- El Ciudadano Kane
- El Hombre de la Cámara
- El acorazado de Potemkin
- Control: la fiebre del oro. Chaplin 1898
- Nanuk, el esquimal
El demonio y sus emisarios han decido dar fin a las tradicionales calaveritas de "día de muertos" para introducir unas llamativas y novedosas calabazas de plástico, desafortunadamente su plan fue descubierto por un niño, el mismo que armado de valor a lado de su padre (un fabricante de dulces típicos mexicanos) se lanza a la aventura de boicotear el maléfico plan, para conseguirlo tienen que llegar a Calacán( la capital de la tradición de día de muertos) y alertar a todos los habitantes quienes en su mayoría ya habían sido seducidos por las calabazas plastificadas a excepción de Felipe y su familia que descubrieron a tiempo a los bibrones en acción fabricando en serie las calabazas sintéticas.
Durante la presidencia de Miguel de la Madrid en 1984 y aprovechando los intentos de este por "rescatar" al cine mexicano, el director mexicano Luis Kelly Ramírez participa con Calacán en el Tercer Concurso de Cine Experimental sin lograr colocarla dentro de los primeros lugares, a pesar de ello, un año después la cinta fue proyectada por primera ves en la principales salas de cines de la Ciudad de México obteniendo permanencia en sólo una de ellas.
Manejo de perspectivas, juego de ángulos, personajes "caricaturizados", la manipulación de objetos inanimados ,una muy buena continuidad y el aprovechamiento de iluminación natural fueron tan sólo algunos de los recursos utilizados a lo largo de esta película, en la que se proyecta claramente el esfuerzo (en ciertas ocasiones en vano) por mostrar excelentes efectos especiales.
Uno de los factores en los que se puso gran énfasis dentro de la película fue el florklore mexicano, desde los colores, el vestuario de los actores, la música (que en muy contadas ocasiones se pudo descifrar su contenido) las escenografías, los nombres, y el papel social que cada personaje representaba dentro de la historia (tal el es caso de las comadres chismosas de Calacán), y la actividad de los compradores regateando con los vendedores en los pasillos del mercado. En algunos momentos se descuidaron los efectos especiales que hacían mover a los esqueletos de los animales mostrando claramente los hilos que tiraban de estos, de la misma forma, las marionetas que se utilizaron dando vida a personajes no lograron dar ese toque de magia que convierte lo más ilógico en realidad, la notable mala calidad y la pésima manipulación de estos le dieron un sabor amargo a una cinta que defiende el dulce sabor de la tradición mexicana.
Los personajes de Cuca y Pancho, protagonizados por un hombre y una mujer respectivamente dieron el toque mágico que convierte a una buena película en un producto elaborado con bajo presupuesto, tal parecía ser que no se contó con recursos suficientes para contratar a una actriz y en su lugar se colocó a un buen travesti que luchó incesantemente por sacar una dulce voz en cada escena, jugando con lo absurdo.
Siguiendo con el típico estereotipo de los achichincles del jefe malvado, imponente y sometedor, los hombrecillos verdes: Max y Ment desbordaban estupidez en todas y cada una de sus intervenciones, lejos de ser unos emisarios demoníacos que provocan miedo y terror, resultan unos tontos predecibles que difícilmente provocan risa.
