Arte Barroco

1. Arquitectura
2. Escultura
3. Pintura

En este pequeño trabajo se ha intentado resumir lo que significa el arte barroco en Europa durante los siglos XVII y XVIII. De la misma manera, se hace una relación de los principales autores y sus obras de arte más representativas. Se tratan temas tanto de arquitectura, escultura y pintura, así como diversos países. Esperando que sea de su agrado y que le pueda servir a alguien a la hora de realizar algún tipo de trabajo, se intentará mejorar en sucesivas publicaciones.

EL ARTE BARROCO.

El término Barroco presenta en su origen un evidente matiz peyorativo ya que, al parecer, tiene su etimología en el portugués "barrueco" (perla defectuosa). Fue acuñado por los tratadistas neoclásicos en el s. XIX para caracterizar de exageradas, grotescas y extravagantes las formas artísticas del s. XVII y parte del XVIII.

Surge por evolución del Propio Renacimiento, pero será diferente dependiendo del país donde se desarrolle. A pesar de su origen italiano cuajó rápidamente en el resto de Europa. <> Expresa las luchas entre "Fe y Razón" que caracterizan a la Europa de la época. En este mismo tiempo, se desarrolla tb la gran revolución científica. El s. XVII no sólo es moderno en cuanto a los descubrimientos científicos, sino tb por la manera como concibe la ciencia que se fundamenta en la experimentación.

Para muchos teóricos, el barroco es el fruto de la evolución natural de las formas artísticas manieristas. <> Otras teorías insisten en vincular el barroco con el fenómeno de la Contrarreforma. <> Y otros más aún, insisten en el hecho de que el barroco pudiera servir de justificación a los fines de las monarquías absolutas. <> De cualquier manera, lo podremos dividir en períodos:

1. Barroco temprano o primitivo (1580-1630).
2. Barroco maduro o pleno (1630-1680).

   Los rasgos fundamentales que lo caracterizan y lo diferencian del Renacimiento son:

   • Se contrapone a lo clásico. Pretende excitar la sensibilidad a través de la originalidad y la expresividad de sus obras.
   • Con frecuencia recurre a la exageración, al virtuosismo.
   • Tiende al dinamismo frente al estatismo renacentista.
   • El realismo contrasta con la idealización del período anterior.

   1. -ARQUITECTURA.

   Como ya se ha dicho, frente a la armonía, equilibrio y sentido estático renacentistas, se impone ahora el gusto por los contrastes, ya sean cromáticos, utilizando diferentes materiales: ladrillo, piedra, mármol, bronce… o lumínicos, alternando zonas oscuras con otras fuertemente iluminadas. Pero sobre todo predomina el interés por el movimiento, en plantas, alzados, o en los propios elementos aislados.

   Las plantas pierden ahora sus formas tradicionales, siendo ahora ovales, mixtilíneas… los muros se quiebran y ondulan, se rompen frontones y entablamentos, se retuercen las columnas, es el momento del apogeo de lo curvo, de los constantes entrantes y salientes, de la columna salomónica, de lo caprichoso e inestable.

   El aspecto decorativo jugará tb un papel destacado en el asentamiento de esta nueva estética, multiplicándose progresivamente la ornamentación hasta llegar al recargamiento, de ahí que no resulte extraño comprobar cómo los órdenes favoritos en estos momentos serán el corintio y el compuesto.

   1.1. – Italia.

   Éste será el país cuna del Barroco, el que marque las pautas a seguir en el resto de Europa, con los nombres y obras más significativos de este estilo, y con una capital indiscutible, Roma.

   MADERNO (1556-1629).

   Concluyó la Basílica de San Pedro del Vaticano, añadiendo un cuerpo a los pies del esquema cruciforme renacentista, dejándolo con forma de cruz latina. Tb levantará la fachada, baja para así admirar la cúpula de Miguel Ángel. <> Hay que añadir tb la iglesia de Sta. Susana, San Andrea del Valle, Sta. María de la Victoria (fachada de G.B. Soria), y la fachada de la iglesia de Trinidad del Monte (Plaza de España).

   BERNINI (1598-1680).

   • Baldaquino. San Pedro. Bronce. Cuatro gigantescas columnas salomónicas (fustes helicoidales); como remate cuatro volutas que convergen en su parte alta.
   • Columnata. Plaza de San Pedro. Dos tramos, uno trapezoidal, el inmediato a la fachada, y el otro un inmenso óvalo delimitado por columnas de orden colosal dispuestas en cuatro filas paralelas.
   • Scala Regia. Vaticano. Comunica la plaza y la Basílica con las estancias vaticanas.
   • San Andrés del Quirinal. El óvalo se usa tanto en la planta como en la cúpula; a la convexidad de la fachada une la más acentuada del pórtico semicircular que le adosa, subrayada por la escalinata que le precede de la misma forma.
   • Palacio Odescalchi. Familia Chigi. Cuerpo bajo a modo de zócalo o basamento y un orden colosal de columnas o pilastras encima.
   • Palacio Barberini. Sobre planta de Maderno. Colaboración con Borromini.
   • Cátedra de San Pedro. Tiene como objetivo el encerrar y sacralizar la Cátedra de San Pedro, donde, según la leyenda, se sentaba el santo a predicar. Triunfo de la Iglesia sobre los protestantes.
   • Palacio del Louvre. Proyectos que nunca se llevaron a cabo.

   BORROMINI (1599-1667).

