Paralelo periodo barroco ? perido clásico

PERIODO BARROCO

PERIODO CLÁSICO

Generalidades

El barroco, la era del bajo continuo designa peyorativamente a partir de 1750, lo ampuloso y recargado del arte antiguo.

La música del barroco se consideraba confusa en lo armónico, llena de disonancias, de dificultad melódica, poco natural, desigual.

La disposición de ánimo y la razón de ser de una época se reflejan en todas sus manifestaciones.

El barroco cultiva el lujo y el esplendor, gusta de la abundancia y lo extremado y amplía las fronteras de la realidad gracias a un ilusionismo fantástico.

Algunas características: – Tendencia a contrastes violentes. – Valoración de la fugacidad y equilibrio inestable. – Pasión creciente por la ornamentación – Tendencia a utilizar formas irregulares.

Por periodo clásico, se entiende en la historia de la música la época y el estilo de 3 grandes maestros vieneses: Haydn, Mozart y Beethoven.

Clásico significa en general lo ejemplar, verdadero, bello, lleno de proporción y armonía, además de sencillo y comprensible. Las fuerzas del sentimiento y la razón pero también el contenido y la forma encuentran un equilibrio en la obra de arte.

Contra le modo de vida barroco, lleno de pompa, ceremonial y artificio, se manifiesta el anhelo de lo sencillo y lo natural.

La música es delicada, brillante y alegre.

Se buscan tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos mayores obre los menores.

Periodizacion

Esta era se ubica de 1600 con la ópera Orfeo de Monteverdi hasta 1750 con la muerte de J.S. Bach.

En este período surge el llamado humanismo en donde ahora la música seguiría al texto ya que este último se consideraba como una expresión del hombre. Esto se logró con la presencia de una sola voz con acompañamientos que no la apocaban. Una de las formas básicas del estilo barroco fue el bajo continuo que era una base armónica que se presentaba durante toda la pieza, es decir, estructuras bien definidas en las que se hacen grupos de notas que se van combinando entre ellas.

El paso del Barroco al periodo clásico se desarrolla en diferentes estadios. Las nuevas corrientes comienzan hacia 1730 a partir del estilo galante francés y con el nuevo tono italiano en la opera bufa, la sonata y la sinfonía. Caracterizan el Rococó musical como Preclásico hacia 1750/60 y conducen al periodo clásico a través del estilo sentimental.

Con la muerte de Beethoven en 1827 se podría dar por terminado el periodo clásico, si bien ya existen con anterioridad las corrientes románticas.

Teoría musical

Si el arte Barroco representa al hombre, la música barroca representa los afectos y sentimientos de éste. Pero el hombre es concebido todavía como miembro de un todo, no como individuo con libertad personal. Para la música barroca ello no significa representación personal, sino estilizada, de los sentimientos.

En el barroco predomina la música práctica.

Clásico es el ideal de una música sin finalidad alguna, por encima de cualquier función como danza, entretenimientos, fiestas o liturgia, sin llegar a convertirse en especialidad aislada para los expertos. Se eleva y con ella el hombre aun rango superior.

La música del periodo clásico aumentó su sentido y hablo a la humanidad. Espíritu y sentimiento quedaron así tan equilibrados como contenido y forma.

El clásico mantuvo también una delimitación de los medios en lo referente a estructura, armonía, instrumentación.

Estructuras formales (CARACTERÍSTICAS)

La música barroca introduce innovaciones:

Bajo Continuo: Es la base armónica de la música barroca.

Principio Concertante: Supone una

individualización de la vos solista, cuya libertad creadora aumenta aún más con las improvisaciones y adornos.

Monodia: El barroco busca poner en música con eficacia textos dramáticos o líricos.

– Se suprimen el bajo continuo del barroco, la compleja armonía, la polifonía contrapuntística.

– Todo se centra ahora en la melodía, también la armonía; en ella se exprese al hombre de forma sencilla y natural.

