Introducción
El estudio de música comprende diversas ramas, una de ellas es la orquestación, en la que el músico conoce a fondo los diferentes instrumentos musicales para luego incorporarlos dentro de agrupaciones, ensambles u orquestas.
Dentro de la orquesta existe un instrumento que posee una gran trayectoria y que con el paso del tiempo de ha mantenido vigente, tal vez olvidado entre un grupo grande pero con funciones especificas que determinan el hecho de que se encuentre presente, se trata de la viola.
Por medio de este estudio, se hace un análisis de este instrumento para conocer su historia, evolución y posibilidades como instrumento musical y cuál es su importancia dentro de su familia de instrumentos y así de esta forma, conocer su factibilidad como instrumento para ser interpretado dentro de agrupaciones musicales.
La Viola
Evolución e Historia de la Viola
La viola es uno de los instrumentos más importantes dentro de los instrumentos de cuerda, siendo de los de cuerda frotada, es imprescindible si uso en cuartetos de cuerdas (viólines I y II, viola y cello) y la Orquesta de Cuerdas (violines I y II, viola, cello y contrabajo). Se considera que es la heredera directa de la viella de cuerda (la viella era como un violín cuyas cuerdas se ponían en vibración por medio de un teclado; el arco es reemplazado por una cuerda pulida y frotada con colofonia) tomado esto como un avance importante en la historia de los instrumentos de arco.
Viella
Tras haber nacido en el siglo XIV, se empiezó a utilizar de forma continua y toma su valor artístico a partir del siglo XV. En 1543, Silvestro Ganassi dal Fontego (Fontego, Italia, 1 de enero de 1492 – 1550, quien fue un compositor, intérprete y constructor de instrumentos musicales italiano) publicó Regola Rubertina (1542-43), un tratado sobre la ejecución de la viola da gamba y el laúd.
De los sucesores de la viola, se pueden citar diversos instrumentos que no solo fueron predecesores de la viola sino también de otros instrumentos de cuerda frotada. Partiendo de la época del renacimiento en la cual se crearon las familias de instrumentos, lo que hacían los lutieres (fabricantes de instrumentos) era construirlos basándose en la clasificación de un coro mixto, es por esto que estos instrumentos poseen tesituras similares a las de las voces humanas salvo el hecho de que el registro sonoro de los mismo puede superar al de una voz humana.
Pensando en la soprano de creó la Viola Quintón, y su nombre le fue dado porque esta viola posee 5 cuerdas a diferencia de las otras violas las cuales poseen 6 cuerdas. Así mismo, existió la ("viola de hombro"), la viola da braccio ("viola de brazo", que es la más parecida a la actual) y la viola da gamba ("viola de pierna", de tesitura y modo de ejecución similar al violonchelo). Esta última tiene una familia extensa comprendida por 11 diferentes tipos de las cuales se mencionan sus nombres y sus respectivas afinaciones:
1. El quinton francés, instrumento de afinación mixta entre el violín y el pardessus de viole: sol-re'-la'-re"-sol".
2. El pardessus de viole francés, afinado sol-do'-fa'-la'-re"-sol".
3. La viola soprano, afinada re-sol-do'-mi'-la'-re".
4. La viola alto, raramente usada, afinada La-re-sol-si-mi'-la'.
5. La viola tenor, de afinación idéntica a la del laúd renacentista en Sol: Sol-do-fa-la-re'-sol'.
6. La lyra viol, modelo inglés del siglo XVII de tamaño algo mayor que la viola tenor y al que se aplicaban diversas afinaciones para interpretar música de tablatura.
7. La division viol, instrumento inglés descrito entre otros por Christopher Simpson (Simpson, 1659), de afinación semejante a la de la viola bajo pero de menor tamaño, apropiada para el uso solístico.
8. La viola bastarda, denominación italiana que podría identificarse con la division viol.
9. La viola bajo, afinada Re-Sol-do-mi-la-re'. Es, con diferencia, el modelo más usado de la familia, desde Diego Ortiz (S. XVI) hasta Abel (S. XVIII), y es hoy el modelo básico en la enseñanza reglada del instrumento. Sainte-Colombe impuso en la Francia del siglo XVII una variante de siete cuerdas, al añadirle una cuerda más grave (La,). Por el agudo su extensión en el repertorio suele llegar al re".
