En la sensibilidad barroca se aprecia una tendencia espectacular hacia lo decorativo, un abandono de las reglas de la estética clásica, una búsqueda de originalidad a toda costa, un predominio de la fantasia sobre la fiel representación de la realidad, una exploración minuciosa de la psicologia humana y un gusto desmesurado por la ampulosidad. Tradicionalmente se donimna "Barroco" al período de transcurre desde 1600 a 1750. La especial actitud estilista que caracteriza al arte barroco alcanzó su momento de madures en Italia hacia 1630 y se desarrollo en los cuarenta años siguientes. A partir de este momento se difundió por todas las naciones de Europa, adquiriendo particular importancia en España y en las ciudades hispanoamericanas. El arte barroco jugó un papel importante en los conflictos religiosos de este periodo. Frente a la tendencia protestante a construir los edificios para el culto de una manera sobria y sin decoración, la iglesia católica usrá para sus fines litúrgicos la grandiosidad y la ocmplejidad barrocas. En este sentido se puede afirmar que le barroco es la expresión estética de la Contrarreforma.
Peter Paul Rubens (1577-1640)
Rubens fue un destacado exponente del estilo barroco y uno de los mayores artistas del siglo XVII. Durante una estancia en Italia (1600-1608), se vio influido por el arteantiguo y el renacimiento italiano y llegó a ser el pintor por excelencia de retablos, de pintura histórica, de decoraciones a gran escala y de paisajes. Erudito, coleccionista y diplomático, fue nombrado caballero por Felipe IV de España y Carlos I de Inglaterra. De padres flamencos, Rubens nació en Siegen, Alemania, y hacia 1588 se trasladó a Amberes, Bélgica, donde se formó con Otto van Veen. Entre 1600 y 1608, Rubens estuvo en Italia; en Mantua trabajó para los Gonzaga, pero pasó periodos en Roma y Génova. También estuvo en España. A su regreso a Amberes realizó los dos fabulosos trípticos de la Resurrección y el Descendimiento de la Cruz. En 1609, Rubens fue nombrado pintor de corte del archiduque Alberto y la infanta Isabel,gobernadores de los Países Bajos bajo la corona española. En 1628-1630, Rubens estuvo de nuevo en España, donde conoció a Diego Velázquez, y desde donde viajó a Inglaterra, como intermediario para negociar una alianza entre los dos países. Carlos I encargó a Rubens la decoración del techo de la Banqueting House de Whitehall. Rubens presentó al rey su obra "La paz y la guerra". Tras la muerte en 1626 de su primera esposa, Isabel Brant, Rubens contrajo matrimonio con Helena Fourment en 1630. En 1635 adquirió la casa solariega de Het Steen, donde pasó los últimos años de su vida parcialmente retirado. Durante esta última etapa pintó paisajes por diversión, pero sus encargos (algunos para Felipe IV de España) eran realizados en gran medida por sus discípulos, quienes se basaban en los dibujos preliminares del artista. En rubens tanto la Iglesia como el estado, encontraron un artista soberanamente dotado para satisfacer sus demandas de decoración y glorificación en gran escala. Rompió decididamente con la tradición septentrional de las obras de reducidas proporciones; las suyas mostraron a sus contemporáneos las inmensas posibilidaddes del arte vigorosamente naturalista. Su arte tipifica el barroco, en el se encuentran todas las caracteristicas que se asocian con este estilo. Esta pleno de poder, de gestos amplios y de movimiento dinámico; el colorido es resplandeciente y radiante, las pinceladas, libres y expresivas. Se funda en un intenso estudio de la naturaleza y recibe una exhuberante vitalidad de su percepción de la belleza sensual de la superficie y textura de la carne, de los ricos tejidos, de la hierba y de l agua. Una gran confianza en el vigor del cuerpo, una creencia en la