Introducción a la comunicación

Indice1. Rasgos mas importantes del cine 2. El nacimiento del cine en EEUU 3. Captura del movimiento en una película: cómo comenzó el cine 4. Las películas se convierten o formidable 5. El negocio del cine 6. El trabajo en el cine 7. La tecnología y el futuro 8. Mercados internacionales y poder concentrado

1. Rasgos mas importantes del cine

El cine es la comunicación a través de imágenes, las múltiples dimensiones que alberga este medio de comunicación posibilitan una riqueza narrativa, lo que lo ubica como el arte y el medio de expresión característico del siglo XX. Su lenguaje obedece a leyes de una gramática y una sintaxis visual propias. Posee un conjunto de técnicas reunidas para obtener una proyección luminosa, y la restitución de movimiento registrado fotográficamente. La fusión de una serie de imágenes fijas sucediéndose rápidamente, sufriendo un ligero desplazamiento una de otra, crea la imagen móvil. En un nivel elemental y rudimentario la gramática cinematográfica se basa en los planos: forma en que es contenido el fragmento de la realidad impresionado en una película desde que se prende el motor de la cámara hasta que se detiene.

Tipos de planos general Medio Primer plano Plano americano Otro elemento gramatical importante es el encuadre: composición del contenido de la imagen, la forma que el realizador determina y eventualmente organiza el fragmento de realidad, con la infinidad de variables que esto supone. La sintaxis se apoya en las diferentes combinaciones del montaje, a las que se define como la combinación de fragmentos de un film que generan un tiempo nuevo, una nueva representación fílmica de una acción, que forma una nueva realidad. La ilusión de movimientos manifiesta los "gestos" por medio de los cuales vemos a los actores que se mueven, se besan, fuman, realizan una serie de movimientos que sin duda son propios de la cultura a la que pertenecen, pero el cine estiliza e intenta universalizar. El cine como proceso comunicativo se puede diferenciar tres planos; el plano representativo (lo que se dice), el plano expresivo (como se dice)y el plano apelativo (para que se dice). Los canales del cine:

• En cuanto a tiempo; el tiempo es predeterminado, tenemos horarios para distintas funciones, ya establecidos.
• El grado de participación; es colectivo, se encuentran varios receptores en un mismo lugar.
• Es una comunicación indirecta, requiere que el receptor se desplace, y el emisor no está físicamente presente.
• El sonido es secuencial y concreto; a través de la imagen sonora.
• En cuanto a espacio-tiempo; conjuga el tiempo en un espacio, pero se impone lo secuencial, si uno se pierde una escena, se pierde el hilo de la trama de la película.
• La distancia sicológica; involucra emocionalmente a los receptores.
• La distancia entre los actores; es indirecta.
• Es un medio caliente; tiene alta definición, permite mucha información, el receptor recibe el mensaje pleno y entero, su misión es receptiva-pasiva. Es un canal cerrado por ser un medio caliente, donde los mensajes son estructurados.
• Par analítico; es unilateral, no hay reciprocidad comunicativa.
• Grado de permanencia:
• Duración del soporte material: no hay duración del mismo.
• Duración de los contenidos en los lectores; tiene un grado de resonancia bajo, permitiéndonos volver a ver la película.
• El mensaje es fugaz y tiene poca contingencia del contenido.

2. El nacimiento del cine en EEUU

En ningún otro negocio hay un solo ejemplo de un producto completamente creado con una inversión de millones de dólares sin la, seguridad real de que el publico lo compre. En ningún otro negocio el publico 'usa' el producto y luego se va… sólo con el recuerdo del mismo. En el sentido más real, es una industria que se basa en los sueños." Sería fácil suponer que la industria cinematográfica es una de las industrias de medios de comunicación más importantes porque la publicidad en tomo alas celebridades de las películas capta un gran nivel de atención. Con frecuencia es sorprendente saber que resulta la cantidad más baja de ingresos de la industria de los medios masivos de comunicación (cerca de 4 por ciento). Las películas y las estrellas cinematográficas necesitan la atención del público porque el auditorio determina si la película fue un éxito o un fracaso. Las películas son inversiones muy costosas yen la mayor parte de ellas los productores pierden dinero. Por lo tanto, con frecuencia los inversionistas prefieren a los talentos "vendibles" que harán la continuación de una película, en lugar de los nuevos talentos sin probar. Además, inclusive las películas que presentan aun talento reconocido pueden fracasar; nadie en la industria cinematográfica puede pronosticar qué películas tendrán éxito.