10. El violone en Sol, afinado Sol,-Do-Fa-La-re-sol.
11. El violone en Re, afinado Re,-Sol,-Do-Mi-la-re.
De la viola da braccio surgió la viola d"amore ("viola de amor"). La diferencia entre ellas consiste únicamente en que a la segunda se le añadieron unas cuerdas de latón que, descansando en el puentecillo debajo de las de tripa, vibraban por simpatía, ampliando con este procedimiento la sonoridad del instrumento, aparte de darle también un timbre especial gracias a esta vibración común y a la sonoridad metálica de las cuerdas inferiores.
Viola de Amor
En estos instrumentos se acelera la transformación que desde siglos anteriores venía haciéndose paulatinamente. En lugar de la llamada «rosa» (abertura practicada en la mitad de la tabla armónica o caja de resonancia al igual que el laúd, la vihuela, la guitarra, etc. o sea los instrumentos cuyas cuerdas se pellizcan o puntean), aparecen unas pequeñas aberturas conocidas con el nombre de oídos o efes y en forma de C puestas una en frente de otra y en sentido inverso. También aparecen unos cortes laterales curvados para facilitar el movimiento del arco. Estos cortes llegaron a ser en algunos casos muy pronunciados. Como el clavecín, la viola se utilizó también en los templos para doblar las voces humanas, particularmente las de tesitura grave.
Además de las violas antes mencionadas se fabricó la viola pomposa. Esta fue inventada en 1720 por Johann Sebastian Bach y construida por el luthier de Leipzig, Hoffmann. Su tamaño es algo mayor que la actual viola y tenía cinco cuerdas que se afinaban por este orden, de grave a agudo: do, sol, re, la, mi. Este instrumento podía sujetarse a la espalda mediante una correa y sustituía al violonchelo en las notas altas de su tesitura. Pero a medida que la técnica del violonchelo fue perfeccionándose, la viola pomposa ?por cierto incómoda y bastante difícil de tocar?, fue cayendo en desuso hasta llegar a quedar totalmente olvidada años más tarde.
Las violas construidas en el siglo XVIII tenían unas dimensiones de 38 cm para combinar su uso con el violín. En esta época aparece la scordatura que se basaba en afinar la viola más alto de lo normal. A finales de este siglo, se empezaron a construir violas grandes aunque eran muy escasas. Estas tenían un tamaño de 45 a 47 cm pero eran todavía de muy baja calidad. En la actualidad, para designar los tamaños de las violas se utilizan las pulgadas (1 pulgada = 2,54 cm). Hay violas desde 11' (27,9 cm) hasta 16,5' (41,9 cm). Dependiendo de la edad y altura de la persona ejecutante se elige un tamaño u otro.
Los compositores del romanticismo como Carl Maria von Weber, Louis Hector Berlioz, Richard Wagner, entre otros; destinaron sus composiciones a los salones aristocráticos en donde la viola actuaba como protagonista e intérprete debido a que su tesitura débil limitada por su tamaño no le permitía hacer frente a las orquestas cada vez mayores y a los auditorios. Posteriormente hubo un período de experimentación por parte de los fabricantes de viola. En el siglo XIX el modelo de viola tenía alrededor de 41 cm. Este nuevo sonido y el contraste que tenía en la orquesta inspiraron a muchos compositores como Antón Rubinstein, Max Reger, Béla Bartók, Benjamin Britten, etc.
Cabe destacar que la viola que se tiene en la actualidad, así como de todos los demás instrumentos de la familia de cuerdas fue estandarizada en cuanto a su diseño de construcción por Antonio Stradivari o Antonius Stradivarius, también conocido como Antoni Strad de Cremona (Cremona, Italia, 1644 – Cremona, 18 de diciembre de 1737, fue el más prominente luthier italiano), debido a que obtuvo resultados fascinantes en sus instrumentos debido a su comodidad al ser tocados por los instrumentistas y sobre todo, una sonoridad única. Esto dio comoresultado, que los actuales instrumentos de cuerda están diseñando tratando de imitar los estándares de construcción. Sobre las violas, contruyó 13 en total.
