Protocubismo

Período negro o protocubista (1906)

Entorno

1906. Picasso con 25 años de edad estaba organizado con Fernande, su modelo y amante en el Bateau Lavoir, de París.

– Había establecido relaciones estrechas con los artistas del Montmartre, con amigos de la colonia española y con los representantes de la vanguardia literaria de París. Las reuniones mantenidas con estos últimos tenían lugar en el café "Closerie des Lilas", y estaban protagonizadas en su mayoría por el escritor y publicista Guillaume Apollinaire, quien solía comentar muchas de las obras de Picasso, contribuyendo de esta manera a la expansión de su nombre.

– Había conseguido vender la mayoría de sus cuadros "rosa" a un mismo comprador, y, por primera vez, podía disfrutar de una posición económica desahogada.

– Visitó a sus padres en Barcelona, acompañado de su amante Fernande. Después, ambos partieron a Lérida, donde el artista finalizó su periodo rosa, e inició los ciclos del protocubismo, y cubismo. Con éste último Picasso llegó a ser reconocido mundialmente.

El Bateau Lavoir

Una casa en los altos de Montmartre, que realmente se parecía a una de las barcazas del Sena en donde trabajaban las lavanderas. Era un ruidoso y desvencijado edificio construido con maderas, cinc y sucios vidrios, del que sobresalían las chimeneas de las estufas. El caserón apenas tenía luz y solo disponía de una fuente de agua para todos los inquilinos. En verano era un verdadero horno y en invierno un congelador. Allí pasaría el pintor malagueño sus primeros cinco años parisienses.

Y fue allí, en el Bateau Lavoir, donde encontró a Fernande OIivier. Tenía su misma edad, 22 años, y unos hermosos ojos verdes que enseguida atrajeron al pintor. Bella, famosa entre los artistas por su holgazanería, corpulenta, era también una espléndida cocinera y tan buena administradora que conseguía alimentar a Picasso y a sus amigos con solo dos francos diarios. No pudo aceptar las proposiciones de matrimonio hechas por Picasso, porque ya estaba casada. No se cansó de retratarla nunca, como a sus otras mujeres. A pesar de las dificultades y estrecheces de la vida cotidiana, su vida junto a aquella mujer fue un oasis de paz. Picasso, ella y un numeroso grupo de amigos, españoles muchos de ellos, vivían una bohemia pobre, divertida y laboriosa, en una extraña comunidad artística. El grupo empezó a ser conocido como "La Banda Picasso".

Au Lapin Agile

En lo alto de la colina de Montmartre, un barbudo, Fredde, acababa de abrir un pequeño café llamado "Au Lapin Agile". Muy pronto sería famoso como centro de reunión de los artistas bohemios y por los cuadros que colgaban de sus paredes, entregados todos como pago de sus comidas y sus copas.

Características

– A este periodo se le llama negro por la influencia en él de mascaras y esculturas africanas. Y protocubista, para indicar con el prefijo proto del griego, que se realizó antes o primero que el cubismo.

– Entre las influencias que tuvo el protocubismo en sus orígenes, ocupan un lugar importante el arte primitivo y, en especial, el de África negra.

La influencia del Arte Africano en el Cubismo

Los artistas de movimiento cubista consideraron que las tradiciones del arte occidental estaban sobrevaloradas y el remedio que aplicaron para revitalizar su trabajo consistió en aprovechar la energía expresiva de otras culturas, especialmente la del arte africano.

Un elemento controversial del cubismo temprano fueron las caras grotescas que evocan las máscaras africanas. Las características exageradas de esas máscaras representaron un sello distintivo del cubismo. Los artistas trataron de jugar con estos elementos en sus obras dando lugar a formas grotescas, exageradas.

Los cuadros pintados durante este período:

– Se inspiraron en las máscaras y esculturas africanas, expuestas entonces en el Museo de Louvre, y que junto a objetos exóticos se vendían en las tiendas de antigüedades y estaban de moda entre determinados círculos de París, y en especial de artistas.

– Son reestructurados por medio de líneas y ángulos.

– Se desvinculan del arte realista y son modificados o transformados con parámetros geométricos.

– Las pinturas están compuestas por líneas, superficies y volúmenes geométricos, a veces con determinados aditamentos como máscaras.