energía que expresa una gratitud religiosa por la vida, se encuentran en el nucleo de su estilo y se ponene de manifiesto tanto en el gozoso sentimiento festivo de sus retablos como en la lustrosa y sedosa piel de sus desnudos femeninos. En la obra de Rubens se pueden observar características como la simplicidad, que en realidad con este término no se refiere al modo en que se organizan la riqueza de significación y forma en una estructura total que define claramente al lugar y la función de cada uno de los detalles en conjunto. Kurt Badt dice de Rubens, que es uno de los artistas más simples, lo cual parecería paradojico. Explica: "Claro que para captar su simpliicidad es necesario entender un orden que domina un enorme mundo de fuerzas activas". Badt defina la simplicidad artistica como "el ordenamiento más habil de los medios basado en la comprensión de lo esencial, a lo cual todo lo demás debe subordinarse". En cuanto a la iluminación, Goethe hizo notar la incohorencia de un grabado de Rubens. La mayor parte de los objetos que se veian en el paisajeaparecian como iluminados desde adelante y, por lo tanto, su cara mas brillante era la que daba al observador. En particular la luz brillante que descendia sobre un grupo de trabajadores en el primer termino, se destacaba eficazmente de un fondo oscuro. Este contraste se lograba, no obstante, por medio de una gran sombra que avanzaba desde un grupo de árboles hacia el observador, lo que contradecía los otros efectos luminosos de la imagen. "La doble iluminación", comenta goethe "es por cierto forzada y, podria uno decir, contra natura. Pero si es contra natura, diré que, a la vez es mas elevada que natura…"
Venus y cupido Primero entre los pintores flamencos, recibe influencias de Miguel Angel en sus figuras y de Tiziano en el señalamiento espacial por medio del color. Este cuadro es una de las copias que hace de Tiziano. Aparece el tema del espejo, que mira a Venus mientras ella mira a Cupido. Se pueden observar brazos y piernas fuertes El intenso erotismo que despliega Rubens en su obra tiene una manifestación en esta obra.
La adoracion de los magos Esta pintura es una de las mayores que guarda el Museo del Prado. Originalmente más pequeña, el propio Rubens la amplió -por arriba y por la derecha- veinte años después de haberla pintado. La había hecho para el Ayuntamiento de su ciudad -Amberes-; a través de las manos del gobernador español llegó a las de Felipe IV, que encargó a Rubens su ampliación durante la segunda estancia del pintor en la corte madrileña. En la parte añadida de la derecha incluyó Rubens su autorretrato -es el caballero vestido de morado que vuelve su mirada al espectador-. Todo el lienzo es una fiesta de color, movimiento y lujo. Es una de sus obras más aparatosas y desbordadas, aunque bien organizada sobre un eje diagonal que parte de la figura del Niño y vertebra la composición del cuadro hasta el ángulo opuesto. Las tres gracias Esta obra, ya de los últimos años de Rubens, permaneció siempre en su colección, y fue subastada junto con otras propiedades suyas a la muerte del pintor; entonces la compró un representante de Felipe IV. Durante buena parte del siglo XVIII estuvo guardada, con otros cuadros de desnudos -considerados pecaminosos por Carlos III-, en una galería secreta de la Academia de Bellas Artes. Las Gracias eran tres de las hijas de Zeus, a las que se consideraba en la mitología como diosas de la alegría y los festejos, al servicio de Afrodita, diosa del amor. Rubens retrató en la figura de la izquierda a su segunda esposa, una joven con la que se había casado teniendo ella dieciséis años y estando él cercano a los sesenta. Las formas opulentas de Elena Fourment le sirvieron en muchas ocasiones como modelo para sus figuras femeninas.