Un aspecto importante y muy defendible dentro de la cinta es su contenido ideológico: la lucha entre las tradiciones de nuestra cultura mexicana y las tradiciones extranjeras (estadounidenses), una metáfora de la eterna lucha entre el bien y el mal, en la que finalmente el bien (nuestras tradiciones) aplasta y obstaculiza al mal (el consumismo estadounidense). La forma en la que las calabazas plásticas comienzan a apoderarse de nuestra cultura es clara y bien proyectada en este filme: la producción en serie, más los bajos precios, y el sentido de "novedad" que caracterizan a estos productos extranjeros resultan el gancho más efectivo para asegurar su consumo aunque este necesariamente tenga que barrer (para luego ocupar su lugar) con los productos que por tradición se laboran como obras de arte y resultado de creencias, costumbres y leyendas propias de nuestra cultura, nuestra raza, nuestro pueblo. Resulta una propuesta muy interesante y con excelente visión a futuro la cual le ha permitido mantener vigencia después de 18 años, interesante sería también que esta cinta fuera expuesta en escuelas de formación primaria, para despertar en los pequeños un juicio crítico que nos ayude a reforzar nuestra identidad como mexicanos, y no renunciar a ella limitándola sólo a programas de "menciones" a las tradiciones mexicanas en las que se disfrazan a los niños de coloridos personajes, carentes de significado, que no despiertan el orgullo ni el amor por nuestras raíces.
Calacán.
México. 1985
Dirección: Luis Kelly Ramírez
Fotografía: Fernando Fuentes.
EL CIUDADANO KANE
Charles Foster Kane, un magnate de la prensa estadounidense muere anciano en la soledad de su palacio Xanadú dejando como legado su última palabra: "Rosebud" misma que intriga a un equipo de periodistas que se han propuesto desenmarañar la vida oculta y descubrir la verdadera historia: aquella jamás contada sobre el fallecido Kane; para lograrlo reúnen los testimonios de las personas más allegadas quienes lo recrean con distintas facetas, dejando suelto el principal eslabón: rosebud.
Casi al finalizar la Segunda Guerra Mundial en 1941, el director, actor y productor estadounidense Orson Welles ocasiona una gran polémica con su obra: ‘El ciudadano Kane’, basada en la vida del magnate William Randolph Hearts, mismo que en incesantes intentos trató de evitar la exhibición de la cinta impidiendo que fuese proyectada en las principales salas del país, no obstante, sus esfuerzos no impidieron que esta fuese premiada y considerada como una de las mejores de su época.
Esta interesante cinta aplica excelentemente el recurso de la retrospectiva (flashback) fundiendo tres relatos en una sola historia: el relato de la vida exitosa del magnate, la narración que surge de los testimonios de los entrevistados y el papel que como investigador desenvuelve el periodista, el cual mediante su trabajo enlaza las pistas dando paso a una exquisita historia que mantiene una postura objetiva respecto al personaje principal, del que nunca se supo gran cosa a excepto de lo que la gente entrevistada pudo aportar, jamás se mostró la realidad desde los ojos de Charles Foster Kane.
Otro factor predominante dentro de la cinta fueron las construcciones arquitectónicas y la forma en que la cámara fue adentrándose detalladamente a ellas desde un punto exterior que traspasaba ventanas y barreras hasta ubicarse a un punto exacto, ese efecto estuvo realmente genial al igual que el manejo y juego de perspectivas, a excepción de un pequeño detalle: en algunas escenas la cámara no se mantuvo fija y resultaron con un leve efecto de temblor que más que ocasional parecía accidental, puesto que la escena no lo ameritaba. El vestuario, la caracterización de los actores (principalmente el envejecimiento de Kane) y las escenografías estuvieron detalladamente cuidados, no fue posible detectar en ellos alguna anomalía, pero si reconocer un trabajo perfecto en ese aspecto.
Los primeros indicios de la disputa entre el comunismo y el capitalismo se asoman a través de pequeñas criticas dentro del guión. Por otra parte, el papel determinante que juegan los medios de comunicación en la opinión pública fue uno de los personajes principales algunas veces materializado en Kane quien en cierta parte de la historia señaló: " la gente dirá lo que yo quiera que diga" mostrándolo como dueño de la opinión pública (y de la vida pública también) y otras veces en el personaje del reportero quien en el papel de investigador trata de desmenuzar, e ir hilando la realidad sin ningún tipo de manipulación que la información recabada.