El experto en películas Jason E. Squire escribe: En su forma más simple, la película es el cambio de imágenes luminosas para ganar corazones en las salas oscuras. En su forma más compleja, es una inversi6n comercial masiva, una enorme empresa creativa que requiere la disciplina logística de los militares, los pronósticos financieros de la Reserva Federal y la tolerancia psicol6gica del clero, todo utilizado en privado en favor de la narraci6n de una historia. En la industria cinematográfica, la idea es hacer películas que atraigan a vastos auditorios que acumulativamente paguen el dinero suficiente por el privilegio de verla, de modo que todos los costos implicados en la creaci6n de esa película se paguen, y aún queden reservas suficientes para hacer más películas. El motor del trabajo es el beneficio, pero la f6rmula que atrae a los auditorios es tan evasiva como solo ella puede serlo. Las películas reflejan la sociedad que las crea. Algunas ofrecen un mensaje político subyacente. Otras reflejan los valores sociales en cambio. y otras películas son un buen entretenimiento. Pero todas necesitan del público para tener éxito. Al igual que otras industrias de medios de comunicación, la cinematográfica ha tenido que adaptarse a la cambiante tecnología. Antes del invento de la televisión, las películas eran la forma principal de entretenimiento visual. En la actualidad, los efectos especiales (algo que rara vez se muestra en televisión) son la vía mediante la cual la industria cinematográfica compite con la televisión por audiencia y dinero. Pero los efectos especiales, además de ser muy costosos, no son apropiados para todas las películas. En la actualidad, la economía de la creación de películas es muy importante.

3. Captura del movimiento en una película: cómo comenzó el cine

Las películas se inventaron en una época en que la industria estadounidense daba la bienvenida a cualquier aparato, por lo que los inventores trataban frenéticamente de obtener patentes de aparatos electrónicos y eléctricos. La cámara y el proyector de película con movimiento fueron dos de los nuevos aparatos de la Revolución industrial.

Los primeros inventores nutren la industria cinematográfica Las películas no fueron invento de una sola persona. Primero se debía inventar un dispositivo para fotografiar objetos en movimiento y luego un dispositivo para proyectar esas películas. Este proceso implicó a seis personas: Étienne Jules Marey, Eadweard Muybridge, Thomas Edison, William K. L. Dickson y Auguste y Louis Lumiere. Marey y Muybridge. Étienne Jules Marey, un científico que trabajaba en París, intentaba registrar el movimiento de un animal en acciones separadas (una a la vez) para comparar un animal con otro. Hizo diagramas de los movimientos de un caballo y publicó la información en un libro, Animal Mechanism. J Desconocido para Marey, el fotógrafo Eadweard Muybridge fue contratado por el multimillonario de los trenes y criador de caballos Leland Stanford para resolver una apuesta de 25,000 dólares. Stanford había apostado que durante un carrera, las cuatro, patas del caballo se despegan simultáneamente del suelo. En 1877, Muybridge y StanfoId construyeron una pista especial en Palo Alto, California, con 12 cámaras precisamente ubicadas para tomar fotografías de un caballo a medida que éste corría alrededor de la pista. Según avanzaba el caballo desprendía una serie de cables equidistantes, los que a su vez hacían funcionar los obturadores de las cámaras. Stanford ganó sus 25,000 dólares(una fotografía demostró que las cuatro patas del caballo se separaban el suelo) y la serie fotográfica ofreció un excelente estudio del movimiento. Muybridge aumentó el número a 24 cámaras, fotografió otros animales y luego tomó fotografías de personas en movimiento. Viajó por Europa exhibiendo sus fotografías. Con el tiempo, Muybridge y Marey se conocieron. En 1882, Marey perfeccionó una cámara fotográfica que podía tomar 12 fotografías en una placa, la primera cámara de película en movimiento. Thomas Edison. En 1988, Thomas Edison compró algunas de las fotografías de Muybridge y se las mostró a su asistente, William K. L. Dickson. Posteriormente conoció a Marey en Europa, donde éste había inventado un proyector que mostraba imágenes en una tira continua de película. Pero la película de tira se movía en forma irregular a lo largo de los lentes del proyector, de modo que las películas saltaban. William K. L. Dickson. De regreso a América, Dickson perforó las orillas de la película de manera que, a medida que ésta se movía a través de la cámara, los engranajes se insertaban en las perforaciones y mantenían la película en su lugar, minimizando los saltos. Dickson enrolló la tira sobre una lámpara y una lente amplificadora en una caja de 2 pies de ancho y 4 de alto. La caja, a la que Edison denominó kinetoscopio, que tenía una mirilla en la parte superior, se colocaba en el piso de modo que la gente pudiera ver adentro. El 11 de abril de 1894 se inauguró la primera sala de kinetoscopio en la ciudad de Nueva York. Por 25 centavos de dólar, el público podía ver diez diferentes películas de 90 segundos en blanco y negro, entre las cuales se incluían "Trapeze" , "Horse Shoeing", "Wrestlers" y "Roosters". Auguste y Louis Lumiere. En Francia, los hermanos Lumiere, Auguste y Louis, desarrollaron una cámara mejorada y un proyector que podía presentar la película en una pantalla grande. La primera demostración pública de los Lumiere fue el 28 de diciembre de 1895: diez temas cortos con títulos sensacionalistas como "Lunch Hour at the Lumiere Factory" , que presentaba a los obreros saliendo de la construcción, y "Arrival of a Train at a Station". La admisión costaba un franco y los hermanos Lumiere recaudaron 35 francos. Edison lanza las películas estadounidenses Cuatro meses después de la premiere de Lumiere en Francia, Edison organizó la premiere de la primera película estadounidense con una cámara mejorada desarrollada por el inventor independiente Thomas Armat. Edison armó la nueva máquina Vitascope (un proyector cinematográfico rudimentario), y la primera demostración pública de la película en Estados Unidos fue el 23 de abril de 1896, en el cine de Koster y Bial, en Nueva York. Edison se sentó en una caja y Armat puso a funcionar el proyector en el balcón. Al principio, las películas eran un espectáculo secundario. Los propietarios de centros de diversiones las presentaban detrás de una pantalla negra en la parte posterior del centro de diversiones por un níquel extra (cinco centavos de dólar). Pero pronto las películas adquirieron mayor popularidad que el resto de las atracciones, por lo cual los centros de exhibición recibieron el nombre de nickelodeons. En 1900 había más de 600 nickelodeons en la ciudad de Nueva York, que vendían más de 300,000 entradas por día.Cada función duraba alrededor de 20 minutos. Los programas iban desde medio día hasta tarde por la noche, y muchos cines tocaban música en el exterior para atraer más espectadores. En 1907, Edison había firmado contrato con la mayor parte de los productores de la nación, así como con los hermanos Lumiere y el innovador productor francés Georges Mélies, para abastecer a ¡os cines con películas. Los cines con licencia de Edison usaban proyectores autorizados por éste y rentaban películas con su licencia, muchas de las cuales eran producidas por el mismo Edison en su propio estudio. La excepción importante al plan de cesión de derechos de Edison fue su rival, la American Biographand Mutoscope Company, comúnmente llamada Biograph. Biograph fabricó una cámara de película en movimiento mejor que la de Edison, lo cual le restaba participación en el negocio. En 1908, Biograph firmó un contrato con Edison, mediante el cual constituyen la Motion Picture Patents Company (MPPC). Las compañías autorizadas que exhibían las películas pagaban 2 dólares por semana a la MPPC,y cualquier distribuidor o exhibidor que violaba el contrato e introducía películas independientes era expulsado de la MPPC. Esta empresa recaudó más de un millón de dólares el primer año, pero era Edison quien recibía la mayor parte de las regalías. Así, Edison estableció el primer fideicomiso de películas, lo cual le dio un virtual monopolio en el negocio de la cinematografía.