   En sus inicios sirve como ayudante de Bernini, aunque no por ello mantendrán una buena amistad, más bien todo lo contrario. Hombre de espíritu angustiado, lo que le llevará al suicidio. Lleva a los extremos el ansia del dinamismo. Con él, los elementos arquitectónicos, incluido el espacio, adquieren una gran flexibilidad y ductilidad, capaces de curvarse, doblarse, romperse o duplicarse a su antojo. Obras:

   • San Carlos de las Cuatro Fuentes. Planta de perfil ondulado, como si en ella se hubieran fundido una cruz latina y una elipse. El entablamento repite la forma de la planta. Como cubierta, una cúpula oval rematada por una linterna octogonal de lados convexos. En la fachada repite el juego de curvas y contracurvas.
   • San Ivo de la Sapienza. Iglesia de la antigua Universidad de Roma. Sentido ascensional. Constantes entrantes y salientes, abriendo a un espacio central poligonal alternativamente tramos cóncavos y convexos. Pobreza de materiales. Interior de forma hexagonal.
   • Santa Inés. Piazza Navonna. Fachada cóncava, acercando así la alta cúpula a la misma, y la delimita con dos esbeltos campaniles.
   • Oratorio de San Felipe Neri. Ladrillo. Ondulación en los muros.
   • San Juan de Letrán. Remodelación de la iglesia.

   PIETRO DA CORTONA (1596-1669).

   • Sta María de la Paz. Pórtico bajo columnado semicircular, avanzando hacia el centro de la plaza (efecto claroscuro).
   • Stos Luca e Martina. En el foro. Planta cruz griega. Alzado muy esbelto. La fachada se curva hacia fuera, relacionándose bien con el perfil de la cúpula, tb convexo.

   RAINALDI (1611-1691).

   • Plaza del Pópolo. Iglesias casi gemelas de Sta. Mª dei Miracoli y Sta. Mª di Monte Santo. También hizo la fachada de San Andrea del Valle.

   A finales del siglo XVII, Roma pierde parte de su papel rector a favor de la zona norte de Italia, el Piamonte, con Turín como capital; y el Véneto, con Venecia.

   GUARINI (1624-1683).

   • Capilla del Santo Sudario. Turín. Sentido ascensional. Ondulaciones. Claroscuro.
   • Escribió "Tratado de Arquitectura Civil".

   JUVARA (1676-1736).

   • Basílica Superga y Palacio Stupinigi en Turín.

   LONGHENA (1598-1682).

   • Sta María de la Salud. Venecia. Tras una epidemia de peste. Planta central octogonal. Cúpula central. Deambulatorio que nos conduce al presbiterio. Relación con lo bizantino.

   1.2. – España.

   Nuestro país vivirá desde los inicios del s. XVII una situación de crisis, que repercute negativamente en el arte con una víctima clara, la arquitectura. Pocas novedades estructurales y ornamentales, sobre todo durante los dos primeros tercios del siglo.

   • JUAN GÓMEZ DE MORA (1586-1648).
   • Iglesia del Convento de la Encarnación. Madrid.
   • Iglesia de las Bernardas. Alcalá de Henares. Planta oval oculta al exterior por un cuerpo rectangular.
   • Ayuntamiento de Madrid.
   • Palacio de Sta Cruz. Madrid. Hoy Ministerio de Asuntos Exteriores.
   • Plaza Mayor. Madrid.
   • Clerecía. Salamanca.
   • Panteón Real. Bajo la iglesia de El Escorial.
   • • FRANCISCO BAUTISTA. (1594-1679).
   • Iglesia de San Isidro. Madrid.
   • Iglesia de San Juan Bautista. Toledo.
   • • PONCE DE URRANA.
   • Iglesia de los Desamparados. Valencia.
   • • JUAN DE OVIEDO. (1565-1625).
   • Iglesia de la Merced. Sevilla. Del tipo "Iglesia de cajón" (nave única, alta y estrecha).
   • • ZUMÁRRAGA.
   • Iglesia del Sagrario. Sevilla. "De cajón". Como la otra, tiene tb rica decoración en estuco de sus bóvedas, material dúctil, fácil de trabajar y barato, pero con el que se consigue dar impresión de riqueza, convirtiéndose en algo muy característico de la zona.

   En la arquitectura española del s. XVIII, se pueden distinguir dos tendencias: la corriente nacional, netamente hispánica, adoptando soluciones plenamente barrocas, y la cortesana, más equilibrada, elegante, ordenada y clara.

   • LEONARDO DE FIGUEROA (1650-1730).
   • Hospital de Venerables. / Iglesia de San Luis de los franceses. / Colegio de San Telmo. Sevilla.
   • • FRANCISCO HURTADO (1699-1725).
   • Granada: Sagrario de la Catedral, de la Cartuja y Sacristía.
   • • VICENTE ACERO.
   • Catedral De Cádiz.
   • • ALONSO CANO (1601-1667).
   • Catedral de Granada. Fachada.
   • • CHURRIGUERA.

   Son una familia de arquitectos cuyos principales miembros son José Benito, Joaquín y Alberto. De su apellido derivó el término "churrigueresco", utilizado despectivamente para referirse con él a todo lo rico y movido, aunque si bien es cierto que estas características plenamente barrocas se aprecian sobre todo en sus retablos más que en las obras propiamente arquitectónicas, donde se muestran más conservadores.

