, para llevar una vida fácil y disipada, y para ejercer su llamada "inspiración". Los actores pensaban principalmente en ellos mismos y hacían la obra para su lucimiento personal y con este interés personal solo había rivalidades y mala competencia.

Cuando este insuperable investigador inició sus observaciones dio este nuevo mensaje "Si desde un principio, el estudio no controla la tendencia de disputa, la susceptibilidad, la histeria, la envidia y la mala voluntad, nunca podrá producir actores competentes, por no decir grandes, capaces de atraer la atención flotante del público" (16)

"Mientras el actor concentre su atención en descubrir lo bello que hay en sí mismo y en los que lo rodean, mayor será su encanto, más fuerte las vibraciones de su trabajo creador y más poderosa su influencia en el público". (Idem)

Si el actor, alumno o persona se abre a la experiencia de descubrir lo bello de sí mismo, también se da el permiso de descubrir lo bello de las personas que lo rodean; y el descubrir lo bello de sí mismo es hacer un acto intimo de valorarse a sí mismo y valorar a sus compañeros, de tener una autoestima positiva que lo llevará a tener más encanto e influencia en su público.

Y el ambiente adecuado para descubrir lo bello de sí mismo es un clima de permisividad, de aceptar al otro en el propio espacio, en el espacio personal, cada día aceptarse más como persona creadora y aceptar al otro con sus potencialidades.

Para este fin, desde el inicio del taller se tiene que tener mucho cuidado en la relación de sus miembros entre sí y con los demás que los rodean, estas relaciones deben estar regidas por el mayor respeto recíproco, en una atmósfera de alegría, tranquilidad y entusiasmo.

Y así se va creando una atmósfera creadora, sobre la base de los ejercicios de relajación, concentración y de integración grupal.

Stanislasvky no acuñó la palabra: "integración grupal", pero en sus escritos los deja traslucir. "El que enseña en una estudio debe tener siempre en cuenta que no sólo es director o maestro, sino también amigo y colega. Debe recordar que es, por así decirlo, el feliz jornalero en el que su propio amor al arte se une al amor de aquellos que han acudido en busca de su confianza. Sólo sobre esta base y no sobre la base de la elección personal debe guiarlos el maestro para lograr un sentido de armonía consigo mismo, con sus compañeros estudiantiles y con todos sus miembros. Sólo entonces se convertirá el taller en el grupo inicial de personas en el que un sentimiento de buena voluntad de unos hacia otros se convierte en la regla de conducta general aceptada; y en donde, a su debido tiempo, se logrará la producción armónica de una obra, es decir, una producción a la altura de las exigencias de nuestro tiempo". (17)

En un taller todos son iguales, todos son unidades creadoras, por lo tanto todos son importantes, y si creamos este sentimiento de importancia en los alumnos estamos desterrando los miedos y sentimientos de minusvalía, a dejar de lado los sentimientos de vanidad, de orgullo o ese temor de parecer peor que los demás, ese miedo al ridículo, todos estos sentimientos pueden ser suprimidos en un taller de teatro. Y así, incluso sin desearlo o sin darnos cuenta, estaremos desarrollando la autoestima de los alumnos.

Las reglas en el taller de teatro:

Las reuniones de grupo de gestal tienen sus reglas propuestas por Perls y también los grupos de encuentro, que nosotros las asumimos, adaptamos e incluimos como reglas para un taller de teatro:

1. Estar en alerta cuando se abandona el ahora, y volver siempre al aquí y al ahora. Preguntarse ¿qué siento ahora? De qué me doy cuenta ahora? O Preguntar ¿Qué estas sintiendo ahora? ¿Cómo sientes tu cuerpo?
2. Yo y Tú, es muy frecuente que las personas hablen como si el destinatario de sus palabras no estuviera presente, es mejor referirse directamente a la persona que esta presente en vez de hablar sobre ella. Si se dice: "Juan siempre esta molestando" Preguntar: "¿quién molesta? Juan está presente. Así que háblale directamente". Es mejor decir: "Tú, Juan, siempre me estas molestando", así facilitamos la expresión directa de los sentimientos.
3. Estimular el uso del pronombre en primera persona, "yo", en vez de decir: "nosotros sentimos …", En muchos casos, se oculta en el plural, en el grupo, los propios sentimientos y usando el YO , cada uno es responsable de lo que siente o piensa. Además, y esto es muy importante, es preferible hablar en este lenguaje personal cuando nos referimos a nuestro cuerpo. Responder, por ejemplo, "mi brazo tiembla", es pensar como si mi brazo fuera algo aparte de mi cuerpo; es mejor decir: "estoy temblando". Que calor hace, por: "siento calor"; se te ha extrañado, por: "te extraño", el grupo te quiere; por : "te quiero"
4. No "chismear" ni hablar de alguien que no este presente
5. No forzar nunca una confesión; no forzar a nadie a decir algo que no quiere
6. Proporcionar ayuda permitiéndole al alumno recurrir a sus propios medios; preguntar "de qué manera harás… ?" En lugar de decir: "hazlo de esta manera."
7. Y si el alumno hace una pregunta, podemos pedirle que convierta en respuesta su pregunta, ¿puedo ayudar? En "voy a ayudar". Este simple cambio de pregunta a afirmación, provee un sentimiento de iniciativa, seguridad y aceptación.

Autor:

Luis Kanashiro

Biografía del Autor: Luis Kanashiro, nace y radica en Lima, Perú, es agresado de Psicología de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, actor egresado del teatro de la Universidad Católica de Lima, Actor y profesor de teatro. Coordinador de actividades teatrales del Centro Cultural Peruano Japonés.