La innovación se convierte en arte Todas las primeras películas eran grabaciones mudas en blanco y negro. Recién en la década de 1920 se les introdujo sonido y los experimentos a colores comenzaron en la década siguiente. Dos realizadores independientes fueron quienes introdujeron el arte en la filmación de las películas: Georges Mélies y Edwin s. Porter. Georges Mélies. El realizador francés Georges Mélies agregó fantasía a las películas. Antes de él, los realizadores sólo fotografiaban escenas teatrales o eventos de la vida cotidiana. Pero Mélies, que era mago y caricaturista antes de convertirse en creador de cine, realizaba trucos con la cámara mediante los cuales los personajes aparecían y desaparecían, o aumentaban o luego disminuían de tamaño. La película de Mélies de 1902, A Tríp to the Moon, fue la primera aventura fílmica en el espacio exterior, llena de criaturas de fantasía. Cuando sus películas, que se conocieron como películas con trucos, se presentaron en Estados Unidos, los realizadores estadounidenses se apropiaron de sus ideas. Edwin S. Porter. Edison contrató al proyeccionista Edwin S. Porter en 1899; y en la década siguiente Porter se convirtió en el realizador de películas más importante de los Estados Unidos. Hasta su ingreso a la industria, la mayor parte de las películas estadounidenses contenían trucos o eran cortometrajes documentales que presentaban eventos noticiosos (aunque algunos realizadores utilizaban temas excitantes, como Pajama Gírl y Corset Gírl para complacer al público masculino, que era el más fanático de las películas). En 1903, Porter produjo The Great traín Robbery, una película de acción con bandidos que asaltaban un tren a gran velocidad. En lugar de usar una sola locación como la mayoría de los realizadores, Porter filmó en 12 escenarios distintos. También introdujo el uso de di solvencias entre imágenes en lugar de empalmes abruptos. Las técnicas de filmación de Porter (acción y diversas locaciones) presagiaban la tradición de narración de historias, clásica en las películas de Estados Unidos.