Formas y generos

Formas musicales:

– Rondó: forma musical que un tema principal alterna con otros temas diferenciados

– La sonata: pieza para uno o dos instrumentos que debe "sonar" ya que se contrapone a la cantata que debe cantarse.

– La suite: Composición que consiste en una serie melodías para danzar como la allemanda, sarabanda, giga, gavota y el bouré y minueto.

– El concerto grosso.

– Las variaciones.

– El preludio.

– La fuga: Consiste de una composición que gira sobre un tema y su contrapunto, repetidos en diferentes tonos. Es como si la melodía se fugara de una voz a otra en imitaciones interminables.

Gusta el minueto por su constitución simétrica y corporal (pasos de danza) y también como forma didáctica para los compositores. Adquiere una posición central la forma sonata con su dramatismo y representación de caracteres contrapuestos, y se convierte en 1er movimiento en música de cámara y sinfónica.

La opera

Los intermedios se encuentran entre los antecedentes directos de la ópera. Se representaban entre los actos de una pieza teatral, poseían temática propia, decorados, pantomima, diálogos, música (danzas, arias, coros y, sobre todo, madrigales).

La Camerata de Florencia, desarrolló la ópera durante la última década del siglo XVI a modo de drama musical cantado en su totalidad. La intención de la Camerata era recrear el poder que tenía el drama clásico griego para conmover, utilizando la música para dar fuerza a las cualidades comunicativas de la voz humana.

Los temas de las primeras óperas proceden especialmente de los dramas pastoriles, así como de la mitología griega. Eran muy apreciadas las fuertes pasiones, milagros, magia, sorpresas.

Opera Bufa

En estas operas serias, la música ocupa un primer plano, especialmente en las numerosas arias (a menudo con instrumentos concertantes) que interrumpen la acción y expresan determinados afectos. La acción se consuma en el reccitativo secco, escrito de forma fluida.

A pesar de las reformas La opera seria como genero barroco se extingue.

El recitativo, muy importante en el libreto, es compuesto de modo superficial, incluso a veces improvisado en el escenario. Las arias son la joyas musicales de la ópera.

Las arias ponen fin a las escenas y a menudo sale del escenario el cantante. El desarrollo dramático es secundario. Al final de la ópera hay un coro o un concertante de solistas, al comienzo la sinfonía de ópera napolitana.

Los temas son recogidos de la vida diaria, desde lo cómico hasta lo sentimental y conmovedor.

La Opera Bufa

Es el equivalente cómico de la opera seria y, como ésta, procede de la escuela napolitana. Se representa sola en un programa y su carácter es burgués y alegre. Si la ópera seria predomina hacia 1720-80, la opera bufa se configura a partir de mediados del siglo.

La música sacra

La música religiosa católica (música sacra) aspira a elevar dignidad y solemnidad de la liturgia y afianzar las exaltaciones de ánimo de los fieles. Según la tradición, en primer lugar aparece el coral gregoriano homofónico. El coral, entonado por la Schola, era acompañado en la iglesia por el órgano o alternaba con un juego polifónico de este instrumento. Además del coral, en la música sacra católica figura la polifonía en estilo antiguo (a cappella) y un moderno (monódico, concertante, con bajo continuo), y además la música de órgano, la canción sacra que entona la comunidad y otros tipos de música religiosa, como oratorios, concerti ecclesiastici, cantatas, etc.

En los géneros polifónicos se incluyen: misa, motete, salmo, Te Deum, Magnificar, antífona, secuencia.

Innovaciones son principalmente el estilo monódico y el concertante. El último se había configurado, sobre todo, en San marcos de Venecia, mientras la monodia fue llevada del ámbito profano (ópera) al religioso.

La más decisiva aportación a la música sacra católica en el primer barroco se debe a Monteverdi:

– Misas y movimientos concertantes aislados.

– Ciclos de Vísperas y Magnificat, salmos e himnos concertantes.

– Motetes antiguos (polifónicos) y modernos (para solista).