   • José Benito. San Esteban de Salamanca. El Nuevo Baztán y el Palacio Goyeneche en Madrid.
   • Joaquín. Colegio Anaya. Salamanca.
   • Alberto. Plaza Mayor. Salamanca.
   • • RIBERA (1683-1742).
   • Puente de Toledo. / Cuartel del Conde-Duque. / Hospicio. Madrid.
   • • NARCISO TOMÉ (m. 1742).
   • Transparente Catedral. Toledo. Tirando ya a Rococó.
   • • JAIME BORT.
   • Catedral de Murcia. Fachada.
   • • CONRADO RUDOLF.
   • Catedral de Valencia. Fachada.
   • • HIPÓLITO ROVIRA.
   • Palacio del Marqués de Dos Aguas.
   • • CASAS NOVOA.
   • Fachada del Obradoiro. Catedral de Santiago.

   La corriente cortesana tendrá sus máximos exponentes arquitectónicos en las grandes residencias de los Borbones, en los Palacios Reales como el de Madrid, y el de la Granja, en Segovia. Aranjuez, Riofrío y El Pardo, son obras en gran parte de arquitectos extranjeros, influidos por las cortes europeas. Es una arquitectura más clara, menos recargada, más clasicista.

   El Palacio Real de Madrid se levanta por iniciativa de Felipe V, para sustituir al antiguo Alcázar incendiado. Trabajarán en él arquitectos italianos: Juvara, sustituido a su muerte por Sachetti y Sabattini. Se repetirá en la planta la tradicional de los antiguos alcázares medievales: cuadrada, en torno a un gran patio central, con cuatro torres en las esquinas. De los exteriores destaca su grandiosidad y elegancia.

   1.3. – Francia.

   La fundación por parte de Luis XIV de las Academias de Arquitectura, Escultura y Pintura, donde se impartirá la enseñanza oficial de estas artes, favorece el desarrollo de un barroco francés eminentemente clasicista, aunque no por ello exento de monumentalidad, grandeza y nobleza.

   • FRANÇOIS MANSART (1598-1666).
   • Castillo de Blois. Le añade un nuevo edificio con pórtico central columnado con su correspondiente frontón triangular.
   • Iglesia de Val-de-Grace. París. Planta y fachada recuerdan a la del Gesú de Vignola.
   • JACQUES LE MERCIER.
   • Iglesia de la Sorbona. París. Pórtico hexástilo sobre escalinata y frontón de remate; cúpula sobre tambor y con linterna encima.
   • CLAUDE PERRAULT (1613-1688).
   • Palacio del Louvre. Fachada oriental. Cuerpo bajo a modo de zócalo, y un orden gigante de columnas pareadas encima; frontón de coronamiento sobre el eje central.
   • L. BRUANT (1635-1697).
   • Hôtel des Invalides. París. Palacio urbano.
   • JACQUES HARDOUIN MANSART (1646-1708).
   • Iglesia de los Inválidos. París. Planta centralizada: una cruz griega inscrita en un cuadrado. La fachada se escalona en profundidad en varios cuerpos. Verticalidad. Esbelta cúpula sobre doble tambor.
   • Palacio de Versalles. Existía un pequeño pabellón de caza, de tiempos de Luis XIII, que se convertirá en el núcleo en torno al cual irá creciendo este empeño, debido fundamentalmente al interés de Luis XIV. La primera remodelación se debió a Luis Le Vaun, quien conservaría su patio central o "Cour de Marbre", que se convertirá en le elemento rector del conjunto; se alargarán sus alas para así crear otros patios mayores precediéndole: la "Cour Royale" y la "Place d’Armes", dando lugar a un conjunto en forma de "U" que abraza el triple patio escalonado, del que parten tres grandes vías radiales, la central hacia París, recordando los característicos trazados en tridente italiano.
   • Aún le serían añadidos dos largos pabellones rectangulares perpendicularmente dispuestos, uno al norte y otro al sur. En definitiva, se trata de un conglomerado de edificaciones de épocas diversas que no adquirirá su aspecto definitivo hasta mediados del s. XVIII con las nuevas estancias añadidas por el arquitecto Gabriel. <> Cabe mencionar que el autor de la Sala de los Espejos fue Charles Le Brun, cubriendo esa parte del palacio, que antes estaba abierta al campo, haciendo función de terraza con vistas al jardín. <> Tan interesantes como la propia arquitectura son los jardines, trazaos a "escuadra y compás", para cuya realización contó Luis XV con Andrea Le Nôtre.

   El barroco francés don de más innovaciones presenta es en el aspecto decorativo de los interiores, donde los muros se recubren de maderas, telas, tapices, yesos, bronces y mármoles, lo que se conoce como el "estilo decorativo", cuya evolución da lugar a una serie de etapas que conocemos con los nombres de sus reyes: Luis XIII, Luis XIV, Regencia, Luis XV y Luis XVI. El más original es el conocido por "estilo Luis XV", el llamado "Rococó", con su tema más característico, la "rocalla", una especie de trozos de conchas irregulares, de formas blandas, asimétricas y curvadas, exquisitas y elegantes.

   También en el barroco francés, cabría mencionar su urbanismo. La capital se transforma en una escenografía del poder, poder que se representaba en la monarquía absoluta de los Borbones (en Roma eran los Papas). Se crean una serie de espacios públicos muy representativos, como son las plazas reales ("Place Royale"), en donde aparece en el centro una estatua del soberano.