Nace el sistema de estudio Ninguno de los actores de las primeras películas recibía crédito en pantalla, pero entonces los fanáticos empezaron a escribir cartas a la estrella de Biograph, Florence Lawrence, dirigidas a "La Chica Biograph".. En 1909, Carl Laemmele. Formó una compañía productora independiente, robó a Florence Lawrence de Biograph y le dio su crédito en pantalla, lo cual la convirtió en la primera estrella cinematográfica de Estados Unidos. Biograph fue la primera compañía que realizó películas usando el sistema de estudio. El sistema de estudio consistía en que un estudio contrataba bajo una cláusula de exclusividad un grupo de estrellas y personal de producción al que se le pagaba un salario regular, por lo cual no podían trabajar para ningún otro estudio sin autorización de su empleador. En 1901, Laemmle ganó a Mary Pickford de Biograph, al ofrecerle duplicar su salario. Según el experto en películas Robert Sklar, descubrió que "las estrellas vendían películas como nadie más podía hacerlo. Mientras que los cines cambiaban diariamente sus programas (y la práctica siguió en los cines de barrio y pueblos pequeños hasta la década de 1920), hacer que el público reconociera los nombres de las estrenas era la única forma eficaz de publicidad para ganar auditorio". El sistema de estrellas que promovía a personalidades cinematográficas para atraer público fue alimentado por .las compañías independientes, lo cual permitió llevar el atractivo de las películas más allá de la clase trabajadora. En los suburbios comenzaron a aparecer salas cinematográficas. En 1914, el presidente Woodrow Wilson y su familia presenciaron una película popular en la Casa Blanca. Entre 1908 y 1914 se duplicó el público que asistía al cine. D. W. Griffith introduce lo espectacular En 1915 surgió el primer gigante real de las películas mudas, el director O. W. Griffith, que introdujo el concepto de entretenimiento espectacular. Estas películas eran tan ambiciosas, tan grandiosas, que nadie podía ignorarlas. La extensión de la mayor parte de las primeras películas era de dos carretes, es decir, 25 minutos. Al principio, Griffith realizaba producciones de dos carretes, pero luego amplió sus películas a cuatro carretes y más, con lo cual se convirtió en el precursor del largo metraje.

La producción épica más conocida de Griffith era tan polémica coma espectacular. En The Birth of a Nation (1915) el sureño Griffith presentó una perspectiva dramática de la Guerra Civil y la Reconstrucción, en la cual reflejaba estereotipos raciales y abordaba el tema de la mezcla sexual de las razas. Era una película ambiciosa sobre un tema amargo y polémico, presentada a un público que aún no había saldado sus divisiones provocadas por la guerra. El costo de la película (aproximadamente 110,000 dólares) era cinco veces mayor que el de cualquiera de las películas estadounidenses hasta entonces realizadas. Con ésta y sus producciones épicas subsecuentes, Griffith mostró el potencial que tenían las películas como un medio masivo de comunicación para reunir a públicos numerosos. Asimismo, demostró la disposición de la gente a pagar más de un níquel por ver una película. Las películas habían pasado de los concurridos nickelodeons a la respetabilidad. Rápidamente se formaron nuevas compañías productoras para alimentar lo que parecía ser el deseo insaciable de películas por parte del público. Las primeras compañías gigantes fueron First National, Famous Players-Lasky, Metro, Lowe's, Fox y Paramount. En 1918, Paramount distribuyó 220 producciones, más que cualquier compañía antes o después.

4. Las películas se convierten o formidable

El negocio del cine cambiaba con rapidez. Cinco acontecimientos importantes de la década de 1920 lo transformaron: el movimiento de la industria a California, la adopción de la adquisición en bloques, la formación de United Artists, los esfuerzos por la autorregulación y la introducción del sonido.

Las películas van a Hollywood Durante la primera década del siglo xx, las principales compañías cinematográficas se localizaban en Nueva York, la capital del teatro. Las compañías productoras de películas viajaban ocasionalmente a Florida y Cuba para contar con luz solar, ya que era más fácil construir los escenarios en exteriores para así aprovecharla. Pero esto pronto cambió. En 1903, Harry Chandler, propietario de Los Angeles Times, invirtió en bienes raíces en Los Angeles. Chandler y sus amigos atrajeron al negocio del cine, al que ofrecieron tierra barata, un clima templado y mano de obra económica. Los productores de películas se mudaron a Hollywood.

Adquisición en bloque Los propietarios de las cadenas de teatros pronto decidieron hacer películas, a la vez que los productores de películas comprobaron que podían obtener ganancias si conservaban la propiedad de los cines, de modo que las compañías de producción empezaron a construir cines para exhibir sus propias películas. La conexión entre producción, distribución y exhibición creció encabezada por Adolph Zukor, de Paramount, quien diseñó un sistema denominado adquisición en bloque.

La adquisición en bloque implicaba que una compañía, como Paramount, firmaba un contrato con uno de sus cines con licencia hasta por 104 películas a la vez. El paquete de películas contenía algunas producciones fílmicas de "renombre" en el que participaban estrellas, pero la mayor parte de las películas del paquete eran mediocres y no incluían actores conocidos. Debido a que la cartelera de las películas cambiaba dos veces por semana, los exhibidores se desesperaban por presentar algo en la pantalla. A menudo, sin saber qué películas conformaban el bloque, los exhibidores compraban los paquetes y pagaban los precios que imponían los distribuidores. 12-20 21-29