– Madrigales sacros.

Los Motetes incorporaron a menudo en el siglo XVII acompañamiento orquestal y sinfonías introductorias.

La Música Sacra Católica refleja como ningún otro genero, por encima de la fe cristiana, la visión optimista de la época. Esto amplía el horizonte del compositor de música sacra y su estilo. Las misas de Mozart no se diferencian de sus óperas en el aspecto musical; el Benedictus de la Misa de Mariazell de Haydn (1752) procede incluso de un aria de su ópera bufa.

Este procedimiento denominado parodia (como Bach) responde a la tradición de la música sacra y, al mismo tiempo, al inquebrantable gozo de vivir del periodo clásico. El hombre esta lleno de ideales, su existencia y el mundo son estimulados por una armonía religiosa.

El Coral Gregoriano homofónico no desempeña un gran papel en el Periodo clásico. A veces se intentó incluirlo en la música polifónica, con lo que resultaba un efecto anacrónico.

Misa: La misa es el género principal de la música sacra polifónica. Hay dos tipos:

– Missa brevis: Para el domingo ordinario, con todas las partes o sólo con Kyrie y Gloria, rara vez con Credo.

– Missa Solemnis: Para ocasiones deter- minadas, siempre con todas las partes.

Motete: Se sitúa en la misa después de la lectura, después del Credo, en el ofertorio.

Vísperas: En el oficio se celebraban las vísperas. Consta de 5 salmos y el Magnificat.

Letanía: Plegaria de invocaciones, con recitador y formulas de repetición de la comunidad.

Eran polifónicas en conciertos sacros.

Sonata da chiesa: En el Periodo Clásico recibe este nombre una pieza con un único movimiento (forma sonata, Allegro) que se tocaba durante la lectura o el gradual.

Música de cámara

Es toda música escrita para un único ejecutante o para pequeños conjuntos de solista, como dúos, tiros, cuartetos, etc. En el barroco principalmente las sonatas para 1 ó 2 instrumentos melódicos y bajo continuo.

Aparecieron poco después de 1600, cuando se trasladó el principio monódico del canto al instrumento.

La sonata en trío es el género principal de la música de cámara barroca. Esta escrita a 3 voces (4 interpretes). La distribución habitual de las voces superiores: 2 violines, también 2 flautas, oboes, violas u otras combinaciones.

Si la sonata en trío se amplia (a partir de 2 o mas instrumentos cada voz), la música de cámara para solistas se convierte en música orquestal coral.

Hacia 1700 surgen 2 tipos característicos:

La sonata da chiesa: Utiliza el órgano para el bajo continuo.

La sonata da camera.

La música de cámara toma su nombre del lugar de su interpretación, no en la iglesia ni en el teatro sino en los salones de la corte, a los que el transcurso del siglo XVIII también tendrá acceso la burguesía. Se escribe siempre para instrumentos solistas. A partir del periodo clásico se separa asimismo la música de cámara de la música sinfónica con coro y orquesta para un publico numeroso. Como en el barroco, va dirigida, según su propia naturaleza, a un reducido circulo de expertos y aficionados.

La música de cámara para instrumentos de cuerda sin piano, en especial el cuarteto de cuerda, es una de las creaciones más genuinas de Clasicismo.

En el cuarteto de cuerda se unen la personalidad y el carácter de cada intérprete en un todo armónico en el que los miembros individuales son potenciados.

Concerto grosso

El concerto se convierte a mediados del S. XVII en el género instrumental típicamente barroco. Ya en las antiguas canzonas, sonatas y sinfonías existía esporádicamente la alternancia de todos los instrumentistas (tutti) con grupos de solistas (soli, concertino). La música francesa gustaba del cambio de registros de toda la orquesta con un trío de viento. Ello condujo a la distribución del concertino con instrumentos de cuerda o viento.