El acceso a la opinión pública se mostró como un arma que en las manos de un hombre con principios honestos (como el Robin Hood ideológico que pretendía ser Kane al incursionar en el apasionante mundo de la prensa) podía estar a salvo, manteniendo una estabilidad a través de la novedad, pero como instrumento político podía destruir a cualquiera, corrompiéndolo, transformándolo, sometiéndolo.
El papel del escándalo fue otro punto clave dentro de la historia marcando un rotundo giro en la vida de Kane: un hombre que al perder el control sobre la opinión pública comienza a perder su vida, comienza a envejecer, tratando de alejarse de la realidad construye su propio mundo lleno de objetos costosos y sirvientes; Intentando reconstruir materialmente la realidad que un día fue.
CITIZEN KANE. "Ciudadano Kane".
Estados Unidos. 1941.
Director y productor: Orson Welles.
Productora: RKO
Por: Iris Adriana Gastélum Gerardo
Esta cinta muestra una serie de escenas que retratan la cotidianeidad de la vida diaria desde la tranquila intimidad de una habitación hasta el ajetreo de las actividades que se realizan en la calle, pasando por múltiples escenas que captan distintos oficios y diversas formas de tecnología industrial en la que los personajes principales resultan ser habitantes comunes guardados en el anonimato de la gran ciudad.
El director Zdiga Vertov en 1929 logra plasmar en su obra artística-documental el fenómeno del ascenso social y económico que se vivó en la Unión Soviética tras el éxito de una nueva política económica implementada en los años 20’s.
El hombre de la cámara se caracteriza por una serie de escenas que muestran situaciones que se contraponen entre sí de las cuales es difícil distinguir un protagonismo, o bien se podría deducir que existe un protagonismo compartido entre todas las escenas que se desglosan una a una rápidamente (mostrando la tendencia del director hacia la velocidad y la movilidad), no existe una continuidad de tiempo ni espacio, así mismo se puede apreciar el uso de distintos ángulos que muestran diferentes caras de una misma situación y a la ves distintas situaciones contraponiéndose entre sí, provocando un mareo mental que juega con el sentido de relación de escenas haciendo parecer que estas carecen de sentido; un recurso sobre explotado en esta cinta es la utilización del montaje que por momentos convirtió a esta denominada obra de arte en un tedio de la misma manera en que la volvió una creación sorprendente, casi tan mágica como los efectos de Melíes. Vertov convierte el lente de la cámara en ojo humano, captando todo a gran velocidad tal como lo hace el ojo, mostrando fragmentos de situaciones que a simple vista carecen de lógica de la misma forma que lo hacen nuestros ojos, nuestros ojos captan, nuestra mente relaciona, enlaza y eso mismo fue lo que Vertov logró con su obra: captar la realidad a su velocidad real. Resaltando los beneficios que la nueva política económica traía consigo: empleos, tecnología, modernidad, lugares de esparcimiento, atención medica oportuna, tranquilidad y movimiento.
Por último, esta cinta es un claro ejemplo de el poder que puede tomar el lente de una cámara: mostrarnos mundos reales e irreales tan similares que incluso a veces es difícil distinguirlos.
"El Hombre de la Cámara". 1929. Unión Soviética. Dziga Vertov.
Esta cinta describe la insurrección de unos marinos del barco llamado ‘príncipe Potemkin de Taúrida’ al negarse a comer carne podrida y unir fuerzas en contra de los almirantes de alto mando quienes usando violencia tratan inútilmente de retomar el control de la nave, desatando así una revolución cuyo motivo navego hasta el puerto más cercano: Odesa provocando la indignación y el levantamiento de sus habitantes lo que conllevó a un sofocamiento violento por parte de los militares.
El director ruso Serguei M. Eisenstei logra en 1925 conmemorar a través de esta cinta el vigésimo aniversario de la revolución fallida de 1905 la cual fue reprimida violentamente ante las órdenes del zar Nicolás II provocando fuertes tensiones entre el zar y su pueblo que años más tarde serían el motor impulsor a la gran revolución rusa de 1917 que derrocó al gobierno zarista y dio surgimiento a la Rusa comunista de Lenin.