Los campeones de United Artists se independizan En 1919, las cinco estrellas de películas más famosas (el vaquero estrella William S. Hart, Mary Pickford, Charlie Chaplin, Douglas Fairbanks y D. W. Griffith) decidieron que era tiempo de rebelarse contra el estricto sistema de distribución de los estudios. El 15 de enero de 1919, las estrellas anunciaron: Ayer se .formó un nuevo conjunto de estrellas y productores de películas, y nosotros, los titulares, para impulsar el bienestar artístico de la industria cinematográfica, convencidos de que podemos servir mejor a la gran industria creciente de las producciones ft1micas, hemos decidido unir nuestro trabajo en una asociación y, al finalizar los contratos existentes, que ahora se aproximan con rapidez a su término, lanzaremos nuestras producciones a través de nuestra propia organización. Finalmente, Hart renunció al convenio, pero los demás socios formaron una compañía llamada United Artists. Eliminaron la adquisición en bloque y se convirtieron en distribuidores de películas producidas en forma independiente, entre las cuales se incluían sus propias producciones. En sus primeros seis años de vida, UA presentó muchas películas que hoy día se consideran clásicas: The Mark of the Zorro (La Marca del Zorro), The Three Musketeers (Los Tres Mosqueteros), Robin Hood y The Gold Rush (La Fiebre del Oro). Estas películas tuvieron éxito no obstante el hecho de que UA trabajaba fuera del sistema de estudio tradicional, con lo cual demostró que era posible distribuir películas sin tener un gran estudio. Los creadores de películas se autorregularon para responder a los escándalos En la década de 1920, la industria cinematográfica enfrentó dos nuevas crisis: los escándalos que implicaban a estrellas del cine y la crítica de que el contenido de las películas era cada vez más audaz. Como consecuencia, los productores de películas decidieron autorregularse. Los escándalos de las estrellas comenzaron en 1927, cuando el comediante Roscoe "Fatty" Arbuckle organizó una fiesta maratónica en San Francisco con motivo del Día del Trabajo. Cuando la fiesta estaba por terminar, la modelo Virgina Rappe fue llevada al hospital con fuertes dolores de estómago. Virginia murió en el hospital, y Arbuckle fue acusado de homicidio. Posteriormente, se dijo que la causa de la muerte fue peritonitis por una ruptura de apéndice y la acusación fue reducida a homicidio no premeditado. Después de tres juicios, dos de los cuales terminaron en jurados suspendidos, Arbuckle fue absuelto. Luego el director William Desmond Taylor fue asesinado en su hogar. Mabel Normand, una amiga de Arbuckle, fue identificada como la última persona que había visto vivo a Taylor. Finalmente, Normand fue absuelta, pero se reveló que "Taylor" no era el nombre real del director y se sospechaba que estaba implicado en el negocio de las drogas. Los magnates y hombres de negocios de Hollywood estaban estupefactos. La Catholic Legion of Decency anunció un boicot a las películas. Prestos a defenderse, los líderes empresariales de Los Angeles se reunieron y decidieron que Hollywood debía autorregularse. Harry Chandler, de Los Angeles Times, trabajaba con líderes cinematográficos que recurrieron al ex administrador general de correos y antiguo dirigente del Partido Republicano, Will Hays, para responder a estos y otros escándalos en la industria del cine. El trabajo de Hays era dirigir la renovación moral de la industria. En marzo de 1922, Hays se convirtió en el primer presidente de Motion Picture Producers and Distribution Association (MPPDA), con un salario de 100,000 dólares al año. Un mes más tarde, aunque Arbuckle había sido absuelto, Hays suspendió todas las películas de Fatty Arbuckle. Además de vigilar el comportamiento personal de las estrellas, Hays decidió que su oficina también debía supervisar el contenido de las películas. La MPPDA, como se conocía la oficina de Hays, redactó un código de conducta para regir la industria. El 17 de febrero de 1930, la MPPDA adoptó un código de producción, el cual comenzaba con la fijación de tres principios generales: 1. No se debe producir ninguna película que degrade los estándares morales de quienes la ven. Por lo tanto, la simpatía del auditorio nunca debe inclinarse hacia el crimen, fechoría, maldad o pecado. 2. Se deben presentar estándares de vida correctos, sujetos 5610 a los requerimientos del drama y entretenimiento. 3. No deben ridiculizarse las leyes, naturales o humanas, y tampoco se debe generar simpatía por su violación. Posteriormente las reglas del código se dividieron en 12 categorías de fechorías, a saber:

• .Homicidio: "Se debe presentar la técnica del homicidio de tal manera que no inspire imitación."
• .Sexo: "No se deben presentar besos excesivos y lujuriosos, abrazos lascivos ni poses o gestos sugestivos."
• .Obscenidad: "Se prohíbe la obscenidad en palabras, gestos, referencias, canciones, bromas o sugerencias (aun cuando sólo una parte del público las comprenda)."
• .Trajes: "Se prohíben los trajes de danza que permitan exhibición indebida o movimientos indecentes de los bailarines"

Las películas permitidas ostentaban un sello de aprobación de la PCA en los títulos al principio de la película. Los productores se opusieron a la supervisión, pero la mayoría de ellos, temerosos de la censura exterior a la industria, la aceptaron. Aunque los estándares se han relajado, la autorregulación del contenido aún opera en la industria cinematográfica.