   • Place Dauphine (del Delfín). NO es real porque la estatua no está en el centro.
   • Place Vosgos. Cuadrada de 140 m. de lado. Fachadas regularizadas y soportales. Estatua de Luis XIII destruida en la Revolución (como todas).
   • Place des Victories. Casi circular. J.H. Mansart. Luis XIV en la paz de Nimega.
   • Place Vendôme. Cuadrada con las esquinas recortadas (octogonal). J.H. Mansart. Estatua de Luis Xiv. Luego Napoleón puso la columna de Austerlitz. Se concibió para meter aquí las academias, Biblioteca Nacional, etc. Al final hubo problemas y se hicieron casas particulares.

   1.4. Inglaterra.

   En Inglaterra los diferentes estilos se irán sucediendo con cierto retraso, el gran arraigo del gótico provoca la tardanza del Renacimiento, que se impone casi a finales del s. XVI, por lo que la arquitectura del s. XVII será eminentemente clasicista.

   • Catedral de San Pablo. Londres. Reconstruida tras un incendio parcial. Gran cúpula flanqueada por dos torres con movidos y flexibles templetes de remate. Obra de Wren.
   • Ciudad balneario de Bath. Gran plaza circular, "Circus", con fachadas uniformes, se abre es tres calles más o menos equidistantes. Obra de Wood.

   1.6. – Centroeuropa.

   La arquitectura en esta zona comienza a tener importancia tarde. La Guerra de los Treinta Años provoca una crisis económica, política y religiosa, de la que no lograrán salir hasta los años finales del s. XVII. A las influencias francesas e italianas añadirán singularidades ya más propias por la fecha del Rococó que del Barroco. La decoración rica, abundante, blanda y movida, donde domina el blanco y el oro, será la nota más característica junto al dinamismo y originalidad en el trazado de sus plantas. La decoración se reserva prácticamente a los interiores, tanto en las obras civiles como en las religiosas, llegando las naves de sus templos a parecer salones palaciegos.

   • Iglesia de la Trinidad. Salzburgo. Planta oval. Fischer Von Erlach (1656-1723).
   • Catedral de San Carlos Borromeo. Viena. En la fachada aúna un pórtico columnado clásico, una esbeltísima cúpula y dos inmensas columnas laterales de fuste helicoidalmente decorado. Mismo autor.
   • San Pedro de Viena. Ovalada. Lucas Von Hildebrant (1666-1745).
   • San Nicolás de Praga. Tribuna de ondulada balaustrada sobre capillas laterales, que se separa a su vez mediante pilastras sesgadas. Christoph Dientzenhofer.
   • Iglesia de Osterhofen. Nave única flanqueada por capillas laterales ovales, sobre las que corre una tribuna de perfil ondulado. J.M. Fischer.
   • Palacio de Wurzburgo. / Iglesia de Vierzehnheiligen. / Iglesia del Convento de Neresheim. Neumann (1687-1753).

   2. – ESCULTURA.

   Como en arquitectura, tb la escultura se verá envuelta en un acentuado afán de movimiento; los ropajes, los brazos y las piernas se separan del cuerpo y las figuras se mueven con mayor libertad. Predominan las líneas sesgadas, los escorzos, desapareciendo la simetría. Los pliegues se multiplican, arremolinan e hinchan como azotados por el viento, se hacen profundos y angulosos provocando fuertes contrastes lumínicos. <> Las obras adquieren gran variedad de puntos de vista, obligando en ocasiones al espectador a girar en su torno para tener de ellas una visión completa. No debemos olvidar que el arte barroco tenía entre sus funciones la de servir de reclamo.

   Los materiales más utilizados serán el mármol, el bronce y la madera, dependiendo de los sitios. <> En cuanto a la temática, el desnudo prácticamente desaparece (no así en pintura), quizá por el predominio de la producción religiosa, tema donde se acentúa el realismo. / El retrato incorpora el busto. / Otra novedad es la de los monumentos funerarios, generalmente con un esquema piramidal, que exaltan, por encima de todo, la fama y la virtud del difunto, cuya estatua se sitúa en el vértice, mientras que en la base se dispone el sarcófago. <> Mención especial tiene la llamada escultura urbanística: fuentes y monumentos ecuestres.

   2.1. – Italia.

   ESTEBAN MADERNO (1556-1629).

   • Santa Cecilia. Corte en el cuello.

   BERNINI (1598-1680).

   • Apolo y Dafne.
   • Tumba de Urbano VIII.
   • Cardenal Scipione Borghese. Busto.
   • Éxtasis de Sta. Teresa.
   • San Longino. Crucero de San Pedro.
   • Constantino. Ecuestre.
   • Tumba Alejandro VII. Reloj arena.
   • Busto Luis XIV.
   • David.
   • Fuente 4 ríos. Navonna.
   • Fuente del Tritón.
   • Fuente de la Barcaza.

   ALGARDI (1598-1654).

   • Olimpia.

   2.2. – España.

   Es la escultura barroca una de las manifestaciones más genuinas de nuestro arte. Por supuesto, disfruta de algunas de las características comunes de este estilo como el dinamismo, los escorzos, el dominio de la diagonal, la apertura de líneas, la abundancia de plegados, las preocupaciones lumínicas… Pero a ellas añadirá algunas notas totalmente personales, como son la fuerte atracción de la realidad y la extremada búsqueda de la expresividad, objetivos que persigue y alcanza aun a costa de la propia corrección técnica. <> El material básicamente empleado es la madera. La policromía que requiere le ayuda a acentuar el tan ansiado naturalismo. <> La temática, casi de forma exclusiva, será religiosa.