– Se cambia el punto de vista único y fijo de la pintura europea tradicional, por una multiplicidad de puntos de vista, simultáneamente representados en la misma pintura.

– Las obras no son producto de la realidad, sino de un proceso de creación meditado y consciente en el que distorsionan y superponen elementos.

– No se refleja la realidad, sino la idea de realidad que el pintor crea.

– Hay ausencia de los colores brillantes usados por los impresionistas y sus contemporáneos, los fauvistas.

– A menudo los cuadros son prácticamente monocromos con dominio de colores neutros y suaves en tonos apagados, grises, pardos u ocres.

– Se rompe con la perspectiva monofocal y se multiplican los ángulos de visión de un mismo objeto. – Se ofrece una visión compleja de la misma figura, de frente, de perfil o desde cualquier otro ángulo significativo, pero conformando una totalidad coherente.

Retratos masculinos

Joven español Gósol, 1906 Óleo sobre lienzo, 61 x48 cm.

Autorretrato con paleta 1906, Óleo sobre lienzo, 92 x73 cm. Museo de arte de Filadelfia-EEUU.

Si se observa con detenimiento estos retratos, podemos comprobar que los rostros de los dos personajes están relacionados. La razón debemos encontrarla en el empleo de las máscaras ibéricas como fuente, marcando la mandíbula y las orejas, al tiempo que las sombras bajo la mejilla y la barbilla se interrumpen de manera brusca. El cuerpo es volumétrico, casi arquitectónico, definido gracias a intensas líneas de color negro con las que consigue aportar mayor volumetría, tanto a la cabeza como al brazo. Sin embargo, el resto de la composición pertenece claramente al periodo rosa como podemos apreciar en la postura frontal de la figura o el colorido empleado, jugando con tonos rosas, azules, blancos y grises. Los ojos abiertos del artista parecen indicar expectación.

Autorretrato desnudo, Óleo sobre lienzo, 65 x54 cm.

Autorretrato joven, 1906 Óleo sobre lienzo, 26 x19 cm.

Autorretrato 1907, Óleo sobre lienzo. 56 x 46 cm. Národni Galerie, Praga. 

La línea se convierte en un elemento estructural dominante, marcando las facciones y delineando incluso el resto de áreas de la imagen, casi todas llenas de color, y muy pocas de ellas modeladas. Incluso dejó zonas del lienzo sin pintar. 

Retratos femeninos

Retrato.1907. Oleo. 61 x 46.5 cm. Museo Hermitage, San Petersburgo, Rusia

Busto desnudo. 1907.

Granjera. 1908. Oleo. 81 x 56 cm. Museo Hermitage, San Petersburgo, Rusia

Gertrude Stein, 1905-06. Óleo sobre lienzo, 99 x81 cm. Metropolitan Museum, Nueva York.

Redujo su rostro a una especie de máscara ibérica, impasible y expresiva a la vez. 

Este Retrato marca el final del período rosa y el comienzo de una nueva época. La dureza de los rasgos de la cara marca la transición de la época rosa hacia el incipiente cubismo. De las esculturas ibéricas proceden las grandes orejas, el tratamiento asimétrico del rostro y la acentuada mandíbula. Una importante novedad que anticipa el futuro cubismo será el enfoque del rostro en el que las diversas partes van adquiriendo autonomía propia como observamos en el pómulo, traído a primer plano y distorsionado, la colocación asimétrica de los ojos, uno más grande que el otro y a distinta altura o el aspecto de máscara de yeso.

Desnudos femeninos

Mujer desnuda sobre fondo rojo, 1906 Óleo sobre lienzo, 151 x100 cm.

Desnudo con una jarra.

Medio cuerpo desnudo.

Dos mujeres desnudas de frente, 1906 Óleo sobre lienzo, 58 x43 cm

Dos mujeres desnudas de perfil, 1906 Óleo sobre lienzo, 151 x93 cm MoMA, Nueva York

Mujer desnuda peinándose, 1906 museo de arte, de Forth Worth.

El peinado, 1906 Óleo sobre lienzo, 126 x90 cm. Kim bell Art Museum, Fort Worth,

Mujer con peine. 1906. Museo de l'Orangerie, París.