La nueva tecnología permite filmar películas sonoras Para mediados de la década de 1920, las películas mudas eran una parte establecida del entretenimiento estadounidense, pero la tecnología pronto llevó a la industria a una era inclusive más vibrante, la era de las películas sonoras. El presidente de la MPPDA, Will Hays, fue la primera persona que apareció en pantalla en la premiere pública de los filmes sonoros el 6 de agosto de 1926, en la ciudad de Nueva York. Warner Bros. Y Westem Electric habían desarrollado el sonido experimental, que consistía en siete temas cortos, entre ellos un concierto de la New York Philharmonic y una presentación cómica de comedia de revista: en conjunto, los temas cortos se llamaban The Vitaphone Preludes. Los hermanos Warner (Sam, Harry, Jack y Albert) eran ambiciosos hombres de negocios que recientemente se habían enriquecido y que vencieron a sus competidores en las películas con sonido. El 6 de octubre de 1927, The Jazz Singer, con la estrella Al Jolson, se estrenó en el cine de los Warner en Nueva York, y fue la primera película de largometraje con sonido. El filme no era totalmente sonoro, pero en su lugar contenía dos secciones con sonido sincronizado. El éxito de The Jazz Singer convenció a los competidores de Warner de no esperar más tiempo para adoptar el sonido. Así, el1 de julio de 1930, 22% de los cines seguían presentando películas mudas; en 1933, sólo 0.5% de las películas presentadas en los cines eran mudas.

Surgimiento de los florece el sistema de estudio En la década de 1930, el negocio de las películas estaba dominado por los cinco grandes: Wamer Bros., Metro-Goldwin Mayer, Paramount, RKO y 20th Century Fox. Los cinco grandes recaudaban más de dos terceras partes de los ingresos de taquilla de la nación. United Artists continuó como una compañía de distribución sólo para los productores independientes. Los cinco grandes estaban integrados verticalmente: producían películas, las distribuían en todo el mundo y tenían cadenas de cines, lo cual garantizaba que sus películas se exhibirían. Los estudios mantenían grupos de estrellas, directores, productores, escritores y personal técnico. El experto en cinematografía Tino Balio denomina "oligopolio maduro" a los estudios en este punto de su historia, un grupo de compañías con tanto control sobre una industria que ningún cambio en una de las empresas afectaría directamente el futuro de la industria. En la década de 1930, Walt Disney se convirtió en el único participante nuevo con éxito en Hollywood. Había lanzado Steamboat Willie como "1a primera película de dibujos animados con sonido" en 1928. Disney tenía 26 años de edad, y vendió su automóvil para financiar la pista sonora de la caricatura. Después de tener éxito en otros cortometrajes animados, Disney anunció en 1934 que su estudio produciría su primer largometraje animado, Snow White and the Seven Dwar.fs (Blancanieves y los Siete Enanos). Finalmente la película le costó a Disney 2.25 millones dólares, más de lo que MGM gastaba generalmente en un buen musical. La premiere de Snow White fue el 21 de diciembre de 1937, en el Cathay Circle Theater de Hollywood. Los ingresos de taquilla cayeron abruptamente en la década de 1930 a medida que la Depresión se hacía presente en todos los aspectos de la economía de Estados Unidos. Antes de enfrentar su quiebra, numerosos cines trataron de mantener sus ganancias la agregando juegos de bingo y admisiones con descuento. La única innovación que sobrevivió a la década de 1930 fue la doble función: dos películas por el precio de una. La Depresión introdujo un factor más en los presupuestos de las películas: los sindicatos. Antes de la década de 1930, la mayor parte de las actividades de la empresa cinematográfica no estaban regidos por convenios sindicales. Sin embargo, en 1937, el National Labor Relations Board eligió al Screen Actors Guild para negociar los salarios, condiciones laborales y tiempo extra. El Screen Writers Guild fue reconocido en 1938 y el Screen Directors Guild poco después. La sindicalización limitó el poder de los magnates sobre las personas que trabajaban para ellos, pero los convenios sindicales fueron aprobados a finales de la década de 1930. La Depresión acabó y los estudios emprendieron una nueva época de prosperidad.

Las peliculas brillan durante la era dorada Con estrellas glamorosas y guiones emocionantes, respaldado por un ansioso grupo de directores productores y técnicos dotados, aparte de un público insaciable, la industria de las películas llegó a su cúspide afines de la década de 1930 y principios de la siguiente. El estudio más exitoso de Hollywood era MGM, que atraía a los mejores escritores, directores y actores. MGM se concentraba en los éxitos devastadores, como The Great Ziegfield, The Wizard of Oz (El mago de Oz) y Gone with the Wind (Lo que el viento se llevó). El éxito estruendoso de Gone with the Wind no sólo demostró el carácter épico que pueden ofrecer las películas, sino que la producción fílmica también representaba un importante avance tecnológico, con un magnífico uso del color. El negocio del cine era tan rico que ni siquiera el monopolio de MGM ahuyentó a la competencia.