   En el siglo XVII se pueden distinguir dos escuelas: la castellana y la andaluza.

   ESCUELA CASTELLANA:

   GREGORIO FERNÁNDEZ (1575-1636).

   • Cristo yacente.
   • Cristo de la Luz.
   • Quinta angustia.
   • El Cirineo.
   • Sta. Teresa.
   • San Fco. Javier.
   • Retablos de San Miguel en Valladolid; la Concepción en Vitoria y en la Catedral de Plasencia.

   ESCUELA ANDALUZA.

   • JUAN MARTÍNEZ MONTAÑÉS (1568-1649).
   • Cristo de la Clemencia. Capilla de los Cálices de la Catedral de Sevilla.
   • Niño Jesús. Crea un tipo nuevo, generalmente desnudo.
   • Inmaculadas. De gran devoción popular.
   • San Isidro del Campo. /// Sto. Domingo de Portacoell.
   • • JUAN DE MESA (1583-1627).
   • Cristo de la Agonía. Sevilla.
   • Cristo del Gran Poder. Sevilla.
   • • ALONSO CANO (1601-1667).
   • Retablo de la iglesia de Lebrija.
   • Inmaculada. Sacristía Catedral de Granada.
   • Niño Jesús con la Cruz a cuestas. Cofradía de los Nazarenos. Madrid.
   • Adán y Eva. Sendos bustos. Capilla Mayor Catedral de Granada.
   • • PEDRO DE MENA (1628-1688).
   • Coro de la Catedral de Málaga
   • Dolorosa. Descalzas reales. Madrid.
   • Magdalena. Museo de Valladolid.
   • San Francisco. Catedral de Toledo.

   La escultura española del siglo XVIII tiene en España una figura destacada:

   • FCO. SALZILLO (1707-1783).

   Nace en Murcia. Los tipos de piezas esculpidas que más realiza son belenes y pasos procesionales, sobre todo para la Cofradía de Jesús Nazareno de Murcia, hoy convertida en Museo de Salzillo.

   • La Oración del Huerto.
   • El Prendimiento.
   • La Última Cena.
   • La Caída.
   • La Dolorosa.
   • La Verónica y San Juan.

   2.3. – Francia.

   La escultura barroca francesa introduce algunos cambios con respecto a la italiana o a la española, por ejemplo en la temática, donde el género religioso se verá relegado a favor de lo profano, más afín con la nueva clientela, no ya la Iglesia, sino el monarca y sus cortesanos. <> Temas como el retrato o los de carácter funerario. <> Se podrá apreciar una cierta evolución entre el s. XVII y el XVIII, siendo el primero más severo y serio, y más alegre, refinado y lleno de gracia el segundo.

   • Retrato de Luis XIV. A modo de emperador romano. J. Warin.
   • Cariátides. /// Mausoleo de Enrique de Borbón. Sarrazin.
   • Luis XIV. Estatua ecuestre en la Place Vêndome. Destruida en la Revolución. /// Apolo y las Ninfas /// El Rapto de Proserpina, ambas en Versalles. Obras de Girardon.

   3. – PINTURA.

   Búsqueda de la realidad. Acentuado naturalismo (aunque para ello haya que recurrir a lo feo, lo triste o lo viejo). <> Nuevos temas, como el paisaje, los bodegones, los animales, el retrato. <> Desde el punto de vista formal, será el color el que predomine sobre el dibujo, la factura suelta, las manchas sustituyen a la precisión lineal de los bordes. La luz será la que defina las formas, debilitándolas o haciéndolas más intensas según su incidencia sobre ellas. Las sombras será otro de los rasgos más singulares.

   Los sencillos esquemas triangulares serán sustituidos por la diagonal, con líneas oblicuas que cruzan violentamente las escenas. <> Buscan el movimiento y el dinamismo en los detalles y en el conjunto. Se lanzan a la conquista de la tercera dimensión, la de la profundidad. Acentuados escorzos.

   La pintura decorativa, la aplicada a la arquitectura, tendrá un desarrollo importante, cubriendo con frescos las bóvedas de templos y palacios. Técnicamente se abandona el temple y la tabla, siendo sustituidos por el óleo y el lienzo, lo que facilita el aumento de tamaño de los cuadros.

   3.1. – Italia.

   CARAVAGGIO (1573-1610).

   Fue un hombre de carácter violento, que llevó una vida bohemia, viajando de un lado a otro, llena de disputas y altercados que le hicieron dar con sus huesos en la cárcel, muriendo finalmente de malaria antes de cumplir los 40. Esta inquietante existencia se reflejará en su obra, en la que irá acentuándose paulatinamente el dramatismo. Salvo en un primer momento, donde tienen cabida algunos temas mitológicos o alegóricos, el grueso de su obra estará formado por cuadros religiosos. El elemento más destacado de su pintura será la luz y los fuertes contrastes que con ella provoca. No en vano se le considera el gran cultivador del "Tenebrismo", con la técnica conocida como "luz de bodega" Sus lienzos se irán envolviendo cada vez más en un halo de misterio.