Harmenszoon Van Rijn, Rembrandt (1606-1669)
Hijo de un molinero, nació en Leiden, en cuya universidad ingresó, pero la dejo para hacerse pintor. En 1631, pasó a Amsterdam, donde consiguió con rapidez reputación internacional y prosperidad material. Sin embargo, tras el fallecimiento de su primera esposa, Saskia, en 1642, se vio asediado por dificultades financieras y personales. Despues de 1645, vivió con Hendrickje Stoffels, pero tanto ella como los hijos murieron antes que él. Rembrandt dibujo, pintó y grabó incesantemente. Apuró al máximo los recursos de estos tres medios de arte. Sus dibuos solinan ser estudios impulsivos, directos de la naturaleza, que servía de estímulo a su imaginación. Aunque usaba el buril con una inusitada espontaneidad, sus grabados solían estar tan elaboradamente trabajados como sus pinturas. Las primeras pinturas de Rembrandt eran de pequeñas proporciones con escenas dramáticamente pobladas. En la decada de 1630 atravesó por una fase ostentosamente barroca, quizá con la intención deliberada de emular a Rubens; a veces se inspiraron en la de este último, y sus formas tenían un sentido del peso y del volumen que sugieren la influencia de aquel. Las pinturas temáticas de este período son dramáticas, llenas de gestos y expresiones violentas y exageradas. Mostró un gusto romántico por los materiales exóticos y los metales preciosos. Su autorretrato y los retratos de su familia revelan una confianza propia en sí mismo casi jactanciosa. La ronda nocturna de 1642, que muestra el desfile de una compañía de la guardia, resume una fase barroca. Los jefes de la compañía parcen querer salirse del cuadro; movimientos diagonales zigzaguean hacia el fondo, la luz tiene un encanto teatral. Los dos personajes principales, los que se encuentran en el centro de la obra, poseen algunas características con respecto a la sombra. Es factible observar sobre el uniforme del teniente, la sombra de una mano. No resulta dificil determinar qeue es proyectada por la mano gesticulante del capitán, pero a los ojos la relacion no resulta evidente en absoluto. La sombra de l amno no tien ninguna relación significativa con el objeto sobre el que aparece. Puede considerarse como una aparición surgida de cualquier parte, pues sólo adquiere significación cuando se la relaciona con la mano del capitán, que está algo alejada, no directamente relacionada con la sombra, y es de forma totalmente distinta. En la década de 1640, el estilo de Rembrandt se hizo más parco y retrído. Rechazó el despliegue barroco a favor de una sencillez clásica, e intentó comunicar un sentido de vida interior. Con el objeto de lograr una mayor simplicidad en sus obras, abandonó el empleo del azul porque no se ajustaba a la armonia que lograba con el castaño dorado, el rojo, el ocre y el verde oliva. Con frecuencia pintaba escenas de la Sagrada familia o de la juventud de Jesucristo, tiernas y liricas en su sentimiento y se intereso más por el paisaje. Desde 1648, la profundidad de la comprensión de Rembrandt de la sutileza y complejidad de los sentimientos humanos, y su habilidad excepcional para comunicar la sensación de la vida espiritual del hombre, como contraposición a su vida activa o mundana, creció cada vez más. La base del arte de Rembrandt fue, desde un comienzo, el claroscuro. Para fines de la década de 1640 se había convertido en un medio de crear tono y emoción y de sugerir valores espirituales. En el retrato de una Mujer con un abanico de plumas de avestruz, es el intangible juego de la luz y de la sombra lo que crea un aire de vigilante intorspeccion. El lado izquierdo del rostro percibe la máxima cantidad de luz, mientras que profundas sombras lo velan todo, menos el ojo en el lado derecho. La retratada aparece apartada del espectador, hundida en un mundo privado de ensoñacion interna. Rembrandt no muestra nada de interes del artista barroco en el pareceido exacto. Rembrandt colocaba la luz en el espacio pictórico que mejor el cuadraba. Desde esta base penetra el espacio un gradiente de claridad creciente, no solo hacia atrás y a adelnate, sino tambien a los lados.. la luz produce un gradiente seférico que se expande en todas direcciones desde una base elegida en el espacio. UNa de las condiciones, en general de la sensacion de luminosidad, consiste en que el objeto debe poseer una claridad muy por encima de la esclaa que estbalece el resto del campo. Su claridad absoluta puede ser muy baja, y esto se advierte en los tonos dorados que utilizaba rembrandt, que resplandecen a través del polvo de tres centurias. Como pintor de escenas biblicas, Rembrandt creó una nueva clase de arte gracias a su intensa afinidad y capacidad de captación de la esencia de la circunstancia humana. En el último período, sus obras se fueron haciendo cada vez más sombrias. Con frecuencia solia elegir temas tragicos, su Jacob bendiciendo a los hijos de José, de 1656, muestra hasta que punto se habia apartado del barroco. No hay acción alguna, ni movimiento externo. En vez de esto, Rembrandt se concentra en las delicadas relaciones existentes entre las figuras y en la expresión de su importancia para cada uno de los participantes. El ambiente, intensamente espiritual, está logrado gracias al resplandor de la luz, que parece surgir de las mismas figuras. La obra de Rembrandt refleja las viscitudes de su vida. En efecto, despues de lograr el exito y de casarse, pierde su riqueza y su clientela, viviendo cada vez más estrechamente. Sin embargo, tiene discipulos toda su vida. A pesar de su evolución constante, la abundante obra de Rembrandt conserva unidad gracias a su pasión por un claroscuro dramático y una tendencia muy marcada al monocromatismo. No favorece ningun tipo de composición, puede distribuir la luz en forma sorprendente, cuida los matices de color, manifiesta siempre vitalidad y, claramente, la expresión le importa más que el respeto de normas. Conforme avanza en la vida cuida más y más el análisis psicológico, revelando cada vez mayor empatía con sus modelos. Cuatro le son favoritos:
- Su esposa Saskia
- Su hijo Titus (eventualmente su familia)
- Su compañera Hendrickje
- El mismo, en una larga serie de autoretratos introspectivos.