Los conciertos instrumentales se tocaban en la iglesia: a la entrada y la salida, durante la comunión, en Navidad. En el curso del S.XVII sustituyeron a las antiguas sonatas, canzonas y sinfonías de iglesia. El gusto barroco sentía predilección por los grandes conjuntos.

Los conciertos instrumentales se tocaban antes de los oratorios o intercalados entre sus actos. Además de la cuerda, los italianos potencian los oboes, trompetas y trompas en el concerto grosso, y los alemanes las flautas, oboes y fagotes.

A mediados del siglo XVIII el cambio musical decisivo que significó el paso desde el barroco al clasicismo no podía dejar de afectar al concierto. Aparte del breve florecimiento de un derivado francés llamado sinfonía concertante, el concerto grosso murió y dio paso a la sinfonía, que mantuvo gran parte de sus rasgos. No obstante, el concierto para solista persistió como vehículo del virtuosismo, indispensable para los compositores que a la vez eran intérpretes de su propia obra.

El piano suplantó gradualmente al violín como instrumento solista preferido.

Durante el clasicismo, el concierto creció aún más. Su estructura era el reflejo de un compromiso con la forma tradicional del ritornello, en un alarde de virtuosismo, así como de las nuevas formas y estilos desarrollados con la sinfonía.

Orquesta

En el siglo XVII surge también, con la primera música instrumental autónoma, la orquesta. El conjunto de varios instrumentos estaba poco regulado anteriormente. También en el barroco temprano indicaban casi siempre los compositores únicamente las tesituras vocales (soprano, contralto, etc.). Solo en el curso del siglo XVII trabajaron con las posibilidades sonoras y el timbre característicos de los instrumentos.

El concepto de orquesta se empieza a aplicar en el S. XVIII a los instrumentistas.

Evolución de los Instrumentos, formación de la orquesta.

En la búsqueda barroca de la expresión de los sentimientos se da preferencia a los instrumentos con capacidad expresiva y posibilidades dinámicas.

El violín se convierte en el principal instrumento. Oboe, flauta y trompa incrementan su sonoridad.

La base de la orquesta Barroca la conforma el Bajo continuo y la cuerda; el resto es adicional. El barroco forma la orquesta como conjunto con posibilidades de registros y sutiles gradaciones.

Aparecen Orquestas como:

– Orquesta de Corte: fiestas, diversión.

– Orquesta de la Opera de los teatros públicos

• Orquesta de iglesia.

La Sinfonía Italiana como pieza puramente orquestal se interpretaba en el Barroco tardío en la iglesia ( al comienzo de las cantatas), el teatro (al principio de óperas y ballets), en los salones y en las llamadas academias o conciertos. A partir de ella nació en el siglo XVIII la sinfonía clásica.

Distribución instrumental: cuarteto de cuerda (con contrabajo) y viento ampliado(2 oboes, 2 flautas). Las piezas, numerosas, son de carácter ligero.

Disposiciones Instrumentales

Una orquesta de la época reunía unos 30 músicos, pero también podía ser sensiblemente menor. Se contaba con el conjunto de la cuerda a 4 voces (con contrabajo), 2 oboes o 2 flautas (tocados por los mismos instrumentistas), en orquestas ricas ambos instrumentos, 2 trompas y 1-2 fagotes.

Algunos instrumentos

EL ÓRGANO

Alcanza en el Barroco su ideal constructivo. Posteriormente no habría nada que mejorar en él. En el barroco llega a su esplendor la música de órgano.

El sonido nítido y espacioso del órgano se corresponde con la percepción musical barroca: representación ampulosa, concertante, fuertes afectos y contenido especulativo y religioso que apuna más allá del hombre. La expresión subjetiva del estilo sentimental hizo que más tarde decayera la música de órgano.

INSTRUMENTOS DE TECLADO

Por música de tecla se entiende música para cualquier instrumento de la familia del órgano, clave y clavicordio.

El clavicordio: tiene un sonido muy suave, dinámica variable, es vivaz.