   • Realismo.
   • Naturalismo.
   • Tenebrismo.
   • Instantaneidad.
   • Claroscuro / Sfumato.
   • Diagonales

   Entre sus obras hay que destacar:

   • Santo Entierro. Punto de vista utilizado muy bajo, casi desde el nicho.
   • La muerte de la Virgen. Tomó como modelo a una mujer ahogada en el Tíber.
   • Jugadores de Cartas.
   • Mujer tocando el laúd.
   • Cesto de frutas.
   • Mujer diciendo la buenaventura.

   ANNIBALE CARRACCI (1560-1609).

   Pertenece a la llamada Escuela boloñesa. Junto con sus hermanos Luis y Agustín fundaron la Academia dei Desiroi o degli Incaminnati, antecedente de las actuales Escuelas de bellas Artes, donde se impartían enseñanzas técnicas y tb teóricas sobre Historia de la pintura, Anatomía… e instauraron premios que incentivaran a sus alumnos. Su principal obra fueron los frescos del Palacio Farnesio en Roma, con temas inspirados en "La Metamorfosis" de Ovidio (escena de Baco y Ariadna). Aún hay algo de la época anterior, como que hay más idealismo, de ahí el tema mitológico. La composición es simétrica, sin diagonales. Aparece el paisaje. Mucho color, nada de tenebrismo. Dos conceptos básicos: "Cuadri riportati" (=marcos pintados simulando cuadros de vedad. Influencia de Rafael); y "Cuadraturismo prospecttico" (=desarrollo arquitectónico de la pintura, no se distingue lo que es escultura de lo que es pintura. Influencia de Miguel Ángel).

   GUIDO RENI (1575-1642).

   El artista más representativo de la escuela boloñesa. Influencia de Rafael. Su obra más destacada es la "Aurora" del Casino Rospiglioni de Roma. Representa a Apolo en un carro rodado por el bello cortejo de las Horas y precedido de la Aurora rociando flores sobre la tierra. Fue concebido como un gran lienzo (a pesar de estar en bóveda) sin preocupaciones por escorzos y efectos de perspectiva.

   PIETRO DA CORTONA (1596-1669).

   • Triunfo de la Divina Providencia. Palacio Barberini. Urbano VIII. Este autor utiliza el "trampe-l’oeil" (pintura simulada) para abrir toda la arquitectura del techo y dejar planear en lo alto de la sala una visión alegórica, en homenaje al Papado y a la dinastía Barberini (abejas) como si se tratase de una visión celestial. Tiene a la vez un sentido religioso y político, porque se expresa el poder político-social de los Barberini vinculados con el poder de la Iglesia.

   ANDREA POZZO (1642-1709).

   • Gloria de San Ignacio. Iglesia jesuítica de San Ignacio. Roma. Es una pintura parecida al artista anterior, con la apertura de techos en el que se prolongan pisos y pisos, con galerías, columnas y entablamentos que desemboca en un cosmos de ángeles y santos para fundirse finalmente con un cielo imaginario.

   GUERCINO (1591-1666).

   • La Aurora. Casino Ludovisi. Roma. Más movimiento que la anterior. Además, se distingue de la de Reni porque está en un abrimiento de gloria, donde se crea un efecto ilusionista.

   3.2. – España.

   Como características generales, podemos señalar el creciente aumento del naturalismo, el carácter realista, el rechazar los temas mitológicos en general; se cultivarán géneros como el retrato, los bodegones y sobre todo los temas religiosos, ya que será la Iglesia el más importante de los mecenas. <> Por lo que a las composiciones se refiere, suelen ser sencillas y serenas, aunque no faltan las líneas diagonales y las figuras en escorzo. <> Desde el punto de vista técnico cabe señalar la ausencia casi total de frescos (a diferencia de los italianos). Uno de los aspectos más destacados sea las indagaciones llevadas a cabo con la luz en el cuadro, que les lleva a realizar en fecha muy temprana grandes contrastes lumínicos. La influencia del tenebrismo llegará pronto.

   ESCUELA VALENCIANA.

   • FRANCISCO RIBALTA (1565-1628).

   Catalán. Se complace con los contrastes de luz, resaltando con ella los volúmenes de sus enérgicas figuras y proporcionando fuerza y misterio a sus composiciones.

   • La Santa Cena. Retablo mayor del Colegio de los Patriarcas.
   • San Francisco y el Ángel. Museo del Prado.
   • San Bruno. // San Juan Bautista. // San Francisco abrazando la Cruz…
   • • JOSÉ RIBERA (1591-1652).

   Játiva (Valencia), aunque gran parte de su vida transcurre en Italia. Es conocido como el "Spañoleto" por su pequeña estatura. Mezcla de luces y sombras. Extraordinario verismo, logrado al tomar modelos de la calle. Naturalismo. Bodegones.

   • Magdalena en lágrimas.
   • El martirio de San Bartolomé.
   • Bendición de Isaac.
   • Sueño de Jacob.
   • Mujer barbuda de loa Abruzzos.
   • El Patizambo.

   ESCUELA ANDALUZA.

   • FRANCISCO ZURBARÁN (1598-1664).

   Extremeño de nacimiento. Su estilo mesurado y comedido, grave y severo, se adapta bien a su gusto hacia lo cotidiano y sencillo, que él sabrá identificar envolviéndolo en un halo de solemnidad y grandeza. No hay en él ademanes descompuestos, ni llantos ni sonrisas. Desecha la sangre, la crueldad y el martirio, prefiriendo el aspecto místico y ascético de la religiosidad. Se le ha llamado el "pintor de los frailes". <> Gran sentido volumétrico. Nitidez en los perfiles. Desecha los fondos paisajísticos o arquitectónicos, prefiere los espacios cerrados. Predomina el color blanco. Claroscuro y naturalismo.