Desafíos del Congreso y los tribunales Antes de que la televisión llegara a todo el país en 1948, otros dos acontecimientos de fines de la década de 1940 ayudaron a revertir la bonanza de las películas que comenzó a mediados de la década de 1930: las investigaciones del House Un-American Activities Committee y la decisión de la Suprema Corte de Estados Unidos en el caso Estados Unidos contra Paramount Pictures, Inc., y otros. Los diez de Hollywood. En octubre de 1947, Estados Unidos entraba a la Guerra Fría. Ésta fue una época en que muchos funcionarios públicos, empleados del gobierno y ciudadanos estaban preocupados por la amenaza del comunismo y grupos identificados como "subversivos". El Comité contra Actividades Norteamericanas, de la Cámara de Representantes, dirigida por J. Parnell Thomas, convocó diez testigos "hostiles" de Hollywood para testificar acerca de sus conexiones comunistas. (Los testigos hostiles eran personas a las que el comité clasificaba como antiguos participantes en "actividades contra Estados Unidos". Por lo regular, esto implicaba que el testigo había sido miembro de una organización de izquierda en la década previa a la Segunda Guerra Mundial Estos ocho guionistas y dos directores se llegaron a conocer como los Diez de Hollywood. La estrategia de los Diez era aparecer ante el comité como grupo y no responder ala pregunta directa: " ¿Es o ha sido miembro alguna vez del partido comunista?" En su lugar, los Diez intentaban hacer declaraciones que cuestionaban la autoridad del comité para censurar sus inclinaciones políticas. En una serie de audiencias inquisitoriales, el comité rechazó el testimonio de los Diez y los sometió a juicio por desacato. Todos fueron sentenciados a prisión y algunos fueron multados. A finales de noviembre de 1947, los Diez de Hollywood habían perdido su empleo. Les siguieron muchos otros que trabajaban en el medio cinematográfico. En un artículo que apareció en Hollywood Review, un miembro de los Diez de Hollywood, Adrian Scott, afirmaba que 214 empleados de la industria cinematográfica estaban en la lista negra, lo que significaba que muchos estudios se negaban a contratar a personas de quienes se sospechaba que habían participado en actividades subversivas. La gente del medio cinematográfico que no era contratada por sus creencias políticas incluía a 106 escritores, 36 actores y 11 directores,171o cual, efectivamente, privó a Hollywood de algunos de sus mayores talentos. Estados Unidos contra Paramount Pictures. El Departamento de Justicia de Estados Unidos comenzó otro juicio antimonopolio en contra de los estudios en 1938. En 1940, los estudios llegaron a un acuerdo con el gobierno, por el cual éste admitía su inocencia. Acordaron: 1. Limitar la adquisición en bloque a cinco películas. 2. Cancelar la adquisición sin conocimiento (la práctica de rentar películas sin permitir que se vieran primero). 3. Eliminar la obligación de que los cines rentasen cortometrajes como una condición para adquirir películas con personajes conocidos. 4. Suspender la compra de salas cinematográficas. Después de este convenio, el Departamento de Justicia retiró su demanda con la condición de que el gobierno podía reactivarla en cualquier momento. En 1944, el gobierno aún estaba inconforme con el control del estudio sobre los cines, de modo que impulsó nuevamente la demanda. En 1948, el caso de Estados Unidos contra Paramount Pictures llegó a la Suprema Corte. El juez William O. Douglas, sostuvo que, aunque los cinco estudio más importantes (Paramount, Warner Bros., MGM-Loew's, RKO y 20th Century-Fox) sólo tenían 17% de todos los cines de Estados Unidos, los estudios monopolizaban las exhibiciones de estreno en las grandes ciudades. Como consecuencia de la decisión de la Suprema Corte, en 19541as cinco empresas de producción más importantes se desprendieron de la propiedad o el control de todos sus cines. La producción y la exhibición se dividieron; la integración vertical se desmoronaba. Cuando las compañías cinematográficas abandonaron el negocio de la exhibición; . los bancos se mostraron cada vez más renuentes a financiar los proyectos fílmicos dado que las compañías no podían garantizar documentalmente un auditorio. Pronto los, estudios decidieron dejar el negocio de la producción a las empresas independientes Y'; se convirtieron principalmente en distribuidores de las películas de otras compañías. E] resultado fue el final del sistema de estudios.