El clave: es más brillante, concertante, y era utilizado por los organistas como instrumento de ensayo doméstico.

Los limites con la literaturas para órgano son difusos, si bien existe:

– Genero y contenido: la música sacra está pensada principalmente para órgano, la profana (como las danzas) para clave.

– Diferencias técnicas: el clave no tiene pedal del órgano, el órgano puede mantener notas largas, cosa que el clave apenas puede hacer (notas repetidas, trinos); ambos tienen dinámica de terrazas.

Instrumentos de tecla y órgano son fundamentales en el Barroco por la posibilidad de realización del bajo continuo (ejecución de acordes y del juego concertante polifónico.)

EL PIANO

El nuevo carácter de la música del siglo XVIII engendra también nuevas estructuras y géneros en la música para Piano. Se busca la expresividad, hallándola en la melodía. El acompañamiento pasa a segundo plano. En lugar de la polifonía barroca con varias veces equivalentes predomina ahora la voz superior sobre un acompañamiento homofónico con nuevos elementos rítmicos y temáticos en la mano izquierda. La variedad armónica del bajo continuo deja paso en el estilo galante y virtuosístico a una armonía más sencilla. Posteriormente el estilo sentimental traerá consigo una nueva grabación cromática.

VIOLÍN

En el barroco, la interpretación y construcción del violín alcanzan gran altura.

En Italia la interpretación del violín se deslinda de la de la viola hacia 1600.

Desde comienzos del siglo XVII, la literatura para violín se desarrolla en la orquesta (sin técnica interpretativa compleja), la música de cámara para varios violines, en especial la sonata en trío, la literatura para violín solo.

La interpretación violinística alemana del siglo XVII es menos virtuosística.

Francia: Lully, abrió un nuevo camino para su instrumento en cuanto base de la orquesta. Bajo la influencia de la suite y de las piezas características de los clavecinistas del siglo XVII surgió la literatura para violín del siglo XVIII, con Vivaldi como modelo.

La importancia de Italia en el siglo XVIII radica en la interpretación cada vez más virtuosística, la figuración instrumental y un melodismo de impronta italiana proveniente de su amplia tradición violinística.

París se convierte en el clasicismo en el centro de la interpretación el violín.

VIOLA

Es casi exclusivamente un instrumento de orquesta.

La viola pasó a un papel secundario a partir de finales del siglo XVII y adopta diferentes tamaños.

VIOLONCHELO

Instrumento de Bajo continuo.

El violonchelo se desligó en la Segunda mitad del siglo XVIII de su labor en el bajo continuo y evolucionó como instrumento solista.

Ballet

El ballet comienza con una obertura y le sigue un recitativo en el que se salda al publico y se hace alusión al contenido casi siempre heroico o alegórico. A continuación empieza el ballet propiamente dicho, una sucesión de escenas con diálogo, canto o danza. Cada escena se llama Entrée (aparición del protagonista). Una gran danza (Grand Ballet) con todos los participantes, incluido el publico cierra la obra.

El Barroco exigía que en el ballet se presentara el virtuosismo y el arte de la danza. Al igual que en la ópera, también el nuevo espíritu de naturalidad lleva a una reforma en el ballet. Se pretende dramatizar el rígido ballet artístico al introducir una acción en la llamada pantomima de ballet, una obra de teatro sin palabras con temas apasionados.

El ballet sigue siendo primordialmente una función de coreógrafos y bailarines.

Danzas

Danzas Cortesanas.

Surgen danzas burguesas. Solo se mantuvo el minueto, sobre todo en Alemania. Era muy apreciadas las danzas de sociedad inglesas.

MELODIA

Adornos

Simple

ARMONÍA

Bajo Continuo

Es más armónico

RITMO

Más libre

Rígido

DINÁMICA

Contraste (Fuerte, Suave)

Crece, Decrece

FORMA

Concierto

Sinfonía

TIMBRE

Orquesta de Cuerdas

Orquesta Sinfónica