Las obras de la época grecorromana eran desconocidas hasta entonces y abrieron a los artistas nuevas fuentes de inspiración. Otro factor que se sumó a crear este caldo de cultivo para el Renacimiento, fue la invención de la imprenta, que permitió la difusión rápida y casi universal de sus ideas y conocimientos.
Los últimos elementos decisivos en la gestación y apogeo de este movimiento fueron el desarrollo general de la riqueza en ciudades claves en la gestación del Renacimiento (que en esa época eran verdaderos estados aparte), como Florencia y Venecia, y la protección y los estímulos dados en todos los países a las artes por poderosos personajes llamados mecenas, que frecuentemente eran los mismos jefes de los Estados o los príncipes, papas y reyes.
También se produjo un cambio en las ideas. En la Edad Media, los hombres habían pensado más en el cielo que en la Tierra. Sometidos a la doctrina de la Iglesia católica, habían aceptado el lugar que el nacimiento y la tradición les habían impuesto en la sociedad.
Pero en el Renacimiento se entregaron a los goces de este mundo, se apropiaron del derecho a expresar sus ideas personales sobre la vida y la verdad, y lucharon por el poder y la gloria. Surgió un fuerte individualismo y nació un nuevo concepto de la libertad.
La imprenta sirvió de gran ayuda para la difusión de las ideas renacentistas.
¿En cuanto influyeron los mecenas?
Estas personas poderosas influyeron considerablemente en el desarrollo del Humanismo y del Renacimiento. Papas y obispos, reyes y príncipes, banqueros y comerciantes reunieron obras clásicas, llamaron a los eruditos, distinguieron a los humanistas con su amistad personal y los acogieron en sus palacios.
Entre ellos destacó en Florencia Lorenzo de Médicis, apodado el Magnífico, quien protegía a Miguel Ángel, joven escultor, al tiempo que también amparaba a otro escultor: Donatello.
Por su parte, en Milán, Luis Sforza (el Moro) protegió principalmente a Leonardo da Vinci.
Asimismo, entre los papas hubo grandes mecenas. León X quería elevar al pintor Rafael a cardenal.
Julio II proclamaba que las bellas letras eran dinero para los plebeyos, oro para los nobles y diamantes para los príncipes. Inició la reconstrucción de la basílica de San Pedro, llamando a trabajar en ella al arquitecto Bramante, a Miguel Ángel y a Rafael.
Y el Papa Nicolás V formó en el Vaticano una gran biblioteca clásica, con más de cinco mil manuscritos.
¿Cuales fueron las características del Arte Renacentista?
El renacimiento italiano fue sobre todo un fenómeno urbano, un producto de las ciudades que florecieron en el centro y norte de Italia, como Florencia, Ferrara, Milán y Venecia, cuya riqueza financió los logros culturales renacentistas.
Busto de Lorenzo de Médicis, realizado por uno de los maestros de Leonardo da Vinci, Andrea del Verrocchio.
Fue uno de los Mecenas poderosos que facilito, con su ayuda material o con su protección política, el desarrollo del Humanismo y del Renacimiento.
Estas mismas ciudades no eran producto del renacimiento, sino del periodo de gran expansión económica y demográfica de los siglos XII y XIII. Los comerciantes medievales italianos desarrollaron técnicas mercantiles y financieras como la contabilidad o las letras de cambio.
La creación de la deuda pública (concepto desconocido en épocas pasadas) permitió a esas ciudades financiar su expansión territorial mediante la conquista militar. Sus mercaderes controlaron el comercio y las finanzas europeas; esta sociedad mercantil contrastaba claramente con la sociedad rural de la Europa medieval.
De vuelta a la Antigüedad. Resurgirán tanto las antiguas formas arquitectónicas, como el orden clásico, la utilización de motivos antiguos, la incorporación de antiguas creencias, los temas de mitología, de historia, así como la adopción de antiguos elementos simbólicos. Con ello el objetivo no va a ser copiar, sino el conocimiento de las leyes que sustentan el arte clásico.
