La luz para los artistas, los museólogos y los arquitectos

La iluminación natural para los artistas, es importante desde siempre.

La influencia de la luz, en la visión de las obras y los efectos que podía causar en la conservación de las mismas, influyó en la historia del arte, llevando tal vez a interpretaciones erróneas del uso del color en algunos artistas.

Ejemplo relevante fue la interpretación de los colores utilizados por Miguel Ángel en el Juicio Universal de la Capilla Sistina, en el Vaticano. Los colores obscuros aplicados en el fresco, se pensaba ser utilizados para dramatizar el momento representado, sólo después de haber quitado la capa producida principalmente por el humo de las velas, que iluminaban el ambiente, se constató que los colores utilizados eran vivos y brillantes.

Los pintores se han preocupado siempre de la evolución de los pigmentos en el tiempo, y aplicaban las técnicas del momento para garantizar la prevención de estos fenómenos.

Los artistas pensaban en sus obras ya en un contexto, porque pintaban por encargo, trataba de responder a las peticiones de los mecenas y muchas de las pinturas estaban estudiadas también según la perspectiva del observador y desde el punto de vista  lumínico, conociendo el sitio y su colocación. Caravaggio fue un pintor emblemático en su relación con la luz, la mayoría de sus pinturas fueron comisionadas por órdenes eclesiásticos y fueron colocadas en iglesias, donde la iluminación cenital, exaltaba la atmósfera teatral de las telas. Inventa para la luz una función estructural del todo nueva como si fuera un "tercer elemento "al lado del dibujo y del color.

Cuando se empezó a exponer obras de forma permanente en palacios del siglo XVl, se cambio, el uso de muchos edificios, convirtiéndolos, en lugares de exposición públicas de colecciones privadas.

Para adaptar los palacios al nuevo uso, se aportaron varia modificaciones: dado la importancia fundamental a la iluminación natural, se amplio, la altura, el volumen y el numero de las ventanas, con cambios de fachadas.

En el siglo XVlll, las ventanas llegaron a ser franjas corridas de cristal alcanzando el techo, (Gallería Gonzaga en Florencia, Italia). Se empezó en el tiempo, a buscar la forma de convertir la luz directa en luz difusa.

Al principio de este siglo, muchos son los movimientos pictóricos que enfatizaron, la luz natural como la mayor fuente de inspiración. Claude Monet con su obra "Impression, soleil levan", inspiró el nombre del movimiento pictórico francés en 1860, "Impresionismo", que representó en sus pinturas, la sensación que producía la evolución de la atmósfera creada por la luz, a lo largo del día.

El comercio del arte al final del siglo XIX, era muy variado, es fácil pensar que los autores de las obras se sintiesen libres de no pensar, en el momento de su creación, en la colocación de la misma, aunque seguramente, motivado por el periodo en que vivían, pensaban en la visión de la obra en un ambiente iluminado principalmente en forma natural.

Empezaron estudios específicos sobre la conformación de los museos hasta que J.-N.-L. Durand en el 1802, propuso en la publicación del "las lecciones de arquitectura, de los modelo teóricos de Boullée" esquemas más realizables de museos, inspirados al Panteón, a las Basílicas, y las Termas. Los instrumentos compositivos adoptados son; la galerías abovedadas en torno a patios, con ventanas semicirculares, puestas en el alto de las paredes. Recorrido circular, con zonas de descanso, y amplia columnata, que definen los lados del cuadrado, donde se inscribe la "rotonda" que es, el elemento ordenador de la composición, iluminando de forma cenital.

El proyecto de Durand, va modificándose en la interpretación del tiempo, un ejemplo relevante de su evolución fue la Dulwich Gallery en las afueras de Londres, UK (1811-1817), de Sir John Soane"s.

Desde entonces se acrecentaron los modelos de iluminación cenital, siempre más sofisticados, llegando a ser la principal fuente, de iluminación natural, en los lugares públicos.

Se emplea solo una mitad del modelo de Durand, en el Altes Museum de Berlín, Alemania, (1823), obra de Karl Friedrich Schinkel, se incluye una rotonda con cúpula y columnas, que enfatiza su monumentalidad, a través de una gran escalinata que a partir de entonces será rasgo característico de muchos museos.

En contraste, Joseph Paxton levanta en (1850), en Londres, Inglaterra, una gran estructura de hierro y vidrio para la exhibición de objetos, esta obra representa el polo opuesto del debate museístico del tiempo: el Cristal Palace, es un espacio transparente y neutro, "modelo innovador, de una nueva Arquitectura".

La luz artificial fue mirada por los artistas como elemento fascinante, inspiradora de nuevos temas de arte. Emblemática en el movimiento surrealista, la pintura, del artista belga René Magritte (1898-1967) que exalta esta nueva invención, particularmente en su obra "Impero de la luz". En Italia, el pintor futurista Balla, en 1909 expone su obra "Lampada ad arco" donde se muestra, en primer plano sobre la entera superficie de la pintura, la tecnología con la lámpara a incandescencia y sólo en segundo plano aparece una pequeña luna.

Los artistas exaltan el progreso técnico y científico, y enfatizan la perspectiva que estos inventos permiten, como el de la velocidad, la iluminación. En el manifiesto" Voz de Movimiento Futurista", el pintor Marinetti, habla de los museos como "cementerio", pidiendo su destrucción; mientras en Francia, Jean Cocteau, califica el Louvre como depósito de cadáveres".