Resaltando las hazañas heroicas de un pueblo que une sus fuerzas en contra de la tiranía, Eisenstein hace de una cinta propagandística toda una obra de arte que marcó las pautas del cine mundial gracias al uso del montaje cinematográfico que logró relacionar imágenes de tal forma que enaltecía, despertaba, maximizaba y en algunos casos desarmaba las emociones del público haciendo latente un sentimiento patriótico, sus escenas parecían tan reales como lo fueron sus actores (tomando en cuenta la participación de los habitantes del pueblo), la falta de maquillaje y el uso de vestuario común lograron el efecto de darle a la cinta un toque documental dejando por un momento a lado la ficción. La coordinación de los actores fue estupenda y las escenas en el barco (donde todos se forman jerárquicamente) que describen las actividades comunes de éste son una muestra clara de los conocimientos que el director adquirió durante su pertenencia al ejército ruso, las tomas de la balsa que navegó hasta el puerto así como aquellas que incluyen en la pantalla una participación masiva (levantamiento de marinos en el barco y el levantamiento de los habitantes en el pueblo, y la sofocación de los mismos por el ejercito del zar)consiguiendo exitosamente una continuidad y enlace entre suceso y suceso; otro punto a su favor fueron las escenas que mostraron los gestos naturales de los participantes dando un buen efecto de emotividad.
La mezcla de represión y unión contra el poder fue perfectamente proyectada a través de esta película. Einsenstein logró demostrar que cuando existe represión cualquier motivo por insignificante que ese sea (como la carne podrida en la película) puede ser el detonante, el canal de fuga de todas las represiones acumuladas contra el orden impuesto; resaltando incesantemente a lo largo de la trama que la unión hace la fuerza y retratando la postura de la iglesia en este tipo de levantamientos, la cual se inclina hacia el lado del tirano intercediendo por él a través de la "concientización" que utiliza la fe como vehículo; al mismo tiempo, describió cómo este tipo de levantamientos resultaban atractivos a los caciques en virtud de sus intereses, sin embargo, no podían apoderarse de los intereses profundos del pueblo; por otra parte, los duros intentos de recobrar el control y el poder a través de la violencia con la que el ejercito zarista sofocó en una masacre a los insurrectos resaltó la crueldad y la injusticia al utilizar el poder militar contra el pueblo que de cierta forma resulta desprotegido en cuanto a habilidades y armas, de la misma manera Einsenstein retrató el poder y el temor que el pueblo unido puede representar ante la tiranía.
Esta cinta muestra ideales fundamentales del comunismo, el cual se hizo de más adeptos a través de la emotividad y el heroísmo de las masas en las que se enfatizó la importancia de cada individuo en unión con los demás.
Director : Serguei M. Eisenstein
Guión : Serguei M. Eisenstein basado en un argumento de Nina Agadzhanova-Shutko y Serguei M. Eisenstein
Fotografía : Eduard Tissé
Montaje : Serguei M. Eisenstein
Escenografía : Vasili Rajals
Productora : Goskino (U.R.S.S.)
CONTROL: LA FIEBRE DEL ORO. CHAPLIN 1898.
Esta cinta relata las divertidas, emocionantes y enternecedoras anécdotas de un vagabundo en su paso por Alaska y sus sueños de convertirse en millonario después de haber alcanzado el gran sueño dorado: encontrar una abastecedora mina de oro. Sin embargo, durante el transcurso de la historia y las duras pruebas de supervivencia a las que fue expuesto, los intereses del vago fueron cambiando hasta concentrarse en una prioridad: el amor de Georgia. Finalmente, el destino lo conduce a realizar sus deseos.
"La fiebre del oro" es un retrato de la realidad que imperó en Alaska desde 1860 hasta principios de 1900, donde la búsqueda de dicho mineral atrajo a hombres de distintas partes del mundo dispuestos a aventurarse por alcanzar el sueño dorado.