Es el renacer del empleo de los elementos constructivos y decorativos clásicos basado en la proporción, la uniformidad, la perspectiva y el orden.
Domina la horizontalidad frente la verticalidad gótica.
Surge una nueva relación con la Naturaleza, que va unida a una concepción ideal y realista de la ciencia. La matemática se va a convertir en la principal ayuda de un arte que se preocupa incesantemente en fundamentar racionalmente su ideal de belleza. La aspiración de acceder a la verdad de la Naturaleza, como en la Antigüedad, no se orienta hacía el conocimiento del fenómeno, sino hacía la penetración de la idea.
El Renacimiento hace al hombre medida de todas las cosas. Como arte esencialmente cultural presupone en el artista una formación científica, que le hace liberarse de actitudes medievales y elevarse al más alto rango social.
Ya en el campo de la pintura los pintores renacentistas se plantean el problema de la representación del espacio, de la profundidad y de la tercera dimensión. Los pintores se valen de la perspectiva y del claroscuro.
Para los pintores del Renacimiento, fue de gran ayuda el descubrimiento de la pintura al óleo. Del mismo modo, se introdujo también el uso de la tela como soporte, suplantando a la tabla; también se perfeccionó la técnica de la pintura al fresco.
Otra innovación de la pintura del Renacimiento fue la composición en pirámide que organiza la obra de una forma clara.
Etapas del Arte del Renacimiento en Italia
El origen del arte renacentista estuvo en Italia, y suele dividirse en tres etapas con los términos italianos:
Quattrocento (siglo XV) centrado en Florencia
Cinquecento (siglo XVI) centrado en Roma
Los artistas renacentistas concebían sus obras según los modelos de la antigüedad clásica. Sin embargo, le agregaron una cierta idealización. Belleza y armonía se convertían en un valor que debía representar las reglas naturales: el principio del orden divino sobre las cosas. Con este concepto, no existía peligro de entrar en conflicto con las ideas del cristianismo.
Se estableció un modelo de belleza para las proporciones ideales del cuerpo humano y se clasificaron los estilos clásicos en diferentes tipos. Estas adopciones sentaron las bases de un arte más científico, caracterizado por la luminosidad y el equilibrio. El estudio de las leyes de la óptica dio como resultado la perspectiva central, que desde entonces y por más de 500 años ha dominado en pintura y escultura.
Durante el Renacimiento también cambió la condición del artista, que dejó de ser un artesano insertado en un gremio. Los principales artistas fueron acogidos por las clases altas y surgió el concepto de artista en el sentido moderno, libre y entregado conscientemente a la expresión de sus actitudes personales y puntos de vista propios.
¿Cuáles eran las principales disciplinas artísticas que realzaron el renacimiento?
Entre las disciplinas artísticas que se manifiestan esta la pintura, la escultura y la arquitectura.
La Escultura del Quattrocento
Las primeras manifestaciones artísticas del renacimiento, en los comienzos del siglo XV, se dan en el campo de la escultura. Tres florentinos realizaron algunas innovaciones que supusieron una ruptura con las convenciones del estilo gótico.
El primero fue Filippo Brunelleschi precursor de la perspectiva lineal. Convertido en arquitecto, fue el primer constructor del renacimiento. Diseñó la enorme cúpula octogonal de la catedral de Florencia, terminada en el año 1436, para lo que estudió a fondo la arquitectura clásica, especialmente el colosal panteón de Agripa. Dicha cúpula está considerada como una proeza tanto desde el punto de vista artístico como del de la ingeniería desde los tiempos de los romanos. Brunelleschi, que estudió en Roma, fue el responsable de este resurgir clásico en la arquitectura. Introdujo nuevas fórmulas de racionalización del espacio aplicadas tanto a las construcciones públicas como privadas que se convirtieron en únicas dentro del estilo renacentista.
Lorenzo Ghiberti representa el prototipo de artista de esta primera etapa renacentista; fue arquitecto, escultor, pintor y, además, comentarista de arte. Sobre todo es conocido por los relieves que realizó en bronce dorado para la puerta del baptisterio de San Giovanni, Florencia; ilustran temas del Antiguo Testamento y fueron muy elogiadas por Miguel Ángel quien la denominó la Puerta del Paraíso (1425-1452), nombre con el que se conocen desde entonces.