   • Convento de San Buenaventura.
   • San Hugo en el refectorio.
   • Cartuja de las Cuevas.
   • Cartuja de Jerez.
   • Monasterio de Guadalupe.
   • Bodegones.
   • • ALONSO CANO (1601-1667).

   Inicia su carrera en Sevilla, luego irá a Madrid y, finalmente, a su Granada natal.. Composiciones serenas y tranquilas. Tendencia a la perfección ideal, que le lleva a la creación de tipos que luego repite. Bellas, esbeltas y exquisitas Vírgenes de grandes ojos. Colorista.

   • La Inmaculada de Vitoria.
   • El Milagro del Pozo de San Isidro.
   • Los Siete Gozos de Sta. María.
   • • BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO (1618-1682).

   Ya de la segunda mitad del s. XVII. Representante de la belleza y de la dulzura, acercando la religión a la vida cotidiana. A diferencia del anterior, prefiere representar a la mujer y al niño.

   • Purísimas de El Escorial, de Soult y de Aranjuez.
   • Sagrada Familia del pajarito.
   • Niño de la Concha.
   • El buen Pastor.
   • Niño comiendo melón y uvas.
   • Niños jugando a los dados.
   • Niño espulgándose.
   • • VALDÉS LEAL (1622-1690).

   Representa en el panorama de la pintura barroca española el polo opuesto a Murillo: violencia, movimiento y dinamismo. Autor propenso a las exageraciones y los extremos. Realismo, llegando incluso a aludir a las banalidades de todas las cosas terrenas frente a la muerte: "In ictu oculi" y "Finis gloriae mundi".

   • DIEGO VELÁZQUEZ (1599-1660).

   Nos permitirá el tránsito desde la Escuela Sevillana a la Madrileña, pues él, sevillano de nacimiento, inicia su formación y su carrera en esta ciudad, pero desarrolla la mayor parte de su actividad en la Corte.

   Velázquez es uno de los más grandes pintores de la historia del arte. Son contemporáneos suyos Zurbarán, Murillo y Ribalta en España, y Caravaggio, Rembrandt y Rubens en Europa. En la Corte conocerá la obra de Caravaggio y la escuela de los Carracci, así como la flamenca. Tenía a su disposición, lo mejor de la vanguardia artística.

   Su vida

        En el taller de Francisco Pacheco comenzó su auténtica formación como pintor. Pinta bodegones, con un tratamiento de la luz tenebrista. Los cuadros religiosos son la fuente principal de ingresos para los pintores de la época. La Inmaculada, la vieja friendo huevos y El aguador de Sevilla.

        En 1622 Velázquez tiene su primer contacto con la Corte. Pintó el retrato de Góngora, que impresionó tanto que al año siguiente, es llamado a la Corte y nombrado pintor de cámara. Esto le permite conocer el arte acumulado en palacio y tener cierta independencia económica.

        En 1628 Rubens visita Madrid, conoce a Velázquez e influye en él. Ese mismo año pinta el Triunfo de Baco. Entre 1629 y 1631 hace su primer viaje a Italia, para conocer el arte del país. Fruto de ese viaje es su cuadro La fragua de Vulcano.

        A su vuelta de Italia, y entre 1631 y 1649 recibe el encargo de la decoración del Salón de Reino, en el Retiro. Es la época más fecunda de Velázquez. Pinta la Rendición de Breda, con lo que introduce el tema histórico contemporáneo en su pintura. Organiza el cuadro en un espacio circular que gira en torno a los protagonistas.

        Realiza los retratos de Felipe III, Felipe IV, sus mujeres, el conde-duque de Olivares, las infantas, etc. Pero también de los bufones y las gentes del pueblo que rodean a la Corte, como Pablo de Valladolid, un retrato genial por su tratamiento del fondo.

        Entre 1649 y 1651 Velázquez hace su segundo viaje a Italia. Pinta su famoso retrato del papa Inocencio X. Retrata a su esclavo Juan de Pareja, y pinta cuadros de tema mitológico, como La venus del espejo, en el que se permite el desnudo, uno de los pocos desnudos del barroco español.

        En 1651 vuelve a España reclamado por el rey para pintar los retratos de la familia real: Las meninas, un extraordinario cuadro de múltiples problemas compositivos. También toca temas mitológicos: Las hilanderas.

   Su arte

        La naturaleza, la luz y el movimiento son preocupaciones comunes a todos los artistas del barroco, pero es Velázquez quien da las soluciones más originales y quien mejor resuelve los problemas. <> Rara vez toca temas hondamente dramáticos para mostrar su realismo. Cuando se adentra en estos campos reduce el dramatismo a la mínima expresión. No copia, inventa sus composiciones. <> Utiliza el claroscuro, pero alejado del tenebrismo. Capta los efectos distorsionadores el aire interpuesto entre los objetos, lo que se conoce como perspectiva aérea: La fragua de Vulcano, La meninas o Las hilanderas. <> El color lo aplica con moderación, en pinceladas sueltas. El movimiento se crea a través de la luz y la perspectiva aérea.

   ESCUELA MADRILEÑA.

   • CLAUDIO COELLO (1642-1693).

   Pintor de cámara de los Austrias. Destaca su obra "La Sagrada Forma".