La televisión transforma la industria de las películas En 1950, en la película de Paramount sunset Boulevard, la madura estrella de la pantalla silenciosa Norma Desmond (interpretada por Gloria Swanson) galantea con un joven guionista ambicioso (interpretado por William Holden) al prometerle conexiones en Hollywood. "Usted es Norma Desmond. Solía aparecer en las películas mudas. Era grandiosa", dice el guionista. "Soy grandiosa", le contestó Desmond. "Son las películas las que se achican". Desmond podría haber estado hablando de la misma empresa cinematográfica, la cual se redujo de manera impresionante en 1948, cuando la televisión a nivel nacional empezó a ofrecer entretenimiento para el hogar. Las audiencias de la Cámara y los decretos unánimes en el caso de Paramount predecían un cambio en la industria fílmica, pero lo que en realidad transformó a Hollywood para siempre fue la televisión. En la década de 1950, el número de televisores aumentó 400% en tanto que el número de personas que asistía al cine disminuyó 45 por ciento. Los cines trataron de compensar la pérdida por medio del aumento de sus precios de admisión, pero más de 4,000 salas cerraron entre 1946 y 1956.19 La asistencia se ha nivelado o aumentado brevemente en algunas ocasiones desde la década de 1950, pero la tendencia hacia la disminución de la asistencia al cine persiste en la actualidad. La industria cinematográfica ha probado varios métodos para contrarrestar esta tendencia a la reducción. La pantalla gigante y el cine en tercera dimensión. Afectada por la popularidad de la televisión, la industria cinematográfica probó nuevas ideas tecnológicas en la década de 1950 para recapturar su auditorio. Primero aparecieron las películas en tercera dimensión, que utilizaban efectos especiales para crear la ilusión de acción tridimensional. Por ejemplo, las rocas parecían salir de la pantalla dirigiéndose al público. Para ver las películas en tercera dimensión, los espectadores debían usar lentes de plástico especiales. La novedad era divertida, pero los argumentos de las películas 3D eran débiles, y la mayor parte de los espectadores no regresaba a ver una segunda película de este tipo. Después aparecieron las películas a colores de pantalla gigante con sonido estereofónico Cinerama, Cinemascope, Vista Vision y Panavision. Todas estas técnicas trataban de dar al auditorio una sensación de " que estaba ahí" , algo que no podían obtener del televisor. Cambios en la censura de las películas. El 26 de mayo de 1952, la Suprema Corte anunció en el caso de Burstyn contra Wilson que las películas eran "un importante medio para la comunicación de las ideas", y que estaban diseñadas "para entretener así como para informar" .El efecto de esta decisión fue proteger las películas de acuerdo con la Primera Enmienda. El resultado fueron menos restricciones sobre lo que podía presentar una película. En 1953, Otto Preminger desafió al organismo de autorregulación, el Production Code Administration. United Artists decidió lanzar la película de Preminger The Moon Is Blue, aun cuando la PCA había negado su aprobación para la misma porque contenía palabras tan atrevidas como virgen y amante. Luego, en 1956, United Artists lanzó Man with the Golden Arm (El hombre del brazo de oro), también de Preminger, una película sobre drogadicción, la cual eliminó para siempre las restricciones de la PCA. Estimulados por la decisión sobre Burstyn y la prueba de United Artists, los productores de películas probaron con el sexo y la violencia para atraer público apartándolo de la televisión. En la década de los cincuenta, Marilyn Monroe y Jane Russell ofrecieron generosos ejemplos de la nueva tendencia. Las películas extranjeras también se popularizaron porque algunas de ellas ofrecían un diálogo explícito y escenas de amor. Películas espectaculares. Uno por uno, los magnates de los estudios se retiraron, pero fueron sustituidos por una nueva generación de productores. "Ellos [la segunda generación] heredaron una situación en que cada vez se hacían menos películas, y eran aún menos las que lograban ganancias", dice Robert Sklar, "pero las que captaron la taquilla ganaron enormes sumas. Era como si se hubieran cambiado las reglas del béisbol para que los únicos hits que importaran fueran los cuadrangulares." Las películas espectaculares como The Sound of Music (La Novicia Rebelde) (1965) y The Godfather (El Padrino) (1971) y sus secuelas recompensaron la búsqueda de grandes fortunas. Pero luego algunos tropiezos considerables enseñaron a los estudios que nada puede demoler las ganancias de un estudio como una gran bomba. Clasificación de las películas. En 1966, Jack Valenti, antiguo consejero presidencial de Lyndon Johnson, se convirtió en presidente dela Motion Picture Producers Association, a la cual cambió el nombre por el de Motion Picture Association of America (MPAA). Una de las primeras acciones de Valenti fue responder a la continua crítica del público acerca del contenido impactante de las películas, La MPPA aplicó un sistema de clasificación modelado con base en la G de Gran Bretaña para el auditorio general, M (después cambiada a PG) para auditorio maduro, R para restringido (personas menores de 17 años admitidas sólo con un adulto) y X, en la que no se admitía a nadie menor de 18 años. (Valenti aún encabeza la MPAA como el cabildero para los principales estudios del país. Se agregó la clasificación PG-13, donde se aconseja la supervisión especial de los padres para los niños menores de 13 años, y luego la clasificación X cambió a NC-l7X.) Al mismo tiempo, los estándares de clasificación R se han flexibilizado, lo cual deterioró aún más la eficacia del sistema de clasificaciones de público.