Donato di Niccolò di Betto Bardi, más conocido como Donatello fue uno de los artistas más influyentes del renacimiento no sólo por la fuerza expresiva de sus figuras sino porque, a pesar de ser florentino, trabajó en Venecia, Padua, Nápoles y Roma y, de ese modo, sirvió como vehículo de difusión de innovaciones artísticas en Italia, sobre todo en lo que se refería a la perspectiva. Sus esculturas representan la figura humana en su infinita diversidad de edades, gestos, actitudes y movimientos.
Entre sus principales obras destacan el bronce del David (c. 1430-1435, Florencia, Museo del Bargello), que representa al héroe bíblico con la cabeza de Goliat a sus pies. La figura semidesnuda, concebida para ser rodeada por otras, fue la primera escultura exenta realizada desde la antigüedad. Otra gran obra maestra es la Cantoria o Galería de niños cantores (c. 1433-1439, Florencia, Museo dell´Opera del Duomo) realizada para la catedral de Florencia, y la escultura ecuestre del condotiero Gattamelata (1446-1450, Padua) inspirada directamente en la escultura ecuestre del emperador romano Marco Aurelio. Donatello, que trabajó en terracota y madera, hizo uso de la perspectiva de Brunelleschi para ejecutar sus relieves. Sus esculturas exentas y expresivas, a menudo representan a santos que fueron el modelo de los escultores de la siguiente centuria.
La Arquitectura del Quattrocento
Las primeras manifestaciones de arquitectura renacentista surgen en Italia, en Florencia, ciudad que, por su prosperidad material y gustos refinados, ofrecen condiciones al desarrollo brillantes de las artes.
La arquitectura del Renacimiento se va a caracterizar, naturalmente, por el empleo de los elementos constructivos grecorromanos: arco de medio punto, bóvedas de cañón, frontones, órdenes clásicos, etc. Como materiales, se utilizan la piedra -rústica o desbastada-, el mármol y el ladrillo.Los monumentos más importantes son las iglesias, inspiradas en la basílica cristiana, y el palacio, que es creación renacentista.
Arquitectura religiosa
En la primera del siglo XV, la planta de la iglesia es, como la de la basílica, de tres naves y con testero plano, es decir, sin girola; y, a veces, con crucero. La planta de cruz latina o griega se generaliza en la madurez del estilo. Un elemento que adquiere gran importancia es la cúpula. Se levanta en el crucero, sobre una linterna octogonal, y remata en otra pequeña linterna con su correspondiente cupulín.
Con frecuencia la cúpula es doble, formada por dos cascarones distintos -semiesférico el de dentro y peraltado el de fuera-, unidos por anillos y contrafuertes interiores. Brunelleschi empleó el sistema en las Iglesias de Santa María de las Flores (Florencia), pero ya había antecedentes en el baptisterio de la misma catedral y en la catedral vieja de Salamanca de España, del siglo XII. Los cielorrasos son planos, artesonados, y las tres naves, separadas por columnas aisladas (Brunelleschi). Después, se impone la nave única, con bóveda de medio cañón reforzada por los contrafuertes de las capillas laterales (Alberti). En cuanto a los órdenes, al principio, domina el corintio; luego se introducen los otros, admitiéndose, al modo romano, la superposición de órdenes en un mismo edificio. El arco es, casi exclusivamente, de medio punto, y puede descansar, bien sobre un pequeño establecimiento (Brunelleschi), sobre una imposta (Alberti) o directo sobre el capitel. Columnas, pilastras, molduras y nichos cumplen a menudo una función ornamental. La escuela veneciana empleó el llamado orden colosal, invento de Palladio, que abarca dos pisos.
Arquitectura Civil
Los edificios civiles son creaciones originales de los arquitectos renacentistas; el palacio señorial, que puede describirse como un gran cubo de piedras rematado por una ancha cornisa. En el siglo XV, el palacio florentino típico tiene los sillares sin pulir (aparejo rústico). Más tarde, estos bloques se labran, dejando sin desbastar solo las cadenas esquineras.