   • JUAN CARREÑO DE MIRANDA (1614-1685).

   Destaca como retratista: "Carlos II".

   3.3. – Flandes.

   La Guerra de Religión supone la total escisión entre Flandes y Holanda. La actual Bélgica, bajo dominio español, será católica, por lo que los temas religiosos seguirán siendo de primer orden, aunque si bien es cierto no será una religiosidad emotiva, sino optimista y alegre.

   PEDRO PABLO RUBENS (1577-1640).

   Sus lienzos rebosan vida, con un predominio total del movimiento. Son composiciones abiertas y dinámicas, casi siempre de acentuada diagonalidad, con una riquísima y brillante gama cromática distribuida a base de sueltas y fluidas pinceladas, con frecuencia sinuosa. Muchísimas obras de variadísima temática, aunque en algunas sólo colabora, concluyéndolas sus ayudantes.

   • El Apostolado.
   • Adoración de los Magos.
   • Exaltación de la Eucaristía.
   • Las Tres Gracias.
   • Retrato de Felipe II.
   • Retrato de María de Médicis.

   ANTON VAN DYCK (1601-1641).

   Formado con Rubens. Su larga permanencia en la corte inglesa le hace inclinarse por lo elegante y distinguido, por el buen gusto. Gran retratista. Canon estilizado y ademanes exquisitos. Composiciones armónicas. Hizo triunfar el retrato doble, donde contrapone las actitudes de los personajes. Su fama fue grande y sus encargos tantos que acabó limitándose a pintar sólo los rostros, dejando el resto a su taller.

   • Retratos de Carlos I.
   • Los condes de Bristol y Bedford.

   JACOB JORDAENS (1593-1678).

   Como los anteriores, está relacionado con Amberes. Destaca en las escenas populares. Destacar el "Rey Bebé".

   3.4. – Holanda.

   Lo reducido de su territorio, el calvinismo imperante, su condición de República en un continente de monarquías, su sociedad burguesa de comerciantes frente a la aristocracia de otros lugares, harán que desaparezca el mecenazgo de la Iglesia y la primacía del tema religioso a favor de una nueva clientela, la que prefiere temas más cotidianos, como escenas de la vida rural, interiores burgueses, paisajes, retratos, bodegones, flores, etc.

   JAN VERMEER (1632-1675).

   Fue el primero en utilizar la técnica de "plen-air", captando la luz diurna como fuente de iluminación. Parece seguro que utilizó la "cámara oscura" para ayudarse en la composición y en la perspectiva, de la que consigue un gran sentido de la profundidad. La luz generalmente entra por una ventana a la izquierda, da un incomparable esplendor a los tejidos sedosos, crea, además, una atmósfera a le vez plácida y armoniosa, en la cual se integran personajes igualmente apacibles. En sus interiores no se ven escenas de acción. Medidores espaciales. Obras:

   • Vista de Delft.
   • La callejuela.
   • El geógrafo.
   • Lecciones de música.
   • Joven del turbante.
   • El soldado y la muchacha.

   REMBRANDT (1606-1669).

   Su tema es siempre el ser humano, lo mismo cuando sufre que cuando exulta de júbilo, y como su misma persona fue el modelo más fácil de comprender y explorar, gustó de pintarse a sí mismo. <> En sus escenas bíblicas no los viste con atavíos suntuosos. <> Claroscuro. <> La luz desciende del cielo. Obras:

   • Simeón en el Templo.
   • La Cena de Emaus.
   • Autorretratos.
   • Lección de Anatomía.
   • Ronda de Noche.
   • El síndico de Pañeros.

   FRANS HALS (1585-1666).

   Estilo dinámico y emotivo. Vida cotidiana. La luz procede de la parte superior izquierda. Pincelada muy suelta. Gran retratista. Realismo. Instantaneidad. Obras:

   • La gitanilla.
   • La Bruja de Haarlem.
   • El chico de la flauta.
   • Las regentes del asilo de Haarlem.
   • Hombre con zambomba.
   • Cientos de retratos.

   RUYSDAEL y HOBBEMA.

   Sendos paisajistas, el primero de sensibilidad más intensa y vital en sus visiones de la naturaleza (vientos, cascadas, tormentas); el segundo más sereno y quieto. <> Los paisajes holandeses son inconfundibles, con la línea del horizonte muy baja, ocupando gran parte del lienzo amplios celajes nubosos.

   3.5. – Francia.

   NICOLAS POUSSIN (1594-1664).

   Vivió mucho tiempo en Roma donde asimiló la cultura clásica. Es el creador del denominado "paisaje histórico", debido a los innumerables paisajes jalonados de ruinas romanas. Sus cuadros se caracterizan por el orden y la claridad compositiva, la serenidad y el equilibrio. De sus obras destacan "Rapto de las Sabinas"; "Bacanal"; "El Parnaso"; "Pastores de la Arcadia".

   CLAUDIO DE LORENA (1600-1682).

   Paisajista de peculiar luminosidad atraído por las brumas, las neblinas, los amaneceres y las puestas de sol, luces suaves que van desvaneciéndose, y con ellas los elementos que componen sus cuadros. Vivió tb muchos años en Roma. Destaca "El embarco de Santa Paula".

    

    

   VÍCTOR MANUEL FERNÁNDEZ RUIZ

   LICENCIADO EN HUMANIDADES

   JUNIO DE 2005

3. Barroco tardío o Rococó (1680-1750).