Mujer desnuda de pie. 1906. 153 x 94 cm

Mujer bañándose. 1906. Lápiz, acuarela

Mujer con abanico y toalla 1908 Óleo sobre lienzo, 152 x101 cm.

Es un estudio volumétrico de una mujer cuyas características se simplifican en las esferas y los triángulos. Es Cezanne llevado al extremo.

Desnudo con toalla, 1906, colección privada, París. 

La driada. 1908 óleo sobre lienzo 185x 108 cm, Museo del Ermitage, San Petersburgo.

Las driadas son hadas de los arboles, guardianas de los bosques.

Este desnudo femenino, situado en medio de árboles es monumental y esquemático. Evoca una deidad clásica grecolatina, en general de la vegetación y de los bosques. Por primera vez se observa como el ambiente de la naturaleza desempeña un papel protagónico, junto a la deidad sólida y escultórica. Se logra una síntesis entre lo humano y su entorno natural. La figura ocre surge del área boscosa sin perder su integración en la misma. La armonización de los volúmenes se consigue mediante tridimensionalidad.

Tres mujeres. 1907 Óleo sobre lienzo, 200 x178 cm.

Se trata de una obra de gran formato que, por sus tonos oscuros y su fraccionamiento en formas angulares de las redondeces corporales, encontró incomprensión y rechazo entre los contemporáneos del pintor.

Los rostros de las mujeres, se anteponen a sus cabezas en forma de máscaras estilizadas. El rosa color carne, que subraya la desnudez en Las señoritas, se cambia esta vez a ocres oscuros, en una gama que abarca desde el negro hasta el naranja claro. Con los ojos cerrados y las cabezas inclinadas, adoptan una actitud de recogimiento o introversión, que contrasta con su espontánea desnudez.

Aunque la realización de los cuerpos y los rostros de las tres mujeres es mucho más tosca que en Las señoritas de Aviñón, las figuras izquierda y central muestran una apariencia menos humana que la figura de la derecha. El aspecto individual de cada una de las tres mujeres, en principio resulta acartonado, pero da paso a poses de danza al observar el cuadro en su conjunto. La figura arrodillada de la izquierda y la que está de pie en el centro se mueven alrededor de la figura de la derecha formando un semicírculo. Las máscaras expresan un trance en el que los sentimientos más íntimos se traducen en movimientos.

Las señoritas de Aviñón (MOMA, Nueva York). Óleo sobre lienzo, 243,9 x 233,7 cm. 

Representa a unas prostitutas de la calle Aviñón en Barcelona. Aunque los primeros esbozos de la pintura están fechados a finales de 1906, la obra fue ejecutada en 1907. Con ella culminó la serie del tema burdel.

Con abandono de la radicalidad en su estilo, perspectiva y profundidad espacial, reestructura el desnudo femenino por medio de líneas y ángulos, se desvincula de los cánones de mostrar representaciones exactas de la realidad, y la transforma con parámetros geométricos.

A la izquierda una mujer desnuda sosteniendo una cortina. De las cinco señoritas, las dos laterales, de aspecto más cubista, se asemejan a máscaras africanas. El rostro de la figura de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias. Las dos centrales son más afines al estilo de los frescos medievales y a las primitivas esculturas ibéricas.

En esta pintura eliminó las referencias a la tradición, rompió con el realismo, abandonó los cánones de profundidad espacial y perspectiva, así como el ideal hasta entonces existente del cuerpo femenino, al reducir la obra a un conjunto de planos angulares, sin fondo delimitado ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su más amable época rosa, pero la crudeza del cuadro lo convierte en agresivo.

Fuentes

http://es.wikipedia.org/

http://servicios.diariosur.es/picasso/mujeres2.htm

http://adventurgraphics.blogspot.com/2012/07/la-influencia-del-arte-en-el-diseno.html

http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/9658.htm

http://www.biografiasyvidas.com/monografia/picasso/fotos4.htm

http://www.azc.uam.mx/cyad/evaluacion/HistoriaDisenoGraficoII/tres.html

http://www.taringa.net/posts/arte/9429190/Pablo-Picasso-Primeras-pinturas-de-1895-a-1909.html

Enviado por:

Rafael Bolívar Grimaldos