Las ventanas pueden terminar en arco de medio punto o en un pequeño frontón sostenido por columnas. El frontón triangular es el remate obligado del cuerpo superior en la fachada de toda iglesia renacentista, sobre todo en el período avanzado del estilo. La ornamentación está tomada de la romana: perlas, ovos, grecas, dentellones, guirnaldas, etc.
En cuanto a los palacios residenciales, estos son como un bloque cúbico o un paralelepípedo con tres pisos de diferentes alturas. Están conformados por un patio central, rodeado de galerías, que son iguales en todos los pisos. Los muros son cubiertos por grandes piedras que sobresalen. Y, en el techo sobresale una inmensa cornisa en voladizo.
Una de las grandes obras arquitectónicas de esta época es el Palacio Medici-Riccardi hecho por Michelozzo Michelozzi que era discípulo de Brunelleschi.
Felipe Brunelleschi (1377-1446) y sus obras
Fue el arquitecto que inició el Renacimiento Italiano. Su obra más importante fue la cúpula de Santa María de la Flor, la Catedral de Florencia.
Esta estructura había quedado inconclusa durante el período gótico; le restaba cubrir el crucero y se había proyectado una cúpula. Brunelleschi fue el único arquitecto que no le tuvo temor a su gran estructura de 40 metros de diámetro; se la ingenió muy bien para resolver el empuje que esta gran cúpula.
Resolvió hacer lo siguiente; sobre un tambor octogonal levantó una cúpula doble encajada una en la otra; la cúpula interna estaba más baja, en forma de casquete esférico, y la externa, en forma de perfil de ojiva.
En esas cúpulas, debido a sus diversas formas, la interior ejerce presión hacia fuera y la exterior hacia adentro. Al encajarlas, se eliminan las presiones, disminuye el empuje y queda asegurada la estabilidad de la estructura.
Otras de las obras de relevancia de Brunelleschi son: La Capilla de los Pazzi, la iglesia de San Lorenzo, la Iglesia del Santo Espíritu y el proyecto del Palacio Pitti. Todas estas, en Florencia-Italia.
León Bautista Alberti (1402-1472)Este es el segundo de los grandes arquitectos renacentista del quattrocento. Se dio a la tarea de escribir un tratado sobre arquitectura con su teoría y sus normas prácticas. Él piensa que el proyecto es la esencia de una obra de arte, y que el arquitecto solo tiene que formar parte del proyecto de construcción. Alberti también contribuyó a que el Renacimiento traspasara las fronteras y se extendiera por otras localidades diferentes a Florencia.
La Pintura del Quattrocento
El primer gran pintor del renacimiento italiano fue Masaccio creador de un estilo natural y expresivo en las figuras, así como de la perspectiva lineal y aérea. Su pintura es realista, y claramente definida.
A pesar de que tuvo una carrera corta (murió a la edad de 27 años) la obra de Masaccio tuvo una enorme repercusión en el curso del arte posterior. Los frescos que representan episodios de la vida de san Pedro pintados para la capilla Brancacci en la iglesia de Santa Maria del Carmine en Florencia, muestran el carácter revolucionario de su obra, sobre todo en lo que se refiere al empleo de la luz.
En una de las escenas más famosas, El tributo de la moneda, Masaccio reviste la figura de Cristo y de los apóstoles con un nuevo sentido de dignidad, monumentalidad y refinamiento. Los frescos de la capilla Brancacci sirvieron de inspiración a pintores posteriores, entre ellos el propio Miguel Ángel. En el fresco de la Santísima Trinidad (Santa Maria Novella, Florencia) Masaccio, aplicando algunos de los descubrimientos de Brunelleschi relativos a la perspectiva lineal, creó por primera vez la ilusión espacial.