Con respecto al analisis psicológico de su obra, autores como Grodeeck, da ejemplos de cómo se puede entender la simbología de algunas de sus obras. En la actitud de las figuras de Anatomía , consideradas de derecha a izquierda constituyen representaciones del organo genital masculino en las etapas de excitación y aflojamiento.. La objeción más comun a esta interpretación, se dirige a su unilateralidad, es decir, a la presuposición de que el sexo es la experiencia humana maás fundamental e importante, ala que se refiere todo lo demas. Los psicologos han probado que esta suposición no está probada. A lo más la teoria vale para ciertaa personas psiconeuroticas o aun para peridos culturales en los que " una sexualidad sobrecargada se acumula tras una represa" de severas restricciones morales.
Rembrandt pintó un cáncer de piel hace tres siglos
SYDNEY.- Un cancerólogo australiano jubilado diagnosticó el ejemplo perfecto de un cáncer de piel, pintado hace más de tres siglos por Rembrandt, en el cuadro Hombre con traje oriental. En una carta publicada en la edición de enero del Medical Journal of Australia, el doctor Robert Bourne explica cómo identificó un tumor canceroso glandular (carcinoma) en el rostro del hombre retratado, informó AFP. "La pintura es de tal precisión que equivale a una fotografía médica, lo que demuestra el talento del gran maestro holandés, que pintaba realmente lo que veía", escribió el médico. La causa principal del carcinoma es una exposición excesiva a sol o a radiaciones. El Hombre en traje oriental fue pintado en 1635.
Comparacion entre los dos autores
Claramente se puede observar, que hubo una notable influencia de Ruibens en Rembrandt, ya que varias de las características utilizadas por el primero fueron tambien utilizadas por Rembrandt, aunque existió un gran diferencia entre las obras de ambos en la técnica utilizada, el color, la lumninosidad, etc. En sus obras, las formas que utiliza tenían un sentido del peso y del volumen que sugieren la influencia de aquel. En ambos se muestran los rasgos típicos del barroco, aunque estos estan mas marcados en Rubens, que practicamente caracteriza estosd rasgos en sus obras completamente. Rembrandt utiliza en forma frecuente la técnica del claroscuro, tomada de leonardo Da Vinci, la cual no es utilizada por Rubens. En las obras de este último se puede observar mayor colorido en comparación con las de rembrandt, que como dije antes sólo utilizaba una gama de colores que podian variar según las obras, pero en su mayoria eran los mismos. Es factible observar tambien, que en las obras de Rubens existe una mayor luminosidad, no obstante las obras de Rembrandt tambien poseen luminosidad pero en menor medida y se muestran mas sombrias.
Bibliografía
- "Enciclopedia Autodidáctica Océano", Tomo VII, Editorial Océano, Barcelona, España
- "Historia Universal del Arte", Tomo 6, Editorial Sarpe, Madrid, España, 1984
- http://www.tam.itesm.mx/~jdorante/art/barroco.html
- "Galeria nacional de Praga" El mundo de los Museos, editorial Codex, S.A., Madrid, 1966.
- "Arte y percepción visual", Rudolf Arnheim, Editorial Universitaria de Buenos Aires, Argentina, 1972
Trabajo enviado por: Lisa Wantz lisa_violeta[arroba]hotmail.com