Es un filme que además de sus chuscas e increíbles situaciones, proyecta la angustia, la carencia, la muerte, la lucha por la supervivencia de unos a costa de otros, una verdad que se difuminaba ante el despampanante deseo de alcanzar la riqueza. Satirizando las ambiciones humanas, y la metamorfosis de vagabundo a millonario, proyecta perfectamente cómo la presencia del dinero puede cambiar las cosas, las personas y los protocolos.
Algunas características de esta cinta, son sus tomas panorámicas que permiten apreciar el clima, el territorio y las condiciones bajo las cuales los buscadores de oro mantenían su afán; la utilización de diálogos escritos favorecieron a la secuencia del filme, así como también ayudaron a captar mucho mejor la atención del espectador involucrándolo en una historia con imágenes, sin embargo, existieron algunos pequeños detalles en los que los movimientos de los personajes no estuvieron bien coordinados entre unas escenas y otras; se pudo apreciar también la aplicación del movimiento de cámara sobre todo en las escenas de persecución; los efectos especiales fueron excelentes principalmente los vistos en las escenas de la cabaña al filo del precipicio; un aspecto descuidado sin duda fue el vestuario, un ejemplo de ello fue el personaje de Georgia que repitió el mismo vestido en todas las escenas, lo único que varió fue que en algunas traía puesto encima un abrigo.
Chaplin, en su filme "la fiebre del oro" ofrece un viaje repleto de diversión, sorpresas, ternura, realidad y reflexión.
"la Fiebre del oro". E.U.A 1898. dirigida por Charles Chaplin.
Con las actuaciones de:
Georgia Hale, Mack Swain y Tom Murray.
En esta película se proyecta la vida cotidiana de Nanuk, un esquimal que para sobrevivir, proteger y sostener a su familia tiene que recurrir a las actividades más básicas de supervivencia: caza, pesca, extracción de pieles, construcción de vivienda (iglú).
En 1922, el director Robert J. Flaherty logró aprovechar los escenarios naturales que la Bahía de Hudson (en el Ártico) le brindó para utilizar fragmentos de la vida cotidiana de un esquimal y crear así una historia mediante la cual propuso una nueva opción: El Cine de No Ficción, propuesta que revolucionaría el antiguo concepto de cine documental introducido por los hermanos Lumiere.
A pesar de que en sus inicios, el propósito principal del proyecto de Flaherty parecía ser el promocionar los productos de piel de la empresa francesa Revillon, su producto final fue mostrar una nueva alternativa de cine en el que hace viajar al espectador hacia un mundo inimaginable pero real, desde un desierto de nieve donde predomina la soledad hasta la recóndita intimidad de un "cálido iglú" donde toda una familia come, se desviste y se reconforta entre pieles que representan camas.
Es una propuesta interesante, que capta la naturaleza (animales en su hábitat natural) sin manipularla contrario a lo que sucede respecto a las actividades de los personajes las cuales algunas estaban en desuso (por ejemplo las técnicas de caza que utilizó Nanuk) y fueron retomadas mostrando un mundo fascinantemente primitivo regido por la cooperación colectiva en las actividades que requerían el empleo de la fuerza. Los trucos utilizados por Flaherty resultaron estupendos, sobre todo aquel en el que toda una familia incluyendo a un cachorro salen uno tras otro del bote donde se transporta Nanuk (dando el efecto de un submarino), la fotografía fue otro elemento que imprimió un toque de calidad en la cinta, aunque en algunas escenas los objetos principales aparecieron fuera del cuadro, la extensa duración de algunas escenas propiciaron un toque de fastidio.
La obra de Flaherty es admirable por su realización y por la increíble realidad que en ella proyecta.
Nanook of the North. " Nanuk, el esquimal".
Documental (cine de No-ficción).
Robert J. Flaherty.
U.S.A. 1922
Trabajo presentado por:
Iris Adriana Gastélum Gerardo
Universidad de Sonora.