La dirección que marcó Masaccio fue seguida por contemporáneos suyos como Paolo Uccello quien imprimió más potencia a la perspectiva lineal. Entre sus mejores obras destacan las tres versiones que realizó de la Batalla de san Romano, realizadas a fines de 1456 para el palacio Medici en Florencia en las cuales las figuras muestran bruscos escorzos. Estas obras se hallan en la Galería de los Uffizi (Florencia); National Gallery (Londres) y el Louvre (París).
También pintó un gran fresco (1436, catedral de Florencia) que simula un monumento ecuestre en bronce, un medio con precedentes romanos y que resurgió en las esculturas exentas de Donatello.
Otro maestro del mismo periodo es Fra Angelico, fraile dominico cuyo estilo refinado alterna con formas aún incipientes del nuevo renacimiento resueltas con un delicado tratamiento del color.
Su obra se caracteriza por su dulce y elegante espiritualidad religiosa que, aún siendo de espíritu medieval, se reviste de formas renacentistas, como refleja en sus anunciaciones (La Anunciación, 1430-1432, Museo del Prado, Madrid). Fra Angelico fue especialmente innovador en la representación de paisajes.
Su obra incluye una serie de frescos pintados en los años 1430 y 1440 ayudado por sus compañeros dominicos en el convento de San Marco en Florencia.
Otro pintor del quattrocento, olvidado durante mucho tiempo y considerado en la actualidad como uno de los pintores más importantes de ese momento, es Piero Della Francesca quien escribió tratados sobre la perspectiva y las matemáticas.
Aunque es probable que viviera en Florencia de joven, desarrolló su carrera en otras ciudades italianas. El estilo de Piero se puede apreciar en el ciclo de frescos que pinta en torno al año 1453 para el coro de San Francesco en Arezzo, La leyenda de la cruz.
Su estilo mesurado y geométrico se hace eco de la monumentalidad del arte de Masaccio, pero, a diferencia de éste, es más abstracto y distante; sus composiciones están construidas con una perfección matemática que imprime a sus cuadros una sensación de solidez y estatismo.
Al final de su carrera, comenzó a alternar el temple con el óleo. Su influencia posterior ha sido muy grande.
La primavera
El otro pintor representativo es Sandro Botticelli, un artista que disfrutó de la familia de los Médicis en Florencia. Su estilo es lírico, fluido y a menudo decorativo y abarca tanto temas religiosos como paganos.
Sus pinturas están muy influidas por el pensamiento según el cual las ideas cristianas podían conciliarse con las clásicas.
Sus dos obras más famosas, ambas en la Galería de los Uffizi son el Nacimiento de Venus (después de 1482) y la primavera (c. 1478). El modelo de la figura del Nacimiento de Venus está tomado de la escultura antigua, pero aquí la diosa se muestra de pie emergiendo de un pálido mar azul. Botticelli realza el contorno de las figuras con una línea que le una singular elegancia; por el contrario, sólo en contadas ocasiones utiliza el claroscuro.
Por ultimo el nombre de Andrés Mantegna, sirve por sí solo para dar prestigio a esta escuela. Interesado en las cuestiones de representación visual del objeto, Mantegna presenta con frecuencia en sus cuadros una dificultad en perspectiva, que resuelve con elegancia.
Sus escenarios arquitectónicos, tomados de la antigüedad, ofrecen puntos de fuga muy a ras del suelo, huidas de líneas hacia el centro del cuadro en ilusión de profundidad.
San Sebastián
Los escorzos de sus figuras son, por el mismo motivo, violentos y de complicado dibujo, como el Cristo Muerto (Museo de la Brera, en Milán).
Su dibujo, de líneas duras, sugiere calidades materia blanda y flexible, como la carne. El tránsito de la Virgen (Prado) es una de sus obras más conmovedoras, así como el San Sebastián, del Museo Imperial de Viena.
La Arquitectura del Cinquecento
En la arquitectura de esta época, se acentúa el aspecto grandioso y monumental de las obras. Roma se convierte en el centro del arte y los Papas son los protectores de los artistas.
Lo que hace a la arquitectura del renacimiento tan diferente de todo lo anterior es la medida y la proporción.
