El video clip en constante renovación

1. Superado lo postmoderno
2. El videoclip y las nomenclaturas tradicionales
3. Audio + Video: una amalgama particular

Quito – ECUADOR

Desde 1980 se generan varias megatendencias, como el paso de la sociedad industrial a la de información, de la tecnología forzosa a la alta tecnología, de la economía nacional a la mundial, del apoyo institucional a valerse por sí mismo, de lo uno o lo otro a la opción múltiple. Los noventas se dirigieron hacia una economía global, al mercado libre y a los estilos de vida mundializados (Naisbitt y Arburdene; 1992: 12), situación que se consolida en el siglo XXI.

A mediados del siglo XX se dan importantes cambios en la escena del entretenimiento mundial. Para la década del sesenta, la televisión es uno de los medios más importantes como fuente informativa y de entretenimiento. Paralelamente evolucionan las tecnologías: aparece el video como soporte de grabación, esto abarata costos y da la posibilidad a las televisoras de realizar programas pregrabados.

En esos años también la concepción de arte varía, nacen nuevos criterios y movimientos como el pop art, op art y el happening; formas de hacer arte que acogen elementos no tradicionales para crear sus obras, acercando el arte a las masas, abriendo las fronteras creativas y de consumo.

Unificando estos dos fenómenos -el nacimiento del video y la deslimitación del arte- surge la vertiente denominada videoarte. El videoarte hizo que el uso del video no fuera exclusivo de la televisión: los videoartistas tomaron las cámaras y salieron a la calle, llevaron el video a otros campos para experimentar.

El ambiente musical no estuvo exento de cambios. La aparición del rock and roll fue uno de los grandes impulsos para esta industria, y las nuevas estrellas como Elvis Presley y Los Beatles -con sus maquinarias creadoras- lo aprovecharon para ingresar a la pantalla grande. Se hacen entonces diversos musicales para el cine, películas que funcionaron como promocionales, y aportaron nuevos elementos narrativos al cine tradicional.

Fuera de las salas de proyección también surgen cortos musicales; por ejemplo, en los bares existían rocolas que permitían observar imágenes del artista o cortas historias mientras se escuchaban las piezas. Una de ellas fue la rocola visual Scopitone, la creación de la primera se remonta a la década de 1930 con el invento del Panoram de la Mills Novelty Company de Chicago (Saldana; 2001).

En este contexto, ya las cartas estaban echadas para que el video clip musical naciera, y fue así; las disqueras no desaprovecharon unir a la industria de la música con el poder de la televisión: "El video serviría nuevamente y con los mismos principios del cine musical: el poder llegar a una mayor cantidad de personas y salvar una industria que caía, el disco." (Saldana; 2001); por esto se dice que el video clip tiene en el marketing su marca de origen (Leguizamón; 1998).

En 1975 sale al aire Rapsodia Bohemia del grupo Queen. Este video, realizado por Bruce Gowers, tuvo un gran éxito y causó altos niveles de ventas de su álbum; además fue transmitido en diversos programas televisivos, esto, más su carácter comercial, son los puntos principales por lo que es considerado el primer video clip.

El boom definitivo de estos productos se da con la creación de MTV en 1981, cadena dedicada a la transmisión de videos musicales, y a la que le siguieron otras iniciativas, creando así los espacios necesarios para incentivar la producción.

Actualmente, con los nuevos modelos de vida, donde la rapidez en los procesos es lo cotidiano, el video musical se establece con facilidad; su corta duración y la atractiva unión imágenes-música hace que sea consumible en los ratos de ocio sin ser considerablemente afectado por el zapping, ya que esta forma de ver televisión beneficia a los productos cortos, a los audiovisuales que ahora también son vistos y consumidos como fast food.

Superado lo postmoderno

A los videos se les suele ubicar como postmodernos, porque elaboran un concepto o estética general a partir de la unión de recursos. Pero en su evolución, el video ha retomado diversas tendencias para su construcción, deconstrucción y reconstrucción; por lo que no pertenece exclusivamente a un solo movimiento.

Si revisamos ciertos pasajes del quehacer cinematográfico, podemos encontrar acercamientos a la experimentación que supone un video clip, como lo menciona Fernand Léger: "El porvenir del cine y del cuadro se encuentra en el interés que otorgue a los objetos, a los fragmentos de estos objetos o a las invenciones puramente fantásticas e imaginativas. El error pictórico es el tema. El error del cine es el guión" (Mitry).

Iniciando el siglo XX se impone en la producción cinematográfica lo que Noël Burch llama "Modo de Representación Institucional", apoyado en el desarrollo del montaje según los planteamientos de Griffith, e influenciado por la narrativa literaria y la puesta en escena teatral. Lo que pretende es crear lo que Burch define como "espacio habitable", donde el espectador no necesite hacer ningún esfuerzo de interpretación.

Al mismo tiempo, algunos creadores se acercaron al cine pero buscando un lenguaje propio. Uno de los primeros es Sinfonía diagonal (1924), del pintor Vicking Eggelink. Por la misma época, Antonin Artaud escribe el primer guión de una película surrealista La concha y el reverendo, realizado por Germaine Dulac en 1927. Sobre el lenguaje cinematográfico escribe Artaud: "No se trata de encontrar en el lenguaje visual un equivalente del lenguaje escrito, en que el lenguaje visual no sería más que una mala traducción, sino antes bien de hacer patente la esencia misma del lenguaje…" (Artaud).