Descripción y Familia a la que pertenece la Viola
Viola Stradivarius
Cuarteto Solar
La viola es un instrumento perteneciente a la familia de los cordófonos, es decir, a los instrumentos musicales que producen sonidos por medio de las vibraciones de una o más cuerdas, usualmente amplificadas por medio de una caja de resonancia. Estas cuerdas están tensadas entre dos puntos del instrumento y se hacen sonar pulsando, frotando o percutiendo la cuerda. La viola pertenece específicamente a los instrumentos de cuerda frotada, con un cuerpo que posee un espesor de 3 a 5 cm con las lógicas diferencias semejante en la longitud sonora de las cuerdas, además de esto, posee una longitud de cuerpo de 42,23 cm; longitud de cuello 15,40 cm; longitud total de 69,20 cm y longitud sonora de las cuerdas de 38,73 cm.
Violín – Viola
La cuerda es frotada por medio de un arco y se le dio ese nombre debido al parecido que tiene con el arco usado por los arqueros para el tiro al arco, éste consta de una cinta, hecha con crines de caballo o cerdas, y de una vara estrecha, de curva suave, normalmente de madera de pernambuco (recientemente se construyen arcos de materiales compuestos, como la fibra de vidrio y la fibra de carbono) El arco está comprendido por la sección en donde se encuentra el tornillo se llama nuez, que es un elemento que permite sujetar las cerdas para que mantengan su tensión, y también sirve para apoyar los dedos del ejecutante. Las otras partes del arco son la punta (terminada con un adorno de hueso o plástico) y la vara principal, que puede ser adornada en su extremo inferior, cerca de la nuez, por un entorchado en plata, níquel, seda o plástico. Las crines o cerdas deben ser impregnadas con resina, con pez o con colofonia, para asegurar el agarre a las cuerdas del instrumento. La tensión de las cerdas es de suma importancia debido a que cuándo se tensan las cuerdas la calidad elástica le proporciona al arco la capacidad de ejecutar cualquier clase de arcada. Cabe destacar que el arco de la viola es un poco más amplio y pesado que el empleado para el violín
Su sistema de afinación es pitagórico, que contrario al temperado, los bemoles y sostenidos poseen altura de sonido diferente, siendo los bemoles mas graves y los sostenidos más agudos respectivamente. Es por esto que la viola al igual que los demás instrumentos pertenecientes a la familia de arcos dentro de la clasificación de la orquesta clásica no posee trastes. Cabe destacar que esta cualidad le permite a estos instrumentos obtener timbres especiales que un instrumento cuyo sistema de afinación es temperado no proporciona debido al sonido particular que generan los trastes. Viendo desde diferentes ángulos, se podría decir que los instrumentos de cuerda frotada son limitados, mas es su categoría son únicos.
A continuación se colocan graficas que describen con mayor amplitud las partes de una viola:
En líneas generales las partes de una viola son similares a las del violín con la correspondiente variante de que la viola en cuanto a sus dimensiones es más grande que el violín (tal y como se demostró en una de las graficas anteriores) y por supuesto su sonido es más grave. Comparando estos instrumentos con las voces humanas, el resultado sería que el violín se considerase como soprano y la viola como contralto.
Teniendo todos estos indicadores que caracterizan a la viola y su familia de los arcos o cuerdas (como se les conoce popularmente) se puede decir que la viola es un instrumento cordófono, de cuerda frotada y cuyo sistema de afinación es pitagórico y además de estos datos, se tiene por calificativo adicional es Sistema de Clasificación de Instrumentos Hornbostel-Sachs o Sachs-Hornbostel, creado por Erich Moritz von Hornbostel y Curt Sachs, y publicado por primera vez en el Zeitschrift für Musik en 1914 el cual es el sistema de clasificación más ampliamente usado por los etnomusicólogos y organólogos.
Hornbostel and Sachs se basaron en un sistema desarrollado a fines del Siglo XIX por Victor Mahillon, quien fue el restaurador de la colección del Conservatorio de Bruselas. El sistema Mahillon fue uno de los primeros en clasificar de acuerdo con el material o parte del instrumento que producía el sonido, pero estaba limitado en su mayor parte a los instrumentos occidentales usados en música clásica. Fue así que Hornbostel and Sachs crearon una expansión de aquel, en el que es posible clasificar cualquier instrumento musical de cualquier cultura.
Este sistema de clasificación determina que la viola es un instrumento cordófono en los que el sonido es producido por la vibración de una o más cuerdas de tipo compuesto por ser un instrumentos acústico en el que la caja de resonancia es una parte integral e inseparable del instrumento.
Posibilidades Organologícas de la Viola
La viola pertenece a la familia de los instrumentos de arcos o cuerdas, sobre esto, se tiene el conocimiento de que el instrumento mas ágil dentro de la orquesta es el violín, sin embargo, aun cuando su construcción es similar a la del violín se diferencia en diversos aspectos. Es por esto que se hace necesario hacer un estudio exclusivo de la viola en esta materia.
Este instrumento por poseer un arco pesado tiene ciertos cuidados para obtener de la viola el color deseado, es por esto que se debe tener sumo cuidado en la técnica de arcada sobre todo en las cuerdas más pesadas, de hecho, hacer arcadas ligeras es más difícil comparado al violín, no es imposible hacer arcadas ligeras o etéreas pero es algo que solo los expertos del instrumento logran.
A continuación, se exponen las arcadas mas empleadas en los instrumentos de cuerda frotada con arco:
1. Col legno (legno, de leño, vara de madera): es una técnica expresiva propia de los instrumentos de cuerda frotada en la que se golpean las cuerdas con la vara de madera del arco. Para ello, es necesario sujetar el arco de tal forma que la madera pueda incidir en las cuerdas, es decir, hay que tomar el arco del revés. El sonido que se produce al golpear la cuerda es muy suave y rítmico. Esta técnica se usa en obras contemporáneas y con carácter vanguardista.7
2. Détaché: significa en francés suelto o separado. Este término se emplea para designar el tipo de movimiento de arco más elemental, en el cual cada vez que éste se mueve, se emite una sola nota. Si se cambia la nota, tiene que pararse el movimiento del arco, y cambiar su dirección para emitir el siguiente sonido. La pausa entre los dos movimientos de arco tiene que ser cuanto más corta mejor, y no parar el movimiento general de la obra.
3. Arpeggio – Dobles cuerdas: en técnica de las dobles cuerdas se frota el arco en dos cuerdas simultáneamente con el fin de hacer polifonía y crear acordes. Hacer pasar el arco por dos cuerdas a la vez cuando se toca piano (con poca intensidad de sonido) resulta complicado puesto que hay que mantener una dirección del arco con muy poco margen de error. Este recurso es muy usado en los acordes finales presentes en obras barrocas y clásicas, y en secciones en los que se pide explícitamente. En ocasiones, se tienen que tocar acordes en más de dos cuerdas. Al no ser posible interpretarlos simultáneamente debido a que las cuerdas se encuentran en distintos planos, se tocan arpegiados, es decir, se tocan todas las notas del acorde muy seguidas, pero no exactamente a la vez.
4. Legato o ligado: se interpretan notas diferentes mientras se mueve el arco en un solo sentido, es decir, tocar notas distintas en un solo arco. Con esta técnica se obtiene un sonido muy continuo y, como su nombre indica, ligado. El legato se emplea frecuentemente en obras con un carácter melódico y poco rítmico, y en fragmentos en piano (de poca intensidad sonora), aunque no siempre es así. En la partitura, el legato se representa colocando un arco encima (o debajo) de todas las notas que se quiere representar en un solo arco.
5. Pizzicato: es una técnica musical propia de los instrumentos de cuerda frotada que consiste en producir sonido sin usar el arco, sino pellizcando las cuerdas con un dedo de la mano derecha, generalmente el índice o el pulgar. El sonido producido es muy rítmico y picado, muy parecido al de la guitarra. El pizzicato está presente en fragmentos en los que se quiere conseguir una sonoridad diferente y en ocasiones cuando el violonchelo cumple el papel de acompañante en un grupo instrumental.11
6. Spiccato: es una técnica musical en la que el arco se desplaza por la cuerda haciendo pequeños saltos en ésta. La mano derecha debe dejar cierta libertad al arco para que éste se mueva saltando de una manera espontánea, pero siempre manteniendo un control básico sobre éste porque si se le deja completamente libre, se perdería el control del ritmo y de la intensidad sonora. El sonido que se produce con el spiccato es picado y entrecortado, creándose notas de corta duración separadas del resto por un pequeño silencio. Se le puede considerar como el opuesto al legato. Este tipo de golpe de arco es propio en casi todas las épocas de la música.
7. Staccato: es una técnica musical en la que las notas se tocan de una manera más cortante, uniforme e intensa que en condiciones normales. Para conseguir este efecto es preciso presionar la cuerda de una manera uniforme durante toda la nota dejando el mínimo silencio entre éstas. El staccato se indica con una rayita que se coloca encima de la nota en cuestión. Éste recurso se usa en fragmentos en los que se quiere dar una profundidad sonora especial.
8. Sul tasto: significa en italiano "sobre el mástil" o "sobre el diapasón". Consiste en desplazar el arco lo más alejado posible del puente, por encima del fragmento de las cuerdas que queda por encima de la parte inferior del diapasón. De esta manera, se consigue un sonido muy suave y con menos proyección que en condiciones normales. En ocasiones se indica en la partitura el uso de esta técnica, pero la mayoría de las veces no, ya que es una técnica que se usa para obtener distintas dinámicas, sobre todo piano o pianissimo.
9. Sul ponticello: significa en italiano "sobre el puente". En esta técnica, se desplaza el arco lo más cerca posible del puente, produciéndose de esta manera un sonido muy metálico con armónicos, es un sonido muy característico. Se ha usado para diferentes obras, tanto orquestales como para violonchelo solista, pero solamente en obras contemporáneas, y siempre suele estar indicado en la partitura si hay que usar esta técnica. Destaca en obras para violonchelo de Béla Bartók.
Por otra parte, la voila tiene una afinación y una extensión que está representada de la siguiente manera:
La viola esta afinada por ciclos de quintas justas (Do, Sol, re, La) y su extensión total parte desde un Do2 hasta un Mi5 y sus armónicos llegan hasta un Mi6. Su clave es la de contralto o clave de Do (tal y como puede verse en la grafica anterior) y solo cambia a clave de Sol cuando la interpretación escrita ameritaría muchas líneas adicionales ascendentes, esto con el fin de facilitar su lectura.
En cuanto a la digitación, es idéntica a la empleada para el violín salvo el hecho de que al poseer un diapasón más amplio que éste, la distancia entre las notas es un poco más extendida. Los expertos dicen que para tocar la viola se necesita una mano amplia y dedos fuertes, sobre todo el cuarto dedo que debe mantenerse en una posición mucho más abierta que en el violín. Es por esto que en la voila la posición es la posición media, es decir, desde un Do2 hasta un Mi4.
El comportamiento sonoro de las cuerdas es un asunto importante en la viola, la cuerda La, que es la más aguda, presenta un contraste en comparación a las demás cuerdas y a este se considera como nasal, penetrante, agudo y fluctuante con la tendencia a sonar excesivamente fuerte; es un asunto que puede trabajarse para alcanzar la homogeneidad mas es algo que solo los expertos logran. La cuerda Re es considerada discreta y amable junto a la cuerda Sol se les tiene como las mejores partes de la viola múltiples tareas de acompañamiento y excelente para melodías y la cuerda Do se acerca más al sonido proporcionado por el cello, subjetivamente, algunos dicen que esta cuerda se encuentra llena de presagios y amenazas.
En relación a lo antes dicho, se considera que la viola es mejor para interpretar melodías y realizar unísono de octavas con los violines o con el cello y el contrabajo que tomarla en cuenta en trabajo de gran agilidad. En el caso de las dobles notas, se da con buenos resultados, de hecho en el periodo clásico y posterior a este fue muy empleado este principio sin hacerse la indicación del divisi, aunque el divisi es una técnica muy empleada y que genera excelentes resultados sonoros pero no es tan empleada como para ser tomada como una regla. Además de esto, la viola poco se usa como solista debido a que por su altura y su cualidad sonora es tapada por los sonidos de otros instrumentos musicales.
La viola también es usa como un bajo suave en ocasiones cuando se emplean notas por debajo del Do central en vez del Cello, básicamente porque su sonido es menos potente que el cello lo que le aporta esa suavidad deseada.
En referencia al uso de dobles cuerdas el estiramiento de los dedos desde el índice hasta el meñique permiten una cuarta justa en las posiciones más graves, esto puede variar según la posición en la cual se interpreta. Si se habla de acordes se deben construir siguiendo el principio de construcción que se emplea en el violín, y en este caso, son más viables los acordes a tres partes que los de cuatro partes debido a su dificultad de interpretación debido a la dimensión de su diapasón.
Los pizzicato en la viola poseen mayor resonancia que en el caso del violín y esto se debe a su dimensión que permite que las cuerdas del instrumento vibren mayor cantidad de tiempo. Su sonido es mas redondo, seco y corto que en el violín cuando se toca en un registro similar. En condiciones adecuadas, se puede obtener resultados geniales con esta técnica en la viola.
Sobre el ponticello, la viola alcanza grandiosos efectos sonoros, sobre todo el tremolo de arco o el tremolo con los dedos. El efecto de acercar el arco al puente es considera como un sonido crispado y áspero. La viola puede ser usada con sordina, que tal y como lo dice su nombre mitiga el sonido del instrumento, un efecto deseado en ocasiones por los orquestadores, pero el uso de la sordina se constituye en un problema cuando se desea obtener un excelente efecto de sul ponticello.
En conclusión, la viola posee un notable poder expresivo, con un acento más bien suave, recogido y algo melancólico, se presta más a pasajes de poco movimiento que excesivamente rápidos. Entre las obras orquestales que tiene asignada partes importantes figuran la Sinfonía concertante de Mozart y el poema sinfónico de Richard Strauss Don Quijote, ambas con carácter solista.
Han sido muchos de los grandes compositores, clásicos, románticos y modernos, que han apreciado las cualidades emotivas de la viola por lo que han escrito obras muy importantes como conciertos, sonatas, suites, etc., que justifican por sí solas la presencia del concertista de viola en las salas de audiciones. La viola es un instrumento de relevada importancia en la orquesta actual ya que colabora en que el sonido entre los instrumentos graves y los agudos no sea tan destacado, además de tener un sonido realmente intermedio que equilibra los sonidos de cuerda de la orquesta.
Lugar que ocupa en las agrupaciones musicales la Viola
El lugar de la viola es ser la voz contralto en los cuartetos y en las orquestas de cuerdas. En la Edad Media, se conocí como viola a todo instrumento cordófono de arco de varias piezas y fue esta la primera denominación utilizada para definir a los instrumentos de cuerda frotada, tanto de brazo como de pierna, algo que se expandió en el renacimiento. En la época del barroco, el violín desplaza a la viola debido a que cobró la máxima importancia debido a que este instrumento les permitía a los virtuosos menos limitantes interpretativas, apeasr del hecho de que la viola le gana en calidez y resonancia, y es casi tan manejable y ágil como el violín.
Con respecto a su importancia, la viola desempañaba un papel en el siglo XVII que se limitaba a reforzar la línea del bajo o completar la armonía y para el siglo XVIII la viola tiene un papel más expuesto (por ejemplo en el Sexto concierto de Brandemburgo, de Bach). Fue en este mismo siglo cuando Georg Philipp Telemann compuso el primer concierto para viola en 1731 llamado Koncert g – dur (concierto en sol mayor) y en los cien años siguientes, se alcanzó la edad dorada de la historia de la viola en la que fueron compuestos 150 conciertos por varios compositores como Johann Wenzel Anton Stamitz, Franz Anton Hoffmeister, Carl Friedrich Zelter, János Rolla, etc.
El papel de la viola es fundamental en la orquesta ya que da profundidad y apoyo a la armonía, la hace rica y aterciopelada, a esto se suma la gran variedad de obras compuestas para la viola solista o las sonatas para viola acompañada. Lamentablemente la viola tiene una reputación menor dentro de la familia de los instrumentos de cuerda, pero se debe a un prejuicio arrastrado desde los orígenes de la orquesta moderna (siglo XIX), cuando era asumida por violinistas en decadencia.
Intérpretes y/o Grupos que lo integran
En la actualidad, las agrupaciones que emplean la viola son los cuartetos de cuerda, la orquesta de cuerdas y todo tipo de formación donde desee emplearse los instrumentos de cuerda propios de este cuarteto, aunque no está descartado el hecho de que la viola sea empleada en ensambles desarrollados con criterios específicos para obtener timbres específicos, pero lo más cotidiano es que la viola se encuentre junto al violín y el cello.
Todas las orquestas de las diferentes épocas, desde el barroco hasta la época, le han empleado como un instrumento esencial e importante dentro de la familia de las cuerdas, sin ella se vería descompensada esta familia aun cuando algunos músicos le tengan a menos dentro de esta familia de instrumentos.
Otro aspecto que es digno de destacar en la importancia de la viola es la fusión de esta con el violín en un solo instrumento conocido como el violín de 5 cuerdas, este instrumento posee dimensiones similares a la del violín y cuenta con la afinación Do, Sol, Re, La, Mi en la cual Do es la cuerda más grave de la viola y y Mi es la cuerda más aguda y al tener el registro extendido le proporciona mayores posibilidades al violinista y violista, claro está, este instrumento se emplea generalmente de forma solista y en música popular. Otro aspecto de estos instrumentos es que son eléctricos aunque existen casos muy específicos de instrumentos de este tipo construido por lutieres de la actualidad quienes exploran nuevas formas de construcción de estos instrumentos expandiendo su registro sonoro.
En la época existen algunos violistas quienes se destacan por su gran interpretación de este instrumento, ejemplo de ellos son: Joseph de Pasquale (USA), Kim Kashkashian (USA), Paul Neubauer (USA), Rose Armbrust Griffin (USA), Nobuko Imai (Japón), Tabea Zimmermann (Alemania), Tania Davis (Australia, Violista del cuarteto Británico/Australiano Bond), Toby Hoffman (Canada), Viacheslav Dinerchtein (Bielorusia), Vladimir Mendelssohn (Rumania), Yann Pierre Tiersen (Francia) y Yuri Abrámovich Bashmet (Rusia). Se sobreentiende que existen grandes figuras a nivel mundial, pero lamentablemente no se han dado a conocer por el menosprecio que le tiene al instrumento.
Conclusión
La familia de los instrumentos de cuerda frotada cuenta con un instrumento que es el equivalente de la contralto en un coro mixto, ese instrumento es la viola, grande por excelencia, cuyos predecesores fueron los mismos de los demás instrumentos de cuerda.
Un valioso instrumento que aun cuando puede aportar diversidad de sonidos con una potencia impresionante, que demanda mucho a sus intérpretes, que bien puede cumplir labores destacadas en diferentes tipos de formaciones musicales, tanto en cuartetos de cuerda, como en orquestas y agrupaciones o ensambles distintos que le permitan demostrar sus capacidades.
Si bien este instrumento no es tan ágil como el violín, es un instrumento digno de respeto con un alto carácter sentimental en lo que a melodías se refiere, se está hablando de un instrumento casi imprescindible. El único pesar de este instrumento es el descredito que ha tenido a causa de la mala intención por parte de músicos y compositores que no le han dado a este instrumento el lugar de respeto que merece, ojala las nuevas generaciones de compositores y los intérpretes de este instrumento hagan su parte de lograr realzar este instrumento y colocarlo en el lugar que merece.
Fuentes Referenciales
http://es.wikipedia.org/wiki/Viola
http://es.wikipedia.org/wiki/Stradivarius
Libro: Orquestación – Por Walter Piston – Real Musical Editores 1998
Libro: El Estudio de la Orquestación – Por Samuel Adler – Editorial Idea Books 2006
Autor:
Omar Chirinos
REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA
MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA EDUCACIÓN SUPERIOR