Donato Bramante (1444 – 1514)
Su primer trabajo fue en Milán donde levantó la cúpula de Santa María de las Gracias. Luego de esto, fue llamado por el Papa Julio II para que se encargara de la nueva construcción de la Basílica de San Pedro.Donato Bramante la diseña con planta de cruz griega, y en cada uno de los brazos, señala ábsides semicirculares terminados en pórticos exteriores. En el centro, una gran cúpula y otras cuatro menores en los ángulos formados por las naves.Toda esta estructura de diseño fue modificada por los arquitectos que después se encargaron de la obra.Otra de las obras importantes de Bramante en Roma fue el Templete circular de San Pietro in Montorio.Bramante es considerado el mejor representante del estilo del Alto Renacimiento.
No hay prueba de su actividad en la pintura en Roma pero Vasari afirma que diseñó la arquitectura que se encuentra en el cuadro La Escuela de Atenas de Rafael. Precisamente Rafael será uno de sus más afamados discípulos.
Miguel Ángel Buonarroti (1475 – 1564)
Es uno de los mayores creadores de toda la historia del arte y, junto con Leonardo da Vinci, la figura más destacada del renacimiento italiano.
En su condición de arquitecto, escultor, pintor y poeta ejerció una enorme influencia tanto en sus contemporáneos como en todo el arte occidental posterior a su época.
El artista protesta cuando el Papa Paulo II le encarga la obra de la Basílica de San Pedro pero acepta y se encarga se simplificar el proyecto de Bramante, para así darle más desarrollo a la cúpula central.
Esta es su obra más importante como arquitecto.
La cúpula se asemeja a la elaborada por Brunelleschi; se levanta sobre un tambor, con doble cúpula y linterna, y mide 42 metros de diámetro. El principal cambio está en la decoración: la rodean ventanas con tímpanos, columnas dobles y un friso con guirnaldas. Además de esto, se eleva hasta 131 metros de altura, superando a la de Florencia que llega hasta 114 metros.Este artista, en su rol de arquitecto elaboró al menos otras siete obras y proyectos, entre los cuales podemos citar: la escalera de la Biblioteca Laurenciana, la Sacristía Nueva de San Lorenzo, ambas en Florencia, y el proyecto para la Plaza del Capitolio en Roma. Miguel Ángel tomó como punto de referencia el tipo de articulación de muros desarrollado por sus predecesores florentinos, pero infundiendo en ella la misma fuerza y energía que caracterizó su escultura y su pintura.En lugar de seguir con los cánones clásicos de los griegos y romanos, Miguel Ángel utilizó estos motivos -columnas, frontones, ménsulas- de manera más personal y expresiva. Durante la larga etapa de residencia en Florencia Miguel Ángel emprendió -entre 1519 y 1534- el encargo de hacer las tumbas de los Médicis en la Sacristía Nueva de San Lorenzo. La Sacristía, con cubierta cupuliforme sobre pechinas, acoge en dos de sus muros los sepulcros a modo de fachada o retablo en los que dispone ventanas cegadas, enmarcando la calle central donde va el sarcófago con las esculturas alegóricas y los retratos monumentales de los allí enterrados.
La Escultura en el Cinquecento
Miguel Ángel Buonarotti
Es uno de los más grandes escultores de todos los tiempos. En su escultura se ve reflejada su recia personalidad y su profunda fe cristiana. Su estilo es personalista y dramáticoSu calidad excepcional, su extraordinaria sabiduría, capaz de expresar en mármol cualquier, idea o propósito, aun el más complejo. Sus esculturas son de gran tamaño, grandiosas, majestuosas. Drama interior, fuerza vital, "Scorzo". Sigue en un primer momento la línea de Donatello, pero luego, se pone en contacto con las obras de Jacopo Della Quercia, que marcara fuertemente su estilo futuro.El Papa Julio II lo llama a Roma y le encarga la obra que será una ilusión y al mismo tiempo una tragedia en su vida.
En su actividad creativa, tuvo un constante empezar y posponer de sus obras gigantescas demostrando una entrega y una energía poco comunes y de unidad a su vida. Es un artista completo: músico, poeta, arquitecto, escultor y pintor. Es un humanista convencido: a la par con los griegos piensa que el hombre es el modelo final y lo expresa en toda su producción
Como obras tenemos: La Piedad del Vaticano; el David para la Plaza de la Signoria de Florencia; Moisés obra de fuerza contenida y grandiosidad terrible; los sepulcros de la familia Médicis en San Lorenzo de Florencia, son las figuras de Julián y Lorenzo, les acompañan las figuras alegóricas del Día y la Noche, el Crepúsculo y la Aurora; La Piedad de Rondanini; La virgen con el Niño que también tiene figuras de esclavos desnudos.
La Pintura en el Cinquecento
Leonardo Da Vinci (1452 – 1519)
Leonardo da Vinci es uno de los grandes genios del Renacimiento, destacando como artista, inventor y descubridor. Fue un genio enciclopédico y universal. Se adelantó varios siglos a su tiempo con sus descubrimientos.En su tratado sobre la pintura escribió que ella es la reina de las artes; sin embargo, no dejó muchas obras pictóricas. Es que pasaba largos meses haciendo bocetos y estudios y la misma realización definitiva era lenta. Pero, las obras que dejó terminadas, son todas obras maestras.
Este artista se crió en Florencia y aprendió en el taller de Verrocchio, continuó ligado al taller de Verrocchio hasta prácticamente su marcha de Florencia. En Milán estuvo durante 17 años, trabajando en variados proyectos de todo tipo, tanto artísticos como científicos, en los que experimentar era su principal objetivo.
Su producción estuvo marcada por el interés hacia el claroscuro y el sfumato, la técnica con la que difumina los contornos, consiguiendo una excelente sensación atmosférica como se aprecia en su obra más famosa, la Gioconda o Monna Lisa y La ultima cena. Al final de su vida sufrió una parálisis en el brazo derecho que le impedía pintar, pero no continuar dibujando y enseñandoLeonardo Da Vinci representó una ruptura con los modelos universales establecidos durante la época del Quattrocento. Se opuso al concepto de "belleza" ideal, defendiendo la imitación de la naturaleza con fidelidad, sin tratar de mejorarla.
Y así contempla la fealdad y lo grotesco, como en sus dibujos de personajes deformes y cómicos, que fueron considerados como las primeras caricaturas de la historia del arte. Su dominio del color y la atmósfera hace que también sea el primero en ser capaz de pintar el aire. La perspectiva aérea o atmosférica, como hoy se conoce, es una característica inconfundible de su obra, en especial de los paisajes. Leonardo fue el primero en considerar que la distancia se llenaba con aire y que éste hacía que los objetos lejanos perdiesen nitidez y se viesen azulados.
Miguel Ángel Buonarroti
También brillo con luz propia en la pintura. Es el Papa Julio II quien le encargue su obra maestra: el techo de la Capilla Sixtina, a cuya decoración dedico cuatro años, entre 1508 y 1512. El trabajo fue agotador ya que no contaba con ningún ayudante y puso de manifiesto el fuerte carácter del maestro agravado por su insatisfacción característica, la escasez de honorarios y las numerosas demandas de ayuda que recibe de su familia, especialmente de su hermano Buonarroto.
La capilla es una gran sala rectangular de 40 metros de largo, 13 de ancho y 21 de altura. Allí pintó escenas del Génesis y otras figuras.
En 1534 Miguel Ángel se instala definitivamente en Roma, donde realizará el Juicio Final, en la Capilla Sixtina, por encargo del Papa Paulo III, quien le nombra pintor, escultor y arquitecto del Vaticano. En el Juicio Final, Miguel Ángel exhibirá su admiración hacia la anatomía que le llevará a desnudar al propio Cristo, anticipando con sus figuras al Barroco.
En la bóveda de la Capilla Sixtina son 343 las figuras, encuadradas en elementos arquitectónicos fingidos. Mientas que, en el Juicio Final hay toda una muchedumbre de 391 figuras.
En estas obras Miguel Ángel, pone de manifiesto su preferencia por la escultura, destacando con fuerza el relieve y el volumen. Acentúa las musculaturas de las agigantadas figuras llenas de energía.
Luego de acabar con el Juicio Final, llevará a cabo los frescos de la Capilla Paolina, una vez resueltos sus problemas con los herederos de Julio II, consintiendo éstos en la renuncia del maestro a la ejecución de los trabajos y admitiendo la colocación del Moisés en el nuevo proyecto.
Rafael Sanzio (1483 – 1520)
Es considerado como uno de los más grandes e influyentes artistas de todos los tiempos. En 1499 se trasladó a Perugia, en Umbría, y se convirtió en pupilo y ayudante del pintor Perugino.
Rafael Sanzio realizó durante este periodo obras en un estilo muy parecido al de su maestro.
En 1504 Rafael se trasladó a Florencia, donde estudió la obra de reconocidos pintores contemporáneos suyos como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Fra Bartolommeo, de los que aprendió sus métodos de plasmación de luces y sombras, sus estudios anatómicos y actitudes dramáticas. En esta época Rafael realizó un cambio estilístico desde la composición geométrica y el énfasis en la perspectiva hacia una manera más natural y suave de pintar.
Los encargos más importantes que Rafael recibió durante su estancia en Florencia procedían de Umbría. Su composición más original en este periodo es El Entierro de Cristo. Forma parte de un retablo y muestra la fuerte influencia de Miguel Ángel en la disposición y actitudes de los cuerpos y en el tratamiento anatómico de los mismos. En 1508 Rafael se trasladó a Roma, requerido por el Papa Julio II, quien le encarga la decoración mural de cuatro pequeñas habitaciones y estancias en el Palacio del Vaticano. Debido a sus numerosas actividades, sólo consiguió pintar parte de la tercera estancia del Palacio del Vaticano, la del Incendio del Borgo.
Rafael realizó trabajos como la decoración al fresco de las estancias vaticanas, una serie que decora las cuatro estancias del palacio Vaticano. La más importante es la estancia de la Signatura, que contiene La disputa, una complicada explicación de la doctrina del sacramento de la Eucaristía.
Los hombres de iglesia discuten en torno a la doctrina en la parte inferior; sobre ellos, Cristo aparece acompañado en semicírculo de un grupo de ángeles.
La disputa
En el otro lado de la estancia se encuentra la Escuela de Atenas, que representa la filosofía clásica, haciendo pareja con La disputa, que permanece de pie junto a la teología cristiana. Aquí, la representación es horizontal, más centrada en la tierra que en el cielo. El punto de fuga se sitúa detrás de las figuras centrales de Platón y Aristóteles, rodeados por célebres pensadores del pasado. Muchas de estas figuras son retratos de artistas contemporáneos de Rafael. Rara vez la pintura ha alcanzado la claridad y la perfección de la Escuela de Atenas. Como fuente de inspiración pudieron servirle a Rafael los inmensos frescos de la capilla Sixtina pintados por Miguel Ángel.
Según algunos autores, el arte pictórico se divide en antes y después de Rafael.
Conclusión
Así hemos llegado al final de esta apasionante aventura que fue recorrer el Renacimiento.
Como ya sabemos el Renacimiento, fue la consecuencia de un interés por el pasado grecorromano, con el cual se buscaba volver a dar vida a los ideales que habían inspirado a aquellos pueblos.
De este movimiento surgieron las grandes figuras.
Entre los más famosos y los más grandes artistas de todos los tiempos:
Leonardo Da Vinci
Miguel Ángel Bounarotti
VIDEOS DE MIGUEL ANGEL
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EL DIVINO MICHELANGELO ; PRIMERA PARTE
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EL DIVINO MICHELANGELO ; SEGUNDA PARTE
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EL DIVINO MICHELANGELO ; PARTE DOCE – EL JUICIO FINAL –CUPULA DE SAN PEDRO – LA PIETA
DAVID de michelangelo
VIDEOS DE LEONARDO DA VINCI
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SEGUNDA PARTE
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MONA LISA VIVA
Autor:
